Om & Asociados

-Asombroso Spider-man Presenta: Gata Negra y Jackpot de Jen Van Meter, Marc Guggenheim, Javier Pulido y Adriana Melo-

2011-09-08T23:00:00.000+02:00

-Publicado Previamente en Zona Negativa-

“Ay, sabes que eres la única mujer que me ha hecho caer” Introducción

En las últimas décadas Spider-man ha estado inmerso en una montaña rusa de cambios y acontecimientos, desde la marcha de J. M. Straczynski de The Amazing Spider-man el personaje ha vivido en una suerte de realidad paralela a la del resto del Universo Marvel que no ha producido pocos quebraderos de cabeza a los aficionados respecto a sus dudas con la continuidad regular de la serie. Este bypass, período de transición, interludio o como se tenga a bien llamar, ha sido publicitado y conocido con el nombre de Brand New Day, una de las más polémicas etapas de la historia del trepamuros que ahora llega a su final, abriéndose una nueva puerta cuyo mango parece tener bien asido Dan Slott como guionista oficial y en exclusiva de las aventuras de nuestro arácnido favorito. Por el camino queda un irregular batiburrillo de relatos de calidad e interés dispar, en el que han metido mano demasiados autores y artistas, asi como algún que otro editor alérgico al matrimonio, dando una perspectiva del personaje a medio camino entre su versión más clásica y una actualización postmoderna de su particular idiosincrasia que, después de cincuenta años, desde aquel lejano e histórico Amazing Fantasy #15 concebido por Stan Lee y Steve Ditko en 1962, sigue igual de vigente que el primer día. Volviendo a Brand New Day, esta etapa se ha caracterizado, entre otras cosas, por intentar aportar sangre fresca a la galería de villanos y de personajes secundarios de Spider-man, como es el caso de Anti-Venom, American Son, Mr. Negativo o Jackpot, y también por recuperar algunos “antiguos compañeros de viaje” que habían caído en el olvido como pueden ser Flash Thompson, Harry Osborn o La Gata Negra. Estos personajes han conseguido mantener un cierto status en el universo arácnido actual y han llegado a protagonizar historias y miniseries propias relatando sus aventuras y orígenes a través de la cabecera The Amazing Spider-man Presents de la que Panini Cómics ya publicó en su día, en la colección Héroes Marvel, un primer tomo que recopilaba las historias Hijo de América de Brian Reed y Phil Briones, narrando la caída en desgracia de Norman Osborn, y Anti-Venom de Zeb Wells y Paulo Siqueira con la continuación de los sucesos acaecidos en Nueve Maneras de Morir. El pasado mes de Julio llegaba el segundo volumen de este recopilatorio en el que tomaban la alternativa las féminas de la serie, por un lado Felicia Hardy, más conocida como La Gata Negra, con una historia a cargo de Jen Van Meter y Javier Pulido relacionada con la saga El Desafío y, por otro lado, Jackspot, la superheroina creada por Dan Slott y Phil Jimenez de la que ahora toman el testigo Marc Guggenheim y Adriana Melo para relatar su nueva génesis.

Asombroso Spider-man Presenta: Gata Negra

“No te preocupes, sé cuando es el momento de ignorar el trofeo y comerse los estúpidos cereales”

Desde su nacimiento en 1979, el personaje de Felicia Hardy ha tenido, salvo en contadas ocasiones y etapas, un tratamiento de eterna secundaria en las series arácnidas. Ladrona, divertida y de dudosa moralidad, la Gata Negra no ha superado la sombra de su referente felino más obvio: Catwoman. El personaje ha vuelto a cobrar cierta relevencia durante la etapa Brand New Day lo que le ha servido, al igual que a otros que han aparecido recientemente en la serie regular de Spider-man, para conseguir una miniserie propia enmarcada dentro del evento conocido como El Desafío. Esta nueva miniserie de la Gata Negra narra cómo en medio de los acontecimientos de la saga del trepamuros, Felicia Hardy tendrá que usar sus habilidades felinas, de las que ahora vuelve a servirse para alcanzar un ciertos intereses monetarios, al contrario de la vertiente altruista y superheroica que había adquirido en las últimas décadas, para salvar la vida de su madre que ha sido secuestrada por el clan de los Kravinoff. Con esta miniserie nos encontramos ante una obra entretenida aunque su ritmo puede resultar un poco pausado en momentos en las que no debería serlo, como en las escenas de acción, que no logran destacar sobre el resto de la trama.

Tampoco se puede decir que se haya explotado especialmente al personaje en cuestión, una Gata Negra a la que le falta la chispa de vitalidad que otros autores como Kevin Smith, Roger Stern o el propio Marv Wolfman han sabido darle a lo largo de su irregular carrera. Pero esto no es todo culpa exclusivamente del equipo creativo, formado por el guionista Jen Van Meter y el dibujante español Javier Pulido, que hacen lo posible con el escenario planteado, sobre todo teniendo en cuenta que después del “mefistazo” algunas relaciones personales han sido alteradas, trastocadas o directamente borradas de un plumazo para conseguir este enfoque más “juvenil” del superhéroe arácnido. En este caso, supone un paso atrás en la madurez que un personaje como la Gata Negra que había alcanzado en historias recientes como El mal que hacen los hombres del citado Kevin Smith, posiblemente y pese a sus defectos el mejor relato escrito hasta la fecha sobre la señorita Hardy. Por otro lado, el dibujo de Javier Pulido resulta agradable a la vista, pero tiene muy poca variedad a la hora de caracterizar a los personajes, como se puede apreciar en el hecho de que la hija de Kraven y Felicia sólo difieran en su peinado y el vestuario, o que notemos solamente la belleza de la segunda en que cierto guarda de seguridad se muestre “muy solicito” con ella. Nada que ver con las portadas de la miniserie a cargo de Amanda Conner que retratan muy bien el espíritu del personaje.

Asombroso Spider-man Presenta: Jackpot

“Me siento como una adicta que ha recaído. Una adicta reticente que se vio obligada a recaer. Por la culpa. No, no es cierto. Por el deber. Que me hizo sentir culpable."

“Comtempla de nuevo a Jackpot por primera vez”. De esta manera intenta vendernos el guionista Marc Guggenheim la nueva miniserie de Jackpot, un personaje creado por Dan Slott y Phil Jimenez en la historia titulada Spider-Man: Swing Shift, el que habría de ser el Free Comic Book Day 2007, que pronto acaparó la atención de los aficionados, no por su originalidad y atractivo, más bien por el juego de identidades y secretos en la que la habían envuelto los guionistas y que parecían apuntar en dirección a la ahora ex-esposa de Spider-man, la repudiada Mary Jane Watson. Durante su corta trayectoria poco ha podido aportar un personaje como Jackpot a la historia arácnida conocida hasta la fecha pero Marc Guggenheim, secundado a los lápices por la efectiva Adriana Melo, serían los encargados designados para narrar sus nuevas aventuras. En el relato Asombroso Spider-man Presenta: Jackpot encontraremos un resumen de los acontecimientos hasta el momento, cuando la Jackpot original, la investigadora científica Sara Ehnet, recupera su antigua identidad en memoria de Alana Johnson, la joven que había vestido las mallas después de ella y cuyo dramático final conoceríamos en el The Amazing Spider-man #31 incluido en la etapa Brand New Day. Pero en sus nuevas andanzas superheroicas Jackpot se cruzará en el camino con el supervillano conocido como Boomerang y las consecuencias serán fatales para ella convirtiendo su regreso en una continúa búsqueda de venganza en la que también se verán implicados Spider-man y el antiguo mafioso conocido como La Rosa. Esta miniserie de tres números resulta, sorprendentemente, una lectura agradable y entretenida protagonizada por un personaje falto de carisma plástico pero al que Marc Guggenheim intenta otorgar una cierta profundidad psicológica. En parte el guionista consigue el objetivo pero él mismo echa por tierra su trabajo cuando, con las piezas sobre la mesa, con las particularidades que podrían dar más juego a Jackpot como es su situación familiar, desaparecen de un plumazo y sólo queda un relato que se pierde en la mediocridad.

Esto se acaba confirmando en la siguiente miniserie del personaje, también incluida en el volumen editado por Panini Cómics, con una historia en tres partes recogida en la cabecera Web of Spiderman y en la que Marc Guggenheim colabora con la artista japonesa Sana Takeda cuyo trabajo resulta, probablemente, lo mejor de esta propuesta, aunque no destaque lo suficiente como para hacer repuntar al relato. Esta historia funciona como una secuela o epílogo a la anterior entrega intentando cerrar las tramas que habían quedado pendientes el ella y que se resuelven de manera apresurada para devolver a Jackpot de nuevo al punto de partida. Todo esto demuestra que Jackpot es un personaje limitado, “una superheroina del despartamento antidroga” que combate a narcotraficantes y mafiosos, como en los años ochenta lo fueron Capa y Puñal de la mano de Bill Mantlo o como lo ha sido en muchas etapas Punisher o el mismo Spider-man, pero sus relatos no tienen nada que los haga especiales, no apuestan por el género negro, como lo haría de la mano de Brian Michael Bendis, ni parten de premisas novedosas u originales, por lo que carecen de una ambientación y un tono que le beneficie y que sirvan para explotar o encontrar las virtudes y puntos fuertes de este personaje. Porque, si bien es cierto que no hay personaje malo sino buenos guionistas, también es cierto que hay personajes cuyo juego es más interesante que el de otros y son más agradecidos de abordar. El futuro dictará sentencia sobre Jackpot pero, por lo pronto, no parece osado afirmar que su caída en el olvido no ha hecho más que empezar.

-Fan Letal Vintage de Cels Piñol-

2011-09-07T23:00:00.000+02:00

-Publicado Previamente en Zona Negativa-

"Doctor, no quiero que me venga con rodeos.

Estoy preparado para escuchar la verdad.

No tengo factor curativo como Lobezno, ¿verdad?"

Cels Piñol, guionista, ilustrador, articulista, escritor, trekkie, empresario y cazador de zombies, entre otras habilidades ejercidas y admitidas por él mismo, vuelve a la carga con sus entrañables narizones para lograr hacernos pasar un buen rato. Después de anunciar a finales de 2009 el cese de sus relaciones con Planeta deAgostini, Fan Letal Vintage se presenta como una de las últimas publicaciones de Cels Piñol ahora en colaboración con su nueva casa de acogida, Panini Cómics, a través de la cual también hemos podido disfrutar de Fanhunter: Fan Letal y Fanhunter: Fandom. Cels Piñol, que también ha lanzado hace poco una revisión de su obra Dibujar los Sonidos, es la prueba arqueológica más fehaciente que tenemos sobre la evolución del fandom, el mundo del cómic y de la historia de los entresijos editoriales en nuestro país en las dos últimas décadas, habiendo sido como aficionado un espectador y sufridor de excepción que ha lidiado en sus orígenes con un “analógico” panorama marcado por las desaparecidas Ediciones Zinco, Vértice, Bruguera y Forum hasta llegar a la “bonanza” actual, en los tiempos del advenimiento del cómic virtual, de la triada divina representada por Planeta deAgostini, Norma Editorial y Panini Cómics. En esta situación Fan Letal Vintage se muestra como una versión remasterizada de sus antiguos clásicos, una recopilación de parte de las tiras cómicas de Fan Letal / Fan con Nata que en sus inicios realizaba para Planeta deAgostini y que se publicaban mensualmente como complemento en cómics como Lobezno y Patrulla X y que, bajo el título de Fan Letal Returns, actualmente las ha recuperado para Zona Negativa. Para la ocasión, no obstante, Cels Piñol ha preferido adaptar las páginas originales de sus tiras cómicas a los nuevos tiempos ya que, según explica él mismo en una de ellas, “parecían estar dibujadas en un barco vikingo en pleno temporal del mar del norte y con un pulso discutible” y “la temática era difícilmente comprensible para el público actual” lo que hace, por otro lado, que el 60% del material de este libro sea nuevo. En definitiva, Fan Letal Vintage es una puerta abierta a la nostalgia para los veteranos y una arcana y hermética fuente de sabiduría para profanos y neófitos pero, ante todo, es una divertida manera de descubrir que no estamos solos y que unidos podemos dominar el mundo.

Cels Piñol, coleccionista reconocido de pura cepa, autoproclamado El Dibujante sin Pulso, comenzó su carrera como fanzinero “acosando” con sus preguntas y con sus dibujos de narizones las redacciones y correos de las editoriales de la época a la búsqueda de trascendentales conocimientos que, por entonces, sólo entidades como el Dr. Átomos o El Profesor Loki podían responder. Fue entonces cuando, viendo frustrada su intención de convertirse en superhéroe y descartada también la que iba a ser su fulgurante carrera militar, no desperdició la oportunidad cuando esta llamó a su puerta y decidió transfigurarse en dibujante y guionista de cómics, teniendo el honor de haber sido el primer autor patrio en disponer de una serie regular en Planeta deAgostini. Mientras tanto comenzó a autoeditar sus fanzines Kiusap y Fanhunter a través de su propia editorial Gusa Cómics y a desarrollar su faceta como articulista mientras, en los ratos libres, se dedicaba a ver algún capítulo de Dr. Who, releer una vez más su apreciado Superman Vs. Muhammad Ali de Neal Adams o, simplemente, a observar a los rayos C brillar en la oscuridad, cerca de la Puerta de Tannhäuser. El pequeño mundo de Fanhunter pronto se transformaría en un universo con múltiples proyectos, spin-offs y ramificaciones que serían la envidia del mismísimo Stan Lee, en el que destacan dos novelas, Fanhunter: Herencia y Fanhunter: Fenicius, los “manuales para bebés con padres raros” Plan BB y Fantom Town -estas dos últimas, junto a Fanhunter: Battleground Barnacity son las tres obras de Cels Piñol que forman parte del catalogo inaugural de la plataforma digital Koomic.com- e incluso híbridos a medio camino entre el cómic y los juegos de rol como Fanhunter, “el juego de rol épicodecadente”, Outfan, centrando en la ciencia ficción, o Fanpiro, una parodia de los juegos de rol de Vampiro: La Mascarada. En el camino Cels Piñol fundaría Fanhunter S.L. y Cels Animation S.L., las empresas desde las que el autor administra, como un George Lucas cualquiera, todo tipo de merchandising derivado de sus exitosas tiras cómicas Fan Letal y Fanhunter.

Fan Letal Vintage es la visión de Cels Piñol sobre nosotros mismos, los fanáticos, “los amantes de la literatura, el cine, los videojuegos, la música y otras expresiones de cultura, subcultura y metacultura”, en resumen, de casi todo lo que valga la pena coleccionar y utilizar en una conversación con personas de nuestra especie. En Fan Letal Vintage se nos ofrece una retrospectiva de la propia experiencia de Cels Piñol como aficionado a lo largo del tiempo y para ello su autor se sirve de incluir todo tipo de extras temáticos y autobiográficos, desvelándonos parte de sus joyas atesoradas con los años y relatando algunas de sus vivencias personales que más le han marcado, las antiguas películas de terror como La Noche de los Muertos Vivientes de George A. Romero, los muñecos Geyperman, las colecciones de cromos y todas esas cosas que sonarían a klingon a las juventudes de hoy en día. Pero Cels Piñol sigue en la brecha, siendo aún en la actualidad un gran consumidor de series de televisión, de cómics, novelas de ciencia ficción y fantasía y todo tipo de subcultura, lo que le permite continuar siendo un gurú entre el fandom de este país y poder conectar fácilmente con las nuevas generaciones. Este primer volumen de Fan Letal Vintage, como bien explicaba Álvaro Pons en La Cárcel de Papel, “se centra en un momento crucial donde la mítica Ediciones Vértice comenzaba a ceder el testigo a otras editoriales, donde las revistas de cómics todavía reinaban sobre los kioscos y donde los lectores habituales de tebeos comenzaban a tomar conciencia de clase”, cosa que hará soltar alguna lágrima a más de un dinosaurio. Para la ocasión, en esta nueva entrega de McClane y Cia, encontraremos también la presencia de Andrés Palomino, creador del webcómic Las Crónicas PSN, o de Juan Carlos Bonache, autor de Conejo Frustrado, ganador del premio al Mejor Cómic Online en el Expocómic 2010, que homenajean la serie de narizones de Cels Piñol con sus respectivas colaboraciones especiales en el recopilatorio. En resumen, una nueva obra de uno de los autores más apreciados de nuestro país que siempre es capaz de hacernos reír con sus ocurrencias y sus delirios mitómanos en los que reconoce, sin ningún tipo de complejo, ser uno de los nuestros.

Zona Negativa Entrevista a Cels Piñol

Zona Negativa.- Para tu nuevo libro, Fan Letal Vintage, se podría decir que has tenido que documentarte sobre tu propio trabajo. ¿Cómo ha resultado la experiencia de desempolvar tus antiguas tiras de Fan Letal / Fan con Nata después de tantos años?

Cels Piñol.- Pues ha resultado ser todo un trabajo de arqueología. Y me ha llevado más tiempo de lo que pensaba porque abría una caja, rebuscaba en el interior, recuperaba viejos cómics o fanzines o revistas, y me quedaba enganchado leyendo. Ha sido como viajar en el tiempo sin DeLorean. Claro, descubres un Micronautas número 1 el tiempo se para.
Pero incluso buscando en Internet, me ha costado situar tiras en un momento concreto, en un año concreto. Parecía como si alguien hubiera alterado la línea temporal, y por eso se me ocurrió enlazarlo con un experimento de recuperación de memoria que están realizando desde el futuro, en Fanhunter.

ZN.- ¿Te reconoces aún esas tiras? ¿Alguna te trajo algún recuerdo especial de esos años?

CP.- Me reconozco en casi todas, porque muchas muestra experiencias reales como FAN, y otras han sido tomadas de amigos coleccionistas, así que sigue siendo todo muy autobiográfico.
Los recuerdos han sido todos fabulosos porque cuando empiezas a coleccionar cómics, cada personaje, cada colección, está enlazado con momentos buenos o malos en la vida. Y cuando te haces mayor, la nostalgia, al menos en mi caso, se acentúa. Son los cómics que nunca te venederías en eBay, aquellos que, además del cómic en sí, representan algo: el primer cómic de Forum, Daredevil, el primero donde me publicaron un dibujo, el que me confiscaron los curas en el colegio, La muerte de Fénix (por cierto, ahora tengo cuatro copias de ese tebeo, enviado por fans de todo el país cuando leyeron la enécdota; ¡¡muchas gracias!!).

ZN.- Lo cierto es que tus fans llevaban tiempo solicitando la reedición de las primeras tiras de Fan Letal / Fan con Nata. ¿Cómo surgió finalmente la posibilidad de recuperarlas? ¿Fue una propuesta tuya a Panini Cómics o fue la editorial la que estaba interesada en ello?

CP.- La primera propuesta llegó de David Hernando, en Planeta DeAgostini. Su intención era la de publicar un ómnibus que recopilara todas las tiras porque, antes de que se incluyeran en zonanegativa.com, estaba previsto subirlas a la web de las empresa que llevaba los números atrasados de PdA.
Luego la relación con Planeta se cerró y en Panini me propusieron recopilarlas, porque sabían que se habían venido muy bien, mucho más que cualquier Fanhunter. Pero después de revisarlas, las tiras me parecieron muy ‘viejas’. Muchas no se entendían, ni siquiera con el glosario. Y, bueno, ahora dibujo un poco mejor, así que le comenté a Alejandro M. Viturtia que un ‘remake’ estaba justificado. Aquello había que narrarlo con otro estilo.

ZN.- ¿Eres muy crítico con tu propio trabajo?

CP.- Muchisimo. El Cels que dibuja en estado creativo, muchas veces contra reloj, bajo presión, es muy distinto al que luego revisa el libro publicado. Cambiaría tantas cosas… Pero los lectores me comentan que les gusta esa frescura, supongo porque lo ven muy espontáneo. Algo más trabajado, más planificado, puede que al final saliera artificial.

ZN.- ¿Te gusta leer reseñas y criticas de tus obras o es algo en lo que no prefieres perder mucho el tiempo?

CP.- Las leo todas. Es necesario para mejorar en la siguiente entrega. No solo las reseñas, sino los comentarios en Twitter, Facebook o Google+. Me gusta escuchar a los lectores, recibir consejos, anotar aportaciones. En lo único que he llevado la contraria a muchos fans de los narizones es en el hecho de ponerles piernas. Me lo impuse para aprender a dibujar mejor, y creo que he acertado.
Además, los lectores de hace 22 años no son los mismos que ahora, y hay que evolucionar. Sin contacto con otros fans, las experiencias quedarían sesgadas, no serían representativas de todos.

ZN.- En Fan Letal Vintage incluyes muchas imágenes nostálgicas de todo tipo de merchandising que atesoras en tu casa. Entre ellas llama especialmente la atención la página de un correo del mítico Dr. Átomos en un cómic de Daredevil en el que te respondía a tus dudas sobre los cómics Marvel de Kiss mientras, más arriba, hacía lo propio con las dudas sobre La Muerte del Capitán Marvel a un tal Carlos Pacheco. ¿Como descubriste posteriormente esta curiosa e histórica coincidencia?

CP.- Hasta finales de los ’90 guardaba fotocopias de todas las publicaciones. Tengo un archivo bastante completo donde también figuran otros nombres de personas que empezaron leyendo tebeos como yo, participando en los Correos de los Lectores y luego profesionalizándose. Esa página está en la carpeta Hall of Fame, junto a otras maravillas como la carta y los guiones que me envió Enrique S. Abulí (la anécdota figura en el libro), una postal del Punisher con una dedicatoria de Stan Lee que él mismo me dio en una cena, etc.
Estoy pensando en escannear todo esto e irlo subiendo al Blog.

ZN.- ¿Qué te tendría que ofrecer alguien para que te desprendieses de tu ejemplar firmado y dedicado del Superman Vs. Muhammad Alí de Neal Adams?

CP.- Nada pude comprar eso. Nada.

ZN.- La evolución en tu dibujo a lo largo de los años es palpable pero, ¿ha cambiado en algo tu sentido del humor? ¿Te ríes con las mismas cosas que hace veinte años?

CP.- Pues algunas cosas sí. Alf me tiene enganchado a la pantalla cada vez que emiten una reposición. Los primeros Superlópez me siguen encantando. Disfruto uno y otra vez de los libro de golf y fútbol de Mordillo. Groo, de Aragonés, hay que revisitarlo cada año… En cómics, cine y libros, muchas creaciones de los setenta y los ochenta me siguen tocando la fibra sensible. Micronautas, Atari Force, Rom… En el fondo, sigo siendo un niño con ganas de dejarse llevar por el guión y el dibujo de aquella época. Ahora ya no me marcan tantas cosas, o me marcan cosas distintas, pero entonces, wuow… Y no soy el único: pasaros por cualquier sesión de Phenomena en el Cine Urgell de Barcelona y veréis a chavales de veinte, treinta, cuarenta y cincuenta años dejando suelto su frikismo.

ZN.- Hace ya algo más de un año y medio que te asociaste con Panini Cómics para publicar tus obras. ¿Cual es el balance hasta el momento? ¿Has notado alguna diferencia en la relación profesional que ahora mantienes con Panini Cómics respecto a la que tenías antes con Planeta deAgostini? ¿Tú sistema de trabajo ha cambiando en algo después de la mudanza o ya no hay nada que te pueda sorprender en el mundo editorial?

CP.- Planeta DeAgostini me llevó de la mano durante 21 años, y agradezco a todas las personas que me ayudaron durante todo ese tiempo, tanto como autor como en la parte más creativa, como autor. Pero en la última etapa, aquella gente con la que había crecido empezó a dejar la editorial. Ya no era lo mismo. Se perdió el carisma de Ediciones Forum. Desmembraron un equipo muy compenetrado, y mi relación con ellos se resintió.
En Panini la relación vuelve a tener esa chispa de antes. Los editores son parte del proceso, se integran en tu trabajo para mejorarlo, la disciplina de entregas es muy dura, y eso me beneficia. Te sientes querido, protegido, promocionado. Ahora es el momento de devolverles a base de narizones la confianza que han depositado en mí.

ZN.- En tus tiras cómicas citas muchas veces ese “mundo analógico” en el que creciste. ¿Cómo has vivido, en calidad de aficionado, el paso de ese “mundo analógico” al actual mundo virtual dominado por las redes sociales y con el cómic electrónico como promesa de futuro?

CP.- He recuperado muchos lectores gracias a las redes sociales. Y lo que antes solo encontrabas en tertulias comiqueras en las librerías, los viernes o los sábados, ahora también lo tienes contactando directamente con los lectores a través de las redes sociales. Es un paso adelante. Las noticias del mundo del cómic no llegan a toda la gente, al público generalista, y a través de las redes sociales la gente está al tanto de lo que haces en todo momento. Se abre un escenario nuevo a la relación entre los lectores y los autores.

ZN.- ¿Crees que el mundo del cómic está en crisis o es una amenaza que ya no cuela?

CP.- No está en crisis, pero podría llegar a estarlo si se siguen publicando tantos cómics al mes. Es una saturación difícil de mantener. Ya llevo bastante tiempo advirtiendo de esto. No hay espacio físico en las librerías, por mucho que las editoriales se esfuercen en abrir nuevos mercados. Pero, a la vez, la oferta en géneros, en estilos, en cómics para distintos públicos, es alucinante, como nunca antes; para aprovecharlo, hemos de fomentar la lectura, o de nada servirá inundar las librerías de tebeos.

ZN.- ¿Cómo fue tu primera experiencia como aficionado en el Salón del Cómic de Barcelona? ¿En qué notas que han cambiado o evolucionado este tipo eventos con el paso de los años?

CP.- Antes los Salones era más viscerales, se notaba el cariño por el papel, se exprimía el carisma del mundo del cómic; ahora, en algunas convenciones, el espectáculo prima un poco por encima del contenido, y creo que lo hacen para atraer a un público generalista que quizá se engancharía a la lectura sin tanta parafernalia. Nunca pensé que en un Salón del Cómic llegara a sentirme… extraño. En cambio, es beneficioso que las convenciones de cómics se expandan por todo el país; y hay muchas de ellas que siguen apostando por la proximidad entre autores y lectores, y creo que esa cercanía con creadores, con originales, con profesionales de la edición, promueve la fascinación por el cómic, lo dignifica.

ZN.- Has sido uno de los autores que ha inaugurado el catalogo de obras del reciente portal de cómics digitales Koomic.com. ¿Qué valoración puedes hacer sobre tu experiencia en este nuevo soporte? ¿Cómo cambia el hecho de publicar tus obras en papel respecto a hacerlo directamente en internet?

CP.- Koomic.com es la demostración de que el cómic es fácilmente adaptable a distintos formatos de lectura, sobre todo a los digitales. Pone a prueba nuestra parte coleccionista, de acumulación de papel, de veneración por lo físico; pero es una excelente herramienta que, al fin y al cabo, te lleva a ser práctico, a disfrutar de la lectura, que es lo importante. Disfruto tanto leyendo un cómic en papel como en formato digital.
Publicar tu obra directamente en aplicaciones para tablets cambía el paradigma de la edición. Yo lo veo altamente positivo: voy a llegar a más público, a lectores distintos, voy a recuperar obras que sería costoso editar en papel, voy a ofrecer precios impensables y, ostras, voy a ser leído en distintos países, algo impensable hace años. Es un #win.
Lo que sí hay que tener en cuenta es que hay que empezar a crear cómics pensando en el formato del las tablets, aprovechar de verdad todas las pijadas nuevas que ofrecen; y lo antiguo, remontarlo, adaptarlo, para favorecer la lectura.

ZN.- En tu trayectoria has demostrado ser un autor actualizado a los tiempos que corren. ¿Qué opinas sobre las nuevas tecnologías? ¿Facilitan tu trabajo? ¿Crees que facebook o twitter son buenas instrumentos para estar en contacto con tus fans?

CP.- Facebook, Twitter y Google+, además de los blogs, son herramientas imprescindibles para que tu trabajo obtenga visibilidad. Ya te he comentado antes que el contacto con los fans es permanente. Es como ofrecer cada día un making off de tu propia obra. Los autores que reniegan de las redes sociales cambiarán de opinión dentro de poco. Hay que abrirse al mundo, y esa es nuestra mejor ventana.
Eso sí, a veces hay que ponerse la armadura anti-trolls.

ZN.- ¿Cómo te ayuda ese contacto que mantienes con los fans a la hora de afrontar tu trabajo?

CP.- Me alimento de ello. Estar en contacto con los fans ayuda a compartir experiencias, a diferenciar lo que es un fenómeno pasajero de algo que está creando mitomanía que se extenderá en el tiempo. No te sientes tan solo como cuando para encontrar a fans afines tenías que estar en el momento adecuado y en el lugar adecuado del Mercado de San Antonio. Los fans, al menos algunos, suelen ser gregarios, les gusta compartir sus aficiones, y en las redes sociales eso es ahora posible.

ZN.- Otros autores han hablado sobre el mundo del fandom en sus obras pero, a diferencia de muchos de ellos, tú te ríes con nosotros y no de nosotros, te identificas como uno más del grupo. ¿Crees que eso es parte del éxito de propuestas como Fan Letal y Fanhunter?

CP.- Totalmente. Es el punto diferenciador de Fanhunter o Fan Letal. Los fans somos los protagonistas, los héroes, sin complejos, viviendo los tipos de historias que siempre nos habría gustado vivir en la ficción. Debo haber acertado en el concepto, ya que dura ya más de dos décadas, así que hay muchos más como nosotros ahí fuera. Somos culturalmente dispersos, como dice Marc Pastor; solo hay que saber exteriorizar ese glamour, ese toque imaginativo y especial que nos hace únicos.

ZN.- El webcómic es hoy en día un fenómeno muy popular en internet que, en cierta manera, parece haber sustituido a los antiguos fanzines. ¿Cómo ves tú este fenómeno? ¿Sigues alguno webcómic en concreto?

CP.- Soy muy fan de Andrés Palomino y sus Crónicas PSN, del trabajo de Juan Carlos Bonache (publica libro dentro de poco) y de Conejo Frustrado de Mike Bonales, entre otros.
Los webcómics es la forma rápida y directa de darte a conocer, de exponer tu trabajo a un público de todo tipo. Debidamente conectados a redes sociales, los webcómic pueden llegar a ser muy populares. El trabajo del autor consiste en convertirse en comercial de uno mismo y conseguir rentabilizarlos. Yo publico dos, Fan Letal en zonanegativa.com y Deadfan en aullidos.com, y la cantidad de gente que me lee a través de ellos me hace sentir bien, porque, en el fondo, lo que nos gusta de verdad a los autores es eso, que nos lean.

ZN.- Precisamente en Fan Letal Vintage tienes como autores invitados a Andrés Palomino y Juan Carlos Bonache. ¿Cómo surgió la posibilidad de colaborar con ellos? ¿Veremos a otros autores diferentes en los próximos volúmenes de Fan Letal Vintage?

CP.- Desde mis tiempos como fanzinero siempre he invitado a los autores de los que soy fan a colaborar en Fanhunter o Fan Letal. Soy extremadamente tímido, y me cuesta mucho pedir colaboraciones, pero también es una forma de rendirles homenaje. Para eso también sirven las redes sociales: encuentras a tus autores y les invitas a participar, y creo que se han generado así cosas curiosas dentro del Universo Fanhunter.
Y sí, habrá más autores invitados: en el próximo, Carlos Azaustre, Pere Mejan y Joan Tretze. Por cierto, tengo que enviarles el plot.

ZN.- Creo que eres un gran fan de Sherlock Holmes. Como ya sabes a Arthur Conan Doyle le costó mucho asumir el éxito de su propia creación. ¿Cual es el futuro de Funhunter y Fan Letal? ¿Aún te sientes con fuerzas para seguir dando guerra durante muchos años?

CP.- No sé cuántos años durará esto. Ya me siento eternamente agradecido a editores y lectores por haberme dado cancha tanto tiempo. Por si acaso, al ser un tipo algo inquieto, ya estoy abriéndome otras puertas profesionales.
De momento, el objetivo es acabar el Fan Letal Vintage que saldrá en noviembre de 2011. Luego recuperaré Fanhunter, en formato cómic y novela. Seguiremos publicando en koomic.com, y hay muchos, muchísimos proyectos en marcha relacionados con aplicaciones para tablets, juegos de cartas, juegos de tablero, más mercha, audiovisual… y una especie de revival digital del Fanhunter Freak Trivia que creemos que dará la campanada. Seguiremos informado…

Ah, y Las montañas de la locura, claro. ^__^

-Bunsen de Jorge Pinto-

2011-08-31T23:00:00.000+02:00

-Publicado Previamente en Zona Negativa-

“¿Si encendemos una máquina de improbabilidad cuántica, no podríamos alterar el curso natural del universo?”

Introducción

El concepto de webcómic es todavía a día de hoy algo difuso y complejo de analizar, un medio que pugna por alcanzar la madurez lleno de ramificaciones y posibilidades cuya libertad y potencial es un aliciente para una gran variedad de autores, con más o menos formación artística, que a su vez tienen formas muy diversas de enfocar sus obras y proyectos. En muchos casos hay aún una cierta tendencia a vislumbrar la publicación en internet como un paso previo al salto al soporte material, el papel y recopilatorio de toda la vida, pero también hay determinados autores, tal vez algunos menos, que no piensan más allá de la “virtualidad” de su obra y que ven el origen y el final de su trabajo en la labor que llevan a cabo en internet sin importarles ese posible mercado del “mundo real”. Estos autores siguen publicando sus trabajos de forma gratuita en la red, al amparo y promoción de las hoy todopoderosas redes sociales, desarrollando sistemas para rentabilizar su esfuerzo y dedicación mediante ingresos en publicidad, merchandising u otro tipo de alicientes que consigan fidelizar a su público. Respecto a esto es interesante mencionar la propuesta que representa un webcómic como Bunsen, “un cómic de ciencia y chocolate” del autor mexicano Jorge Pinto, ilustrador y diseñador freelance que también se ha hecho un hueco en la dirección de arte publicitario y ha trabajado en el desarrollo de software y contenido digital. Bunsen, de la que Jorge Pinto realiza varias tiras cómicas semanales, es un webcómic protagonizado por un par de científicos cuarentones de la Universidad Autónoma de México: el físico y matemático Dr. Adel Ortega y el químico orgánico Dr. Víctor Arroyo; un par de inadaptados sociales, unos geeks y nerds entregados a los designios de la ciencia que se entretienen “martirizando” a sus animales de laboratorio: el ratón maníaco-depresivo Órvil, la idealista emplumada Diana y Niko y su peculiar padre, un par de monos con unas vidas muy humanas.

Bunsen: Una Obra Dinámica

Bunsen es un webcómic orgulloso de serlo que utiliza como trasfondo el mundo de la tecnología y la ciencia, una de las mayores aficiones e intereses de su creador, Jorge Pinto, pero eso, ni mucho menos, provoca que la obra deje der ser accesible a todo el mundo ya que en ella no se manejan complejos algoritmos, ecuaciones o cuestiones científicas de gran magnitud. Podéis respirar tranquilos pues no vais a necesitar desempolvar vuestros conocimientos matemáticos ni refrescar la tabla periódica de elementos para comprender los gags de Bunsen. Más bien al contrario, la ciencia es en Bunsen una excusa para acercarnos a otros temas en los que encontraremos inevitablemente “referencias forzadas a la cultura popular de los 80″, un sentido del humor inteligente y adictivo no carente de ironía así como unos personajes entrañables y carismáticos con los que es fácil empatizar en todo momento. Jorge Pinto define a su creación como una obra dinámica “inmediata e independiente de las limitaciones físicas tradicionales”, un cómic digital en su formato y en su filosofía planteado como “un experimento de comunicación y distribución” (pero esto es algo que contará mejor él mismo en la entrevista que podéis localizar más abajo).

Todo esto encaja con un webcómic en el cual el color amarillo de la piel de sus personajes protagonistas nos recuerda forzosamente a Los Simpsons de Matt Groening y donde Jorge Pinto nos presenta un exquisito apartado gráfico trabajado desde photoshop que, pese a tener como referentes obras como el Peanuts de Charles M. Schulz, la Mafalda de Quino o el Calvin & Hobbes de Bill Watterson consigue separarse totalmente de estos para hallar su propio camino y desarrollar su particular personalidad. Bunsen, como la serie televisiva estadounidense The Big Bang Theory de Chuck Lorre, centra su atención en sus personajes siendo la ciencia y la tecnología un elemento muchas veces anecdótico que sirve como vehículo al humor de la serie, igual que el tratamiento de la cultura popular que en la obra de Jorge Pinto esta bastante diversificado y admite todo tipo de referencias, desde programas de televisión como House o Dr. Who, pasando por videojuegos como Super Mario Bros., World of Warcraft o el ancestral Pacman o películas como la saga Star Wars, Harry Potter o Transformers. No faltan en Bunsen homenajes, dedicatorias y guiños a eminentes miembros del “club científico” como Charles Darwin, Thomas Alva Edison o Carl Sagan ni a escritores de ciencia ficción como Douglas Adams, el autor de la saga que conforma la Guía del Autoestopista Galáctico.

Bunsen se distribuye en un conjunto de tiras cómicas que Jorge Pinto lleva publicando desde 2007 en internet y cuya idea asaltó a su autor en su estancia en Barcelona ese mismo año cuando estudiaba dirección de arte en dicha ciudad por lo que, como él mismo comenta, se podría decir que su obra “es un producto catalán después nacionalizado mexicano”. En sus tiras cómicas Jorge Pinto centra su atención en las relaciones sociales de sus personajes, muchas veces reconocidos como geeks y nerds que hacen gala de sus frustraciones y desavenencias con el mundo actual y real del que suelen refugiarse en su trabajo, en la tecnología y en las redes sociales. Los gags de la serie suelen basarse por ello en hechos cotidianos y habituales, con alguna pequeña trama cercana a la ciencia ficción, y muchos de ellos tienen como protagonistas a los animales de laboratorio y sus habituales reividincaciones sobre su identidad y dignidad. En conjunto, el Bunsen de Jorge Pinto es un recomendable webcómic divertido y lleno de ideas, con un apartado gráfico muy sencillo y atractivo capaz de arrancarnos una sonrisa y hacernos el día a día un poco más llevadero. Como diría el Atomic Robo de Brian Clevinger y Scott Wegener: “Mantengan la calma y confíen en la ciencia” y no olviden, como nos demuestra Bunsen y Jorge Pinto, que también puede ser divertida.

Zona Negativa Entrevista a Jorge Pinto

Zona Negativa.- ¿Hay recopilatorio en papel en tu país de Bunsen? ¿Has recibido alguna oferta o has pensado en autoeditarte?

Jorge Pinto.- No hay libro y no creo que lo haya durante un buen tiempo. Bunsen nació como un experimento de comunicación y distribución. Mi cómic es digital desde el principio, no sólo en cuanto a formato, sino en filosofía. Esto significa que aunque no descarto la posibilidad de imprimirlo en papel algún día, todos mis esfuerzos se enfocan a mejorar la distribución digital.
Cuando terminé la “primera temporada” del cómic, puse a la venta una serie de memorias USB en forma de los personajes (las mandamos a hacer en una impresora 3D, fue un proceso interesantísimo) que incluían los cómics en formato navegable y en versión de alta resolución para que cualquiera pudiera imprimir en casa sus tiras favoritas.
Recientemente saqué a la venta una aplicación para teléfonos móviles que permite leer los comics, compartirlos y guardarlos, pero que además tiene un sistema de navegación hecho a la medida y con contenido extra. Esta aplicación, por ejemplo, permite al lector “entrar” al laboratorio de Bunsen, moverse dentro de él y descubrir pasajes secretos. Tiene acceso a todos los cómics publicados, arte, música original, un mini-juego y cuesta 10 veces menos que un libro común.
Para mí, eso es Bunsen: no se trata de imagenes estáticas en un papel, sino que es una obra dinámica, inmediata e independiente de las limitaciones físicas tradicionales.
Aún así, he recibido un par de propuestas de imprimirlo en papel y las he considerado muy seriamente. Pero al final hubiera tenido que dejar mucho del control creativo y logístico en manos de otras personas. Prefiero vender lo que hago directamente a mis lectores; así el producto es más honesto, más barato y me produce mayores beneficios tanto personales como económicos.

ZN.- ¿De qué manera trabajas tus tiras? ¿Dónde encuentras la inspiración?

JP.- Me siento cada mañana frente a mi editor de texto hasta que sale un guión. Una vez que sale, lo dibujo de inmediato para publicar la tira antes del medio día. No tengo tiempo o paciencia para esperar a que llegue la inspiración, así que la obligo a salir cada mañana con fuerza de voluntad y café: no me alejo del ordenador hasta que termine, aún si lo que sale no es el mejor cómic de mi vida.
La mayoría de las historias están inspiradas en lo que veo y leo de la gente con la que convivo: sus opiniones, motivaciones y frustraciones. Intento que dentro de toda la locura del cómic, siempre hable de algo muy real. Y si me topo con una pared creativa, me hago la pregunta: “¿Quién o qué te molesta en este momento?”. Cuando estás muy en contra o a favor de algo, es mucho más fácil encontrar tu voz y, por lo tanto, escribir cosas buenas. Por eso en muchas de las tiras parece que me estoy burlando de alguien o quejando de algo.
(Por cierto, cuando le hablo de esto a amigos artistas, no siempre es bien recibido. Hay una especie de mito interno en nuestra profesión por el que muchos creen que hacer arte significa salir a ver las nubes y estar en paz absoluta hasta que lleguen las musas. Pero tengo mucho trabajo y me aburro demasiado fácil como para eso).

ZN.- ¿Por qué un webcómic centrado en el mundo de la ciencia?

JP.- El mundo de la ciencia y tecnología es uno de mis mayores intereses. Para mí, los hombres y mujeres de ciencia son los verdaderos héroes; los verdaderos rockstars. Gracias a ellos, tenemos un nivel de vida tan alto (y quien diga que el mundo está cada vez peor y todo es sufrimiento, lo invito a imaginarse cómo estaban las cosas en la Edad Media, cuando la superstición y la ignorancia reinaban el mundo).
Cuando comparas las cosas que han logrado científicos en CERN, NASA o en la OMS, por dar algunos ejemplos, no queda más que preguntarte cómo es que los que cantan frente a un micrófono o patean una pelota acaban siendo los héroes y los millonarios.

ZN.- ¿Tenemos que tener fe en la ciencia?

JP.- En lo absoluto. La fe es ciega; es una trampa para los crédulos. No necesitamos fé en la ciencia, sólo confianza en ella.
Muchos detractores usan el argumento de que no podemos confiar en la ciencia porque está hecha por el hombre y el hombre se equivoca. Ese es un argumento falso. Que nuestra apreciación de la verdad pueda ser incorrecta no quiere decir que la verdad no exista y por lo tanto que no valga la pena buscarla. Hay personas que la llevan acabo erróneamente y situaciones en las que no podemos tener el control absoluto de la investigación (lo cual ha causado muchos errores en nombre de la ciencia: muchos de ellos fueron vergonzosos, como la frenología, y algunos fueron buenos intentos descartados, como el lamarckismo). Eso no quiere decir que el método científico no sea confiable. De todos los intentos para encontrar sistemáticamente la verdad que se han probado a lo largo de la historia, el método científico ha sido el más confiable, con diferencia.
En otras palabras, no debemos tener fe a la ciencia pero debemos confiar en el consenso científico: ese conocimiento que se ha ido formando a lo largo de los años, a través de generaciones de científicos (algunos equivocados y algunos con la razón) y que ha probado ser, una y otra vez y ante centenas de pruebas, lo más acercado a la “verdad” que podemos identificar con nuestra inteligencia limitada.
Y además de confianza, la ciencia requiere apoyo. Aún si no todos podemos dedicarnos a ella, en la población general podemos hacer toda la diferencia si apoyamos y defendemos lo que ha hecho la ciencia por nosotros. Entre menos paredes (sociales, “morales”, económicas) se topen los científicos, más fácil y rápido será el progreso del que nos beneficiemos todos.

ZN.- ¿Influencias en tu obra que puedas reconocer en público? ¿Cómo definirías el tipo de humor de Bunsen?

JP.- Mi mayor influencia viene de los grandes comediantes americanos. George Carlin, Dave Chapelle, Jerry Seinfeld y últimamente Louis CK y Tina Fey.
Conan O’Brien probablemente ha sido mi mayor influencia y quien me enseñó lo que significaba ser gracioso desde que soy niño, dado que él escribió los mayores capítulos clásicos de Los Simpson. Siempre he pensado que Los Simpson es para mi generación lo que los Beatles fue para la de mis padres: una obra que dejó una marca indeleble, que se coló a todo y que influye en el modo en el que vemos y entendemos nuestra propia cultura. Mis amigos y yo seguiremos haciendo citas y referencias a Los Simpson hasta que seamos viejos, del modo en que nuestros padres seguirán cantando Let it Be hasta el final.

De esas personas aprendí que el mejor modo de hacer comedia es ser sincero, evitar la pretensión y hablarle al público como le hablarías a una persona real, frente a ti. Con ellos aprendí mucho sobre la estructura, ritmo y composición de un chiste, que va muchísimo más allá del guionismo tradicional de cómics. La clave está en escribir cómics que no parezcan cómics, sino que sean simplemente un retrato fiel y bien comunicado de lo que estás pensando. Si lo lees en voz alta y no tiene el ritmo y la fuerza para hacer reír a la gente frente a ti, no es un buen cómic.

ZN.- ¿Eres un lector habitual de cómics? ¿Qué tipo de obras y autores se encuentran entre tus preferidos?

JP.- No lo soy. El 90% de mi tiempo de lectura se va a la literatura “convencional”. Al principio pensé que era extraño que me dedicara tanto a los cómics cuando en realidad ni siquiera soy un gran consumidor de estos, pero con el tiempo he conocido a muchos colegas comiqueros que me han confesado que tampoco son lectores habituales.
Claro que he leído cosas como Ghost World y Dark Knight Returns (aunque prefiero The Long Halloween). Hubo una temporada en la que me obsesioné con Jeffrey Brown después de leer Clumsy (que por cierto fue el mismo año que empecé Bunsen, y supongo que tuvo mucho que ver en su creación, aunque formal y conceptualmente no se parezcan en nada).
El año pasado tomé el primer número de Planetary y no paré hasta que los leí todos de golpe. Lo mismo me pasó con Y The Last Man y con los primeros 70 números de The Walking Dead.
Como mi mayor influencia viene de la literatura, busco ese tipo de experiencia en los cómics: tener a mi disposición una obra completa en la que me puedo meter de lleno. Por eso prefiero esperar a tener todo Planetary, por ejemplo, a leerlo en partes poco a poco. Estar a la merced del contenido episódico es una de las razones por las que nunca me volví demasiado asiduo al cómic.
Con tiras cómicas es otra historia. Peanuts y Calvin & Hobbes son parte muy importante de mi vida. Son el tipo de obras que sólo de pensar en ellas me ponen de buen humor. Pero no me gusta abusar de lo bueno; no los leo seguido. De hecho tengo toda la colección de Calvin & Hobbes (pesa como 20 kilos), pero sólo he leído una tercera parte de las tiras, porque quiero que me duren durante muchos años. Quiero poder tener nuevos Calvin & Hobbes para leer y descubrir durante años.

ZN.- ¿Qué piensas del fenómeno webcómic?

JP.- Entre los webcómics hay muchas joyas y mucha basura. Eso es lo que me emociona tanto. Antes tenías que dedicar años a una carrera política y complacer a los amigos indicados para que te abrieran la puerta de una editorial. Prefiero una industria en la que un niño de secundaria puede publicar sus ideas en el mismo medio que un ganador del Premio Eisner. Cierto, muchas veces esa publicación será terrible y nadie querrá leerla, pero de vez en cuando saldrán verdaderas ideas nuevas que cambien lo que podemos hacer con los cómics.

Mientras que las editoriales tradicionales siguen sacando a los mismos superhéroes y tiras de Garfield de toda la vida, en el mundo de los webcómics podemos experimentar con nuevas historias, personajes y medios de distribución progresivos. En el arte, como en la ciencia, el progreso es lo más importante.

ZN.- ¿Crees que el futuro del cómic se encuentra en internet?

JP.- El presente del cómic se encuentra en internet. Internet no es una cosa del futuro, no es algo que haya llegado y tengamos que adoptar (eso ya pasó en los noventa). Ve cómo están volviéndose locas las casas de cómics sacando aplicaciones para iPad, o como las editoriales se están peleando para entrar al mercado en Kindle. Siempre habrá literatura (incluyendo cómics) en papel para los que prefieran ese medio, pero irá perdiendo fuerza a comparación de los medios digitales. Una prueba de esto es que amazon.com desde hace unos meses ya vende más copias de libros digitales que de papel. El cambio ya sucedió. No es algo que tengamos que discutir todavía – y créeme, hay quien lo sigue haciendo, defendiendo al papel como si fuera sagrado, olvidando que lo importante de la literatura es el contenido, no el material en el que esté plasmada. Sólo hace falta un poco de tiempo para que esta tendencia se haga presente en otros países e industrias.

ZN.- ¿Queda Bunsen para rato?

Bastante. Mi plan es publicarlo durante seis años más (para un total de 10 años, como Calvin & Hobbes). Conforme pasa el tiempo disfruto más hacer el cómic y es más fácil para mí, ya sea porque encontré el mejor modo de comunicar lo que quiero o por pura práctica, así que no lo dejaría antes.
Pero nunca me atrevería a sacarlo más tiempo del que sea necesario. Ve a los Simpsons: los últimos 10 años han sacado vergüenzas que no tienen nada que ver con la genialidad de su primera década. Prefiero terminar las cosas cuando aún me emocionen y poder pasar a otras y probar algo nuevo. No sé qué habrá después, pero sé que no será un cómic. Hay muchos otros medios con los que me gustaría aprender y experimentar.

Ver también:

-Webcómic online de Bunsen de Jorge Pinto
-Muestra de ilustraciones y diseños de Jorge Pinto
-Información de talleres y conferencias sobre creatividad y medios digitales impartidos por Jorge Pinto

-Superman Vs. Muhammad Ali de Denny O´Neil y Neal Adams-

2011-08-25T19:27:00.027+02:00

-Publicado Previamente en Zona Negativa-

"Si lo piensas detenidamente, todo tiene que ver con el juego limpio. Si la gente viviera según las reglas del juego limpio... mi gente... toda la gente tendría un trato más justo"

Introducción

En la esquina azul, con calzones blancos, desde Louisville, Kentucky… un auténtico genio del cuadrilátero y el campeón del pueblo… ¡Muhammad Ali! Y en la esquina roja, con capa y mallas azules, desde el planeta Kripton… Kal-el, que lucha como… ¡Superman! Como un auténtico espectáculo pugilístico, así presentaban en 1978 el veterano guionista Denny O´Neil y el excelso dibujante Neal Adams el mayor combate del siglo XX: Superman Vs. Muhammad Ali. Una obra heredera de su tiempo, los locos años setenta, una época en la que cualquier lector podía encontrarse con verdaderas extravagancias difícilmente repetibles en el panorama del cómic mainstream estadounidense moderno. Por entonces, era completamente normal encontrar publicaciones protagonizadas por ídolos musicales como Kiss o Alice Cooper, igual que lo sería la llegada de personajes clásicos de la literatura de terror como el Drácula de Bram Stoker a las páginas de los cómics marvelitas mientras en DC Comics el Sherlock Holmes de Arthur Conan Doyle vivía nuevas aventuras junto a Batman, su aprendiz más aventajado, y se ponían en marcha los primeros crossovers superheroicos entre editoriales, como el ya mítico Superman vs. The Amazing Spider-man de Gerry Conway y Ross Andru , un precedente a tener en cuenta cuando se habla del Superman Vs. Muhammad Ali de Denny O´Neil y Neal Adams. En este panorama no resulta extraña, pese a que el propio Neal Adams desafíe “a cualquiera que dijera que podría haber predicho este proyecto”, una obra de este cariz, fruto de “una operación afortunada en un momento de bajada en picado de las ventas”, como bien apunta Álvaro Pons en La Cárcel de Papel, supeditando a ella cualquier valor artístico que pudiese atesorar dicha aventura. En aquellos años Muhammad Ali, nacido como Cassius Clay antes de su conversión al Islam, era una leyenda viva del deporte y una figura destacable del show business estadounidense, “el Superman negro”, como así lo llamaría el grupo británico Johnny Wakelin And The Kinshasa Band en la canción que dedicarían al popular boxeador en 1974 y que llevaba por título Black Superman. Por su lado, “el auténtico Superman”, se había convertido en todo un cuarentón, la creación inmortal de Jerry Siegel y Joe Shuster había madurado y estaba a punto de convertirse en todo un icono cinematográfico, volando de las viñetas de los cómics al glamour de Hollywood, todo a consecuencia del inminente estreno de la película dirigida por Richard Donner y protagonizada por el fallecido Christopher Reeve. Era cuestión de tiempo que los destinos de ambos personajes se acabasen cruzando, de una manera u otra, pues no hay que olvidar que estamos también en el naciente mundo contemporáneo del marketing y la publicidad, instrumentos que se habían profesionalizado en los últimos años y en los que la creatividad empezaba a jugar un peso importante a la hora de acercar un determinado producto a los consumidores. Por separado, Superman y Muhammad Ali eran dos grandes marcas, pero juntos eran algo más, eran los mejores.

Historia y Análisis

Las casualidades no existen. No puede ser una simple cuestión de azar que en 1978, el mismo año en que se estrenaba la mencionada película Superman de Richard Donner, un par de experimentados y curtidos autores de la talla Denny O´Neil y Neal Adams presentasen un cómic como Superman Vs. Muhammad Ali. Una obra concebida a mayor gloria de dos de los iconos más representativos de la América de los setenta que desde DC Comics tratarían con toda la fanfarria y lujo que merecía la ocasión, auspiciando una maniobra comercial que les llevaría a publicar una edición en gran formato de dicho cómic, como ya se había hecho con la pionera Superman vs. The Amazing Spider-man de Gerry Conway y Ross Andru , lo cual no paso desapercibido en la prensa de la época que lo vivió como todo un acontecimiento. En este aspecto tuvo mucho que ver, como relata la editora Jenette Kahn, una figura como Don King, el famoso y extravagante promotor pugilístico que “tenía el corazón de un estafador y la imaginación de un visionario”, organizador de algunos de los combates más recordados de Muhammad Ali contra rivales de renombre como George Foreman y Joe Frazier. Este peculiar personaje, inspirado por el éxito de ese Superman Vs. The Amazing Spider-man, promocionado como The Battle of the Century y en el que también habían colaborado el mismo Neal Adams y John Romita Sr., había sabido ver la posibilidad de seguir rentabilizando la fama de Muhammad Ali más allá de los cuadriláteros, pues no podía haber mejor reclamo publicitario que la de ver al héroe del pueblo enfrentado a un “verdadero Hombre de Acero”. El proyecto sólo requería la aprobación del manager del boxeador, Herbert Muhammad, de su abogado Charles Lomax y del propio Muhammad Ali , cuando las condiciones del trato estuvieron claras finalmente accedieron a ello, todo lo demás, como se suele decir, es sólo historia. Contra todo pronóstico el Superman Vs. Muhammad Ali de Denny O´Neil y Neal Adams se ha convertido con el transcurrir de las décadas en todo un cómic de culto que ha sabido trascender las limitaciones impuestas por su género y finalidad originales para alzarse como un referente victorioso de un período en el cual todo parecía nuevo y fascinante, tanto en las viñetas, donde había un universo por explorar, como en el deporte, que definía a los héroes del mañana. Superman Vs. Muhammad Ali parte de una premisa muy simple, cuando Rat’Lar, el líder de una belicosa raza extraterrestre llamada Scrubb y originaria del planeta Bodace, declara a la humanidad una especie peligrosa y destructiva que debe perecer para salvaguardar la integridad del universo. Pero, para evitar la confrontación bélica Rat’Lar propone a la Tierra que escojan a su campeón para enfrentarse y medir sus fuerzas al invicto guerrero Hun-ya, sólo si este es derrotado en un combate en igualdad de condiciones los Scrubb desistirán de sus intenciones y renunciarán a la guerra. Dos son los únicos pretendientes que aceptan el desafío, el altruista y luchador por la libertades Superman y el ególatra campeón de los pesos pesados Muhammad Ali que están dispuestos a enfrentarse en un combate previo para dilucidar quién de ellos debe batirse para representar a la Tierra y liberarla de su fatídico destino.

Con este argumento, planteado por Denny O´Neil y Neal Adams aunque desarrollado en más extensión por este último, tenemos un cómic marcado por la acción y por las constantes vueltas de tuerca pero, sobre todo, por la espectacular narrativa gráfica desplegada por uno de los grandes artistas del cómic superheroico estadounidense que resulta todo un uppercut directo a la creatividad. Este aspecto convierte a Superman Vs. Muhammad Ali en todo un clásico, en un cómic referencial, son los lápices de Neal Adams los que consiguen esconder las debilidades argumentales de una historia marcada por una sarta de tópicos recurrentes del género superheroico y convertir el resultado final en un potente gancho visual muy difícil de olvidar. Superman Vs. Muhammad Ali es un producto pensado y meditado para ser todo un acontecimiento pero “no sólo tenía que ser un entretenimiento épico sino que también debía explorar los ideales y las acciones que los habían convertido en héroes en todo el mundo”, como explica de nuevo Jenette Kahn, por lo que son patentes los intentos y esfuerzos de sus creadores para reflejar fielmente la filosofía y el carácter chulesco y bravucón del que siempre hizo ostentación Muhammad Ali. Este era un personaje de primera magnitud y repercusión mediática, un boxeador temible en el ring porque “flotaba como una mariposa y picaba como una abeja”, un símbolo que representaba la lucha del ciudadano afroamericano contra las desigualdades sociales y un hombre de principios que en 1967 había rechazado incorporarse al ejército estadounidense en su campaña en la Guerra de Vietnam habiendo sido por ello despojado durante cuatro años de su título de boxeo. El retrato que de él se haría en Superman Vs. Muhammad Ali sería bastante agraciado pero cercano a la realidad, dejando a un lado la idealización que en él se pueda encontrar fruto del género abordado, corriendo mejor suerte que el mismo Superman, un personaje plegado a las necesidades de la historia y rendido a las excelencias de su adversario, mentor y compañero. De hecho, podemos decir que Superman es en este cómic una mera excusa argumental destinada al mayor lucimiento de “la estrella invitada”, la realidad se impone a la ficción y el Hombre de Acero mimetiza el comportamiento de Muhammad Ali mostrándose tan altanero y desafiante como este y relegando gran parte del protagonismo que de otra manera atesoraría el famoso superhéroe para darle a “The Greatest” una mayor porción del pastel.

Nostalgia, Cuestiones Editoriales y Aficionados

El pasado año se publicaba en Estados Unidos una nueva edición del Superman Vs. Muhammad Ali de Denny O´Neil y Neal Adams, cosa que no ocurría desde hacía tres largas décadas, la nueva versión de este clásico ha sido conocida como Deluxe Edition. Este nuevo formato presenta una reducción de tamaño respecto a la edición original, un nuevo coloreado remasterizado y una portada retocada y ajustada por el propio Neal Adams a las necesidades editoriales. También están incluidos en ella una serie de extras entre los que destacan algunos bocetos del artista estadounidense y una explicación de la historia que encierra la mítica portada original de Superman Vs. Muhammad Ali en donde podemos entretenernos buscando a algunas celebridades, reales y de ficción, del mundo de la política, la televisión, el espectáculo y el cómic de los años setenta. Esta edición ha sido la escogida por Planeta DeAgostini para licenciar la obra en nuestro país, amoldando la edición estadounidense al formato absolute, en detrimento de la Facsimile Edition con las proporciones y la portada originales que seguramente habría disparado y encarecido el precio del producto. Esto último será un drama y un quebradero de cabeza para muchos aficionados que les incapacitará para poder disfrutar de esta reedición, algunos de ellos pondrán el grito en el cielo por el recoloreado de la obra, podría ser mejor pero también peor, otros por la reducción de formato respecto al cómic original, demostrando su poca fe en el trabajo de Neal Adams al asumir que esa brutal ofensa supone una merma de la calidad de sus lápices, mientras otros maldecirán el hecho de que la portada de la edición escogida por Planeta DeAgostini este “mutilada” simplemente porque faltan unos milímetros para poder regocijarnos con el primer plano de la calva de Lex Luthor u observar en uno de los laterales, junto al histórico Joe Schuster, la presencia de los famosos y archiconocidos por estos lares Bert Wasserman, Jay Emmett o Joe Namath. Vaya por delante, como comentábamos más arriba, que en la presente edición podemos encontrar entre sus extras la portada original reproducida íntegramente y con un esquema completo y detallado, con nombres y apellidos, de los rostros populares y personajes de ficción que Neal Adams retrató en ella en los años setenta. No obstante, las quejas son inevitables, tanto que a veces uno diría que hay un porcentaje bastante elevado de aficionados que nunca compran ni leen cómics ya que es imposible que encuentren una edición a su gusto, es decir, personalizada. Muchas veces las ediciones son mejorables, nadie dice que no pueda ser el caso de este Superman Vs. Muhammad Ali, pero parecemos olvidar que lo importante es nuestra pasión por leer cómics y no sólo por atesorarlos como una reliquia sagrada en una estantería. Muchos pueden acabar hastiados de tanto elitismo que provoca que, más veces de las que debería, estemos más preocupados de hablar de formatos y decisiones editoriales polémicas que de las virtudes y defectos del cómic de turno y de intercambiar opiniones e impresiones sobre el mismo.

Nos quejamos, no sin falta de razón, cuando las editoriales nos avasallan con ediciones de auténtico lujo y a precios indecentes y desorbitados que hacen a estas obras sólo sean accesibles para unos pocos y agraciados elegidos pero, indirectamente, es lo que muchas veces les estamos pidiendo con nuestra actitud puntillosa. En este caso en concreto, todos los cambios que podemos observar en Superman Vs. Muhammad Ali han sido aceptados, cuando no auspiciados, por sus autores responsables como bien deja entrever Neal Adams en la introducción del tomo donde afirma, bastante henchido de orgullo, que cualquiera que piense que “puede borrar la sonrisa que me provoca la reedición de este cómic, anda muy equivocado” para acabar declarando que “los cómics son un gran negocio al que dedicarse”. Estas declaraciones hacen referencia a la edición Deluxe Edition estadounidense, que difiere en algunas cosas de la presentada por Planeta DeAgostini en nuestro país, pero Neal Adams no se escandalizaría viendo la presente edición ni evitaría firmársela a nadie en el Salón del Cómic de Barcelona. Los autores siempre quieren ver sus obras en el mercado porque es lo lógico y normal. Deberíamos empezar a entender que las ediciones personalizadas no existen y que los cómics se editan para todo el mundo, el cómic es un arte pero también es un negocio como bien defiende Neal Adams, se produce en serie como los automóviles, los autores cobran por su arte y aspiran a vivir de él y que la gente pueda disfrutarlo. El cómic, al igual que el cine o la literatura, está sujeto a los siempre injustos devenires comerciales y a la particularidad intrínseca que lo convierte en un tipo de representación artística que pretende ser accesible a las masas pero, en cambio, parecemos más intransigentes con las maniobras editoriales aplicadas a él que las que vemos a diario obras de carácter cinematográfico o literarias. Disfrutemos de los cómics porque valen la pena y exigamos ediciones dignas pero no pidamos piezas de relojería, la nostalgia no es un camino a la objetividad y la industria del cómic evoluciona y cambia como cualquier otro medio. Este Superman Vs. Muhammad Ali de Denny O´Neil y Neal Adams es un cómic que puede sorprendernos pero debemos estar abiertos a esa posibilidad.

-Johnny el Maniaco Homicida de Jhonen Vasquez-

2011-08-11T08:00:00.009+02:00

-Publicado Previamente en Zona Negativa-
“¿Por qué la gente es tan… desagradable? Sinceramente, ¡es tan difícil que te lleguen a importar tantas cosas sin tener antes las respuestas a algunas de las más fundamentales preguntas que arañan mi mente! ¿Cómo puede alguien respetar la existencia de algo, la gente en este caso, cuando ese algo parece desafiar al respeto? Hacen cosas triviales y encuentran diversión, hasta en la llamada “madurez”, en el incesante maltrato de su propia especie”

El mundo del cómic, como en cualquier otro medio artístico que se precie de serlo, tiene uno de sus mayores virtudes en su poder para apelar a las emociones y estimular el pensamiento de la sociedad. Si esto se produce, en mayor o menor grado, lo habitual suele ser que la obra de arte trascienda al propio individuo, incluso a su mismo autor, convirtiéndose en un interés añadido para la mencionada sociedad que la ha visto nacer, sobre todo cuando hablamos de propuestas que muestran “valores inclasificables” y un estilo propio y marcado alejado de los cánones comunes y convencionales. En ciertos casos concretos podemos hablar de autores y artistas que poseen la capacidad y extraña cualidad para atraer la atención del público a través de caminos menos trasitados, señalados por lo grotesco y lo dantesco, lo que hoy en día llamaríamos “políticamente incorrecto”, ofreciendo un punto de vista necesario dentro del marco artístico al que sólo puede acercarse bordeando la cultura de masas y hundiendo el dedo en la llaga de nuestras miserias, hipocresías y contradicciones. Teniendo esto en cuenta no descubrimos nada nuevo si afirmamos que las viñetas de un cómic son un medio tan válido como cualquier otro para que el creador pueda expresar sus esperanzas, miedos, frustraciones y anhelos más personales, algo que han convertido en un auténtico ejercicio de terapia reputados autores del movimiento underground y el cómic alternativo como, entre otros muchos, Robert Crumb, Art Spiegelman y Harvey Pekar. Posiblemente una de las obras más punzantes e inquietantes, a la par que entretenida y divertida, que podríamos mencionar en este aspecto es Johnny el Maniaco Homicida. Esta obra del enfermizo autor estadounidense Jhonen Vasquez es un cómic humorístico, con un tono negro, descarnado y cínico, que narra las vivencias de Johnny C., también conocido por Nny, un adorable asesino en serie adolescente con tendencias suicidas que, entre asesinatos, secuestros y mutilaciones, intenta comprenderse a sí mismo y lidiar con la incomprensión y maldad inherente a la humanidad.

Lo primero que debemos tener en cuenta sobre Johnny el Maniaco Homicida y que conviene no olvidar es el hecho de que, pese a sus “apariencias burtonianas”, no estamos ante un cómic para todos los públicos ni ante una obra recomendada para estómagos sensibles ni para mentes inocentes y puras porque su principal cometido será provocarles acidez y pervertirlas respectivamente. Johnny el Maniaco Homicida es una obra nacida como una serie de tiras cómicas a partir del año 1990, publicadas en la revista Carpe Noctem para pasar posteriormente en 1995 a manos de Slave Labor Graphic, en las que encontraremos una visión existencial, macabra y plenamente enfermiza de la sociedad actual, un plato servido frío junto a un estilo caricaturesco de reminiscencias góticas y a un trazo desgarbado y estilizado, casi esquizofrénico, que hace inconfundible el trabajo de su extravagante autor. Jhonen Vasquez, también conocido bajo el seudónimo de Chancre Scolex y amigo personal de Roman Dirge , ha desarrollado asimismo su labor como creador y guionista de la serie animada Invasor Zim dirigida por Steve Ressel y producida por el canal infantil y juvenil Nickelodeon que sería cancelada debido a que sus productores la consideraban demasiado “oscura” para el público infantil al que iba dirigida. Esto no o es de extrañar viendo su Johnny el Maniaco Homicida, un cómic bastante crudo que no muestra condescendencias de cara al lector y en el que Jhonen Vasquez ha reconocido influencias de cineastas como David Cronenberg, en su primera etapa como director de destacadas películas de terror como La Mosca, La Zona Muerta, Rabia o Scanners, o el David Lynch de Twin Peaks, así como de escritores como Frank Kafka o H.P.Lovecraft. El influjo y la presencia de estos artistas se puede presentir en la peculiar atmósfera que presentan las aventuras de este atípico antihéroe que, en ciertos aspectos, parece un precursor primigenio y salvaje al Dexter de Jeff Lindsay. De igual manera que este, Johnny, pese a no ser el héroe de la función se acaba ganando la simpatía del público o al menos la de los lectores con una moral más laxa y retorcida.

Respecto a esto, sobre la empatía e identificación que puede sentir el aficionado por un personaje de este tipo, Jhonen Vasquez le quita hierro al asunto reconociendo que Johnny el Maniaco Homicida no es más que “una diversión de un gusto cuestionable”. Como siempre, todo es cuestión de apariencias, si el posible lector goza con el humor negro y es capaz de sobreponerse al contenido más gore de Johnny el Maniaco Homicida encontrará un “agradable” cómic revestido con una “filosofía destroyer” y una “sátira psicológica y sociológica” digna de estudio que no resulta en un simple producto vacío y polémico porque sí, aunque no es descartable una cierta sensación de culpabilidad por recrearse y divertirse presenciando las atrocidades y desvaríos del personaje protagonista. De esta manera, en Johnny el Maniaco Homicida se tratan temas como la desestructuración familiar, la soledad, los tabúes, los “gusanos sociales” y, especialmente, la violencia implícita de nuestra especie que cada día vemos reflejada impunemente en los medios de comunicación, en la televisión y en el cine. Para paliar un poco el opresivo ambiente que encontramos en la obra Jhonen Vasquez juega en algunas tiras cómicas a la metaficción con un cómic dentro del cómic, lo que realmente resultan ser las delirantes tiras de El Feliz Niño Fideo, supuestamente dibujadas por el propio Johnny, o con apuntes humorísticos al margen de las viñetas que ayudan a digerir algunas escenas más crudas y que no son más que una advertencia de su autor para que no nos tomemos demasiado en serio el asunto. En el apartado gráfico, el extraño dibujo de Jhonen Vasquez encaja perfectamente con el tono de la obra, con una cierta tendencia esquemática y estilizada no carente de detalle y de un pérfido atractivo, con un trazo que tal como fue concebido en su origen se muestra brutal y dinámico en blanco y negro.

Pero la mejor manera de hacernos una idea aproximada sobre un cómic como Johnny el Maniaco Homicida es conocer un poco a su galería de personajes pues son los que llevan el peso de la historia y aunque Johnny sea la estrella de la función sus desafortunadas víctimas juegan un papel importante en sus aventuras. Primero de todo debemos mencionar a Squee, el pequeño y asustadizo vecino de Johnny que “pesa menos que una hamburguesa con queso”, con una carencia afectiva por parte de sus padres hartamente preocupante y que vive traumatizado ante la posibilidad de ser abducido por extraterrestres. Este personaje tuvo su propio spin-off, llamado simplemente Squee!, llegando a estar nominado a los Premios Eisner en 1998 en la categorías de Mejor Serie Nueva y Mejor Publicación de Humor, lo cual no ha sido aliciente para verla publicada en nuestro país por el momento. Por otro lado tenemos a Devi, “la que se escapó”, otro personaje secundario más o menos habitual en las historias de Johnny el Maniaco Homicida que también gozaría de un una serie propia titulada I Feel Sick, está ganaría en el año 2000 el Internacional Horror Guild Award a la Mejor Narrativa Ilustrada pero, como podéis suponer, tampoco ha llegado a publicarse en España. Por último, entre otros personajes recurrentes del cómic de Jhonen Vasquez encontramos a Tess, otra víctima de Johnny con suerte que disfruta el poder “ver como despedazan a novios que se convierten en ex-novios”; el Señor Joder y el Psico-Panadero, dos psicóticos muñecos de espuma expandida que representan las voces internas de Johnny, y la terrorífica cabeza de conejo flotante que no es otra cosa que la voz de la razón del personaje protagonista.

En relación a la estructura del cómic en sus primeros números se compone de un compendio de tiras cómicas de extensión variable, entre una y varias páginas, en las que se presentan diversas aventuras de Johnny sin conexión aparente pero con la aparición de algunos personajes y tramas recurrentes en los diferentes capítulos que van configurando el modus operandi de este peculiar asesino en serie y el de su autor. Posteriormente la serie evoluciona hasta una cierta continuidad con capítulos centrados en los porqués y la razón de ser del personaje principal pero sin desmarcarse del factor autoconclusivo de la serie que sólo se pierde en sus momentos finales cuando la fantasía de carácter “lovecraftiano” del relato cobra más fuerza e intensidad. En nuestro país la editorial DComics publicó en 2003 los tres recopilatorios que conforman la serie de Johnny el Maniaco Homicida de Jhonen Vasquez pero hoy en día es una obra que puede ser difícil de encontrar en las tiendas de cómics, especialmente su tercer número, al estar prácticamente descatalogada en muchos sitios y no haber sido reeditada en ningún momento. En definitiva, Johnny el Maniaco Homicida es cómic que habla de cosas serias pero al que hay que saber no tomarse en serio para poder disfrutarlo completamente, una lectura “extrema” y enfermiza de la mente perturbada y la vez terroríficamente lúcida de Jhonen Vasquez que intenta matar los convencionalismos, los tópicos, los complejos y las etiquetas, no importa si lo consigue o no, en este caso la intención es lo más importante.

-Liar Game de Shinobu Kaitani-

2011-08-04T08:00:00.238+02:00

-Publicado Previamente en Zona Negativa-

"Ser un "embustero" es una habilidad.Y la prueba se encuentra en esta sociedad.Ciertas personas pagarían una fortuna por tener a un "genio del embuste" a su lado"

Liar Game es un manga escrito y dibujado por el veterano Shinobu Kaitani, una serie abierta publicada por la editorial Shueisha en su revista magazine Weekly Young Jump llena de suspense e intriga que parece querer aprovecharse de la estela del éxito dejado por el Death Note de Tsugumi Ōba y Takeshi Obata con el cual comparte alguna similitud y parecido aunque este acabe siendo un punto puramente anecdótico. La serie se empezó a serializar en Japón en 2005 contando con trece tomos recopilatorios a día de hoy, habiendo inspirado dos series de televisión dirigidas por Hiroaki Matsuyama y Ayako Taiboku así como una película live action de los mismos responsables que cierra las tramas abiertas en las citadas adaptaciones televisivas. El veterano autor Shinobu Kaitani, responsable de destacadas obras como Sommelier, One Outs y Reinouryokusha Odagiri Kyôko no Uso, todas ellas inéditas en nuestro país, debuto en 1991 en la industria del manga con Mou Hitori no Boku y esta le valió convertirse en el ganador del Premio Tezuka de ese mismo año. Con este curriculum en su haber, siendo Liar Game el trabajo más exitoso de Shinobu Kaitani hasta la fecha, Planeta DeAgostini licenció la obra en el año 2009 en nuestro país anunciando su cancelación después de sólo tres tomos editados “debido a las bajas ventas” y corriendo así la misma suerte que otras publicaciones recientes de la editorial española como el Team Medical Dragon de Taro Nogisaka y Akira Nagai y Cómo Matar al Dragón Tokio Tsumori y Eriko Kato. No obstante, Planeta DeAgostini parece haber dado marcha atrás y ha sorprendido a propios y extraños anunciando la publicación del cuarto tomo de la serie para este próximo mes de Agosto, con una correspondiente subida bastante sustancial de precio respecto a los tomos precedentes de la serie mientras, por otro lado, ha anunciado que los siguientes números de la colección “hay que contratarlos y tardarán más tiempo” en llegar por estas tierras. Esta incertidumbre sobre el destino de Liar Game y su errática publicación no será precisamente un aliciente para que los posibles lectores se acerquen a esta obra de Shinobu Kaitani que se presenta como uno de los últimos y más llamativos exponentes en su género de los últimos años.

Liar Game es un auténtico thriller psicológico, una obra enclavada en el género seinen aunque con una estructura propia del shonen manga, una propuesta que podría ser una estupenda diversión para los aficionados a las aventuras de misterio y suspense en la línea del Detective Conan de Gosho Aoyama, de historias que destacan por la presencia de organizaciones secretas que se mueven en las sombras con maquiavélicas y desconocidas intenciones como sucede en el Gantz de Hiroya Oku y en los mangas de Naoki Urasawa o, como ya comentábamos antes, para aquellos que sientan nostalgia del fenómeno que supuso hace tan sólo unos años la ya mencionada Death Note de Tsugumi Ōba y Takeshi Obata. Liar Game presenta algunos puntos en común con estas obras aunque de forma algo residual ya que, hablando en términos generales y a nivel puramente comparativo, la serie de Shinobu Kaitani apuesta por un tono más realista y menos “grandilocuente”, o ambicioso, que el de estos referentes (Jordi Querol ya habló en Zona Negativa en más profundidad sobre las similitudes de Liar Game con otras obras recientes del manga en un artículo que podéis encontrar aquí). El argumento de Liar Game se inicia cuando la cándida e inocente Nao Kanzaki recibe por correo un paquete que contienen 100 millones de yenes y un mensaje sin remitente donde le explican que ha sido seleccionada para participar en el Liar Game Tournament, “un juego en el que solo una de cada 10.000 personas tiene el honor de participar” y del que ella ya no se puede retirar. La única regla del juego es conservar íntegramente el dinero entregado transcurridos treinta días y arrebatarle al mismo tiempo a su oponente sus 100 millones de yenes ya que el perdedor contraerá una deuda por ese mismo importe. Cuando Nao Kanzaki es embaucada por su adversario, su antiguo tutor de secundaria en quién había confiado ciegamente, no verá más alternativa que solicitar la ayuda de Sin´ichi Akiyama, el mayor estafador del país que acaba de salir de la cárcel después de haber pasado tres años en ella por haber conseguido llevar a la bancarrota al mayor grupo económico del país. Pronto Nao Kanzaki y Sin´ichi Akiyama descubrirán que sólo se encuentran ante la punta del iceberg, la prueba de acceso para alcanzar las sucesivas fases del juego en las que la tensión irá cada vez más en aumento y del que sólo el mayor mentiroso de todos podrá salir victorioso.

Estamos ante una obra que ciertamente ha pasado algo desapercibida fuera de Japón, una serie que destaca por su manejo del suspense y también por sus elaboradas tramas las cuales Shinobu Kaitani intenta perfilar desde una perspectiva lógica, realista y accesible para el lector, huyendo de retorcidos subterfugios y vueltas de tuerca excesivamente rimbombantes y pomposas aunque los giros inesperados y los golpes de efecto siguen presentes. Esto se consigue implicando al lector a través del mismo juego en el que los personajes protagonistas se ven inmersos y en el que se plantean misiones y problemas a superar sujetos a sus propias normas y reglas que no dejan excesivo margen a posibles deus ex machina aunque la revelación última siempre nos pillará por sorpresa y supondrá un nuevo cambio de status quo en el argumento. De esta manera, la intensidad de este thriller psicológico va subiendo de nivel en cada capítulo de Liar Game, destacando la caracterización de su personaje estrella Sin´ichi Akiyama y de algunos de sus adversarios de turno y no tanto el de la supuesta protagonista del relato, una Nao Kanzaki que sólo juega un papel narrativo y a veces simplemente decorativo cuya personalidad no dista mucho de la que podemos encontrar en algunas heroínas de algún shojo manga del montón aunque es presumible que en su caso se produzca una evolución lógica y paulatina a medida que avance los argumentos de la serie. Por otro lado, el dibujo de Shinobu Kaitani presenta un trazo plano y sencillo, con un uso predominante de ambientes minimalistas pero con un detallismo bastante solvente y perfilado de sus personajes que resulta muy expresivo aunque con una cierta tendencia a la caricaturización de las emociones más extremas de estos mismos. En resumen, en términos generales Liar Game es una obra superior a la media, con un planteamiento directo y sencillo pero lo suficientemente atractivo como para mantener nuestra atención, resultando adictiva en grandes dosis. Aunque en un principio puede costar entrar en la propuesta lanzada por Shinobu Kaitani, sobre todo si no dejamos a un lado comparaciones malintencionadas, finalmente no podremos resistir la tentación de seguir leyendo para descubrir las desventuras y confabulaciones de este grupo estafadores y mentirosos profesionales que pueblan Liar Game. ¡El juego te está esperando!

-Thunderbolts de Kurt Busiek y Mark Bagley-

2011-08-04T08:00:00.234+02:00

-Publicado Previamente en Zona Negativa-

“La justicia, como el rayo, al aparecer a pocos hombres afecta, pero todos la deben temer”

En 1959 Robert Kanigher y Ross Andru crearían para DC Comics la primera versión del llamado Escuadrón Suicida en The Brave and the Bold #25, una cuadrilla de soldados militantes de la Segunda Guerra Mundial que, pese a no tener superpoderes ni habilidades especiales, se enfrentaban y combatían a enemigos con poderes sobrehumanos. Casi treinta años después, en 1986, el guionista John Ostrander, tal vez con por la película Los Doce del Patíbulo de Robert Aldrich en mente, presentaría una nueva encarnación de este grupo que tenía la particularidad y novedad de estar formado por reputados supervillanos contratados como mercenarios por el gobierno de Estados Unidos para llevar a cabo misiones encubiertas que superhéroes como Batman, Green Lantern o Superman nunca se prestarían a llevar a cabo. Llegados a este punto no sorprenderá a nadie si decimos que las dos grandes editoriales estadounidenses, DC Comics y Marvel Comics, a lo largo de su historia han recogido influencias y tomado ideas y conceptos una de la otra, indistintamente, por lo que un planteamiento como el del Escuadrón Suicida no iba a ser menos. Tenemos que llegar a los años noventa para corroborar esto último, cuando dicha década estaba haciendo auténticos estragos en La Casa de las Ideas, por entonces la polémica saga mutante de Onslaugth había tenido consecuencias drásticas y algunas de las cabeceras más importantes de la editorial, las que reunían principalmente a los miembros de los Los Vengadores y Los Cuatro Fantásticos, habían sido reiniciadas y relegadas a “un universo de bolsillo”, como lo califica acertadamente Raimon Fonseca, bajo el sello de la propuesta Heroes Reborn, un renacimiento concebido por personalidades de la talla de Rob Liefeld y Jim Lee. Serían los héroes urbanos como Spider-man o Daredevil y otros como el Doctor Extraño, Hulk y los X-men quienes se librarían de ese mismo trato manteniéndose en la continuidad tradicional de la que habían sido expulsados sus compañeros. Ante el hueco dejado por los héroes desaparecidos un nuevo grupo estaba llamado a ocupar su espacio, los Thunderbolts de Kurt Busiek y Mark Bagley, una nueva serie que cogió desprevenidos a los seguidores marvelitas presentando una serie de desconocidos personajes como eran Ciudadano V, Meteorito, Atlas, Mach-1, Pájaro Cantor y Tecno, cuyas primeras apariciones se producirían en The Incredible Hulk #449, a cargo de Peter David y Mike Deodato, y en Tales of the Marvel Universe para posteriormente pasar a narrar sus aventuras en su propia serie regular. Sería ya en el primer número de esta donde se descubriría el pastel, la gran sorpresa que hacía diferente a esta serie de las demás, los Thunderbolts eran en sí mismos una farsa y guardaban un oscuro secreto, detrás de sus identidades se encontraba realmente la última personificación del clan de supervillanos conocidos como los Amos del Mal liderados por el Barón Zemo y con Piedra Lunar, Goliath, Escarabajo, Mimí Aulladora y El Arreglador entre sus filas.

De esta manera, la versión marvelita del Escuadrón Suicida de John Ostrander tenía por objetivo aprovechar la muerte de los superhéroes a manos de Onslaught para ganarse la confianza de los ciudadanos y la opinión pública estadounidense y así conseguir acceder a los secretos de defensa y seguridad nacional del país como antes lo habían hecho Los Vengadores y Los Cuatro Fantásticos. El juego de dobles identidades, mentiras y traciones había empezado a echar sus primeras raíces. Los Thunderbolts, innegablemente, son personajes herederos de su tiempo, unos años noventa convulsos que muchos recuerdan con escepticismo, decepción e incluso horror. En los primeros números de los Thunderbolts de Kurt Busiek y Mark Bagley podemos encontrar los mismos defectos que en cualquier serie de la época, la prevalencia de la forma por encima del contenido, personajes tecnificados hasta el absurdo y un cierto maniqueísmo simplista en sus historias, pero los autores de esta serie son en este caso concreto una garantía de calidad y eso se deja notar en la evolución de la serie y en el resultado final. Aunque en un principio Kurt Busiek, un guionista que por entonces ya se había ganado cierto prestigio en la industria con obras como la nostálgica Marvels, las entrañables Las Historias Jamás Contadas de Spider-man (que van pidiendo un recopilatorio a gritos) o la primera miniserie de la excelente Astrocity, intenta adecuar su narrativa a la moda noventera imperante subliminando en parte algunas de sus virtudes, como son su talento para la caracterización y el desarrollo de historias alejadas de los tópicos recurrentes del género superheroico, todo eso iría cambiando número a número. Kurt Busiek, con la inestimable ayuda de los lápices de Mark Bagley, cuyo último trabajo destacable en Marvel Comics ha sido junto a Brian Michael Bendis en Ultimate Spider-man, consigue hacerse con las riendas de la serie y retener nuestra atención sobre un grupo de personajes residuales y a priori poco llamativos, a excepción del Barón Zemo, dotándoles de un plástico carisma y un atractivo que muchos de ellos no tenían originalmente. A ello se une un solvente manejo del suspense en el que se mueven todo un popurrí de personalidades encontradas, mejorando la trama cada vez que la acción es más anecdótica en ella, y logrando convertir a los Thunderbolts en una obra de culto de los años noventa, junto al Masacre de Joe Kelly y Ed McGuiness, que ha perdurado en el imaginario de los aficionados marvelitas hasta la fecha.

Respecto a esto hay que destacar capítulos como Thunderbolts: Distant Rumblings, una especie de número cero presente en todas las colecciones de Marvel Comics en aquellas fechas donde se narraba mediante flashbacks sucesos fundacionales del Universo Marvel, o el annual Thunderbolts ´97, episodios en los cuales Kurt Busiek se adentra en el pasado de los personajes retratando sus ambiciones, emociones y aspiraciones de forma certera y precisa, recuperando ese toque personal que le ha hecho despuntar en el medio. El tema de la redención que marcará el devenir de la serie en el futuro de forma casi asfixiante empieza a hacerse presente y los Thunderbolts encuentran su propio camino y entidad después de una génesis casi modélica. Sobre esta base trabajaría posteriormente sus argumentos Fabian Nicieza, sucesor de Kurt Busiek en la serie, que se haría cargo de la colección profundizando en la premisa marcada por este, con un aire clásico que se acabaría por romper en tiempos presentes después de las secuelas dejadas por Civil War. Thunderbolts ha sido una serie que ha vivido muchos cambios y adaptaciones, pero la más importante posiblemente sea la que llevó a cabo Warren Ellis, junto al dibujante Mike Deodato, en su estancia en la cabecera cuando acercó un poco más el concepto de estos personajes al del Escuadrón Suicida de DC Comics y la oscuridad y el perfil psicológico de sus protagonistas, con caracteres tan extremos como los de Norman Osborn, el nuevo líder de estos delincuentes metidos a superhéroes durante esta etapa, Bullseye o Venom, se hizo mucho más punzante y opresiva. Por eso, este puede ser un buen momento para echar la vista atrás y recordar, o conocer por primera vez, como fueron los inicios de este atípico grupo de héroes/villanos y esa oportunidad nos la ha brindado recientemente la editorial Panini Cómics, que empeñada en traernos lo mejor de los noventa a través de su Colección Extra Superhéroes, nos ofrece ahora un tomo recopilatorio con los primeros doce números de la serie regular de Kurt Busiek y Mark Bagley así como el mencionado especial Thunderbolts: Distant Rumblings, con los lápices de un soprendente Steve Epting, el annual de los Thunderbolts de 1997 y la segunda aparición del grupo en Tales of The Marvel Universe. En definitiva, Thunderbolts es la serie que hay que leer para entender los tiempos presentes en los que el cómic superheroico parece haber perdido el norte y cada vez le cuesta más diferenciar a sus héroes de sus villanos, tiempos extraños y violentos, ecos de un pasado donde incluso algunos villanos parecían tener alma y aspiraban a su propia redención.

-Togari de Yoshinori Natsume-

2011-07-29T08:00:00.001+02:00

-Publicado Previamente en Zona Negativa-

"Érase una vez un demonio. Él quería ser humano. Pero, para eso hace falta tener corazón. Así que, para conseguir uno el demonio se comió a varias personas, a él no le importaba hacerlo porque no tenía corazón."

Togari es la ópera prima del mangaka japonés Yoshinori Natsume (Batman: La Máscara de la Muerte), un manga serializado y publicado previamente en la revista Shonen Sunday de la editorial Shogakukan y que Panini Cómics editaría a lo largo de 2005 en nuestro país siguiendo al pie de la letra la edición nipona definitiva compuesta por ocho tankoubons. Las circunstancias convirtieron a Togari en una obra de escaso recorrido con un precipitado final que dejaría muchas preguntas en el aire y alguna que otra trama abierta lo cual llevaría a su autor a negociar con otras editoriales para poder continuar su historia tal y como en un principio la había concebido. Yoshinori Natsume conseguiría cumplir esto último en la revista Monthly Comic Flapper de Media Factory y a finales de 2009 iniciaría la publicación de Togari Shiro (Togari: Blanco), la continuación de su obra original que acaba de llegar recientemente a su final en Japón y que será recopilada finalmente en tres tomos recopilatorios que, esperemos, lleguen en algún momento por estos lares. Togari cuenta la historia de Tobei, un joven vehemente, salvaje y huérfano de dieciséis años que vivió durante el período Tokugawa en Japón, época en la que se hicieron legendarios sus crímenes y que le llevarían a ser ajusticiado por una muchedumbre enfurecida. Después de trescientos años de torturas y dolor, habiendo sido condenado al infierno por los pecados cometidos en vida, Tobei no ha hecho propósito de enmienda, motivo que la diosa infernal Emma aprovecha para hacer un trato con él ofreciéndole una alternativa para conseguir su ansiada libertad. Para ello Tobei deberá reunir en el mundo real y en un período de 108 días otros tantos pecados encontrando a los “toga”, algo así como “los cuerpos materiales de crímenes y culpas”, para cazarlos con la única arma capaz de dañarlos: la espada Togari. Esta simple y en apariencia inofensiva espada de madera tiene como fuente de energía el mismo mal lo que provoca que “cuanto más terriblemente malvado sea quien se sirve de ella más fuerza adquiera”. De esta manera, mientras Tobei vaya reuniendo los pecados de asesinos y delincuentes humanos los suyos propios irán desapareciendo, limpiando su alma en el proceso, aunque la tarea se muestra casi imposible y Tobei desconoce que la espada Togari encierra más secretos de los que le la diosa Emma le ha confesado. ¡La cacería no ha hecho más que empezar!

Togari no ha tenido un camino fácil, como el mismo Yoshinori Natsume explica en sus agradecimientos a los lectores incluidos en el primer tomo de la serie de Panini Cómics, “al no contar con un lugar de trabajo, ni herramientas, ni solvencia económica para contratar ayudantes” lo que le llevó al entregado mangaka a tener que recurrir en los primeros capítulos de la historia a la ayuda de varios de sus amigos personales. Esto se evidencia en el resultado final del apartado gráfico de Togari que empieza dudoso y tambaleante en sus inicios para, posteriormente, ir mejorando y puliendo este aspecto en el transcurrir de la obra. Aunque el dibujo de Yoshinori Natsume nunca llega a ser una de las principales virtudes de esta obra su trabajo resulta más que aceptable e incluso con ciertas dosis de espectacularidad sirviéndose de una narrativa de leves resonancias occidentales. Por otro lado, Yoshinori Natsume construye una historia cuyo punto fuerte es la caracterización y evolución de su personaje principal, con unos secundarios que no llegan a hacerle sombra, en una obra que en términos generales va in crescendo, de menos a más, tomando cuerpo a medida que se profundiza en el concepto de bien y mal que se maneja en Togari . Pasamos de una aparente y primeriza simpleza argumental a un relato lleno de matices en gran medida llamativos que su autor maneja con efectiva y plástica soltura. El tratamiento de la acción y la épica del relato es también un valor al alza en Togari y Yoshinori Natsume suele revestirla de un cierto trasfondo ético y moral de origen neutro. El humor, blanco e inocente, sirve de contraste en este caso y como válvula de escape a los momentos de mayor tensión, muy acorde con las vivencias de un protagonista que no sólo debe luchar para sobrevivir sino que además debe intentar comprender un mundo muy alejado del que él conocía cuando estaba vivo. Tobei es un personaje cuya animalidad y salvajismo, emparentado con el ideal rousseauniano sobre la naturaleza humana, recuerda en algunos aspectos a Lobezno, el canadiense superhéroe miembro de los X-men cuya génesis descubrimos en el Lobezno: Origen de Paul Jenkins y Andy Kubert. No obstante, esto no deja de ser una simple impresión pues Togari no apuesta en ningún momento por el relato de corte superheroico, un tema algo foráneo dentro del manga japonés, aunque si juega con el concepto mismo del heroísmo y con la relación de este con la posibilidad innata de la conciencia y el sentido de la justicia.

Dicho todo esto, Togari es una obra con sus propias virtudes y defectos, las cuales en ningún momento presagian una obra maestra en su género pero si estamos ante un relato con algunos momentos de brillantez y una trama lo suficientemente entretenida, sobre todo teniendo en cuenta su adecuada evolución, como para resultar una lectura agradecida que puede dejar un buen sabor de boca al aficionado medio y ocasional del cómic japonés por su tratamiento ligeramente más adulto y punzante de los tópicos del shonen manga. Yoshinori Natsume presenta en Togari un trabajo sincero y honesto, cuyo principal punto débil es ese abrupto final que supone un coitus interruptus justo en el momento más álgido de la trama, todo ello pese al hecho de que se autor se afane en apostar por un final abierto y no carente de simbolismo que parece salvar los muebles. No obstante, teniendo en cuenta la continuación de la historia en la citada secuela que lleva por título Togari Shiro, puede ser este un buen momento para reivindicar esta obra como justamente se merece. La edición de Panini Cómics de la presente obra resulta sencilla, compacta y con un precio bastante ajustado de los que hoy ya difícilmente se pueden ver en el mercado nacional. En el primer tomo de la colección encontraremos en sus páginas finales a modo de extra el The Making Of Togari donde el mismo Yoshinori Natsume intenta explicar algunos aspectos a tener en cuenta en la elaboración de un manga como Togari, en este apartado podremos ver algunos bocetos del autor y leer algunas interesantes reflexiones suyas sobre temas como la elaboración de un storyboard, la composición de página y lo que él mismo define como la “gramática propia del medio”. En definitiva, Togari de Yoshinori Natsume es un shonen manga cuya extensión y perspectiva ligeramente más madura pueden hacerlo apropiado para los aficionados que tienden a alejarse de este tipo de obras que pueden extender durante decenas de tomos, como puede ser el caso del Naruto de Masashi Kishimoto o el One Piece de Eichiro Oda, siendo también una buena opción como lectura introductoria al cómic japonés debido a su falta de pretensiones y su narrativa más cercana a la mentalidad occidental. En cambio, a los lectores más experimentados y consumidores habituales de manga, Togari puede resultarles una obra poco ambiciosa e irregular pero igualmente puede resultarles un entretenimiento que les deje un buen recuerdo y ganas de acercarse a conocer las nuevas aventuras de Tobei en Togari Shiro.

-Nekomajin: El Gato Mágico de Akira Toriyama-

2011-07-28T08:00:00.022+02:00

-Publicado Previamente en Zona Negativa-

"Nos queda menos de una página.

¿¡¡Crees que puedo demostrar algo en tan poco espacio!!?"

Sin lugar a dudas, una de las figuras contemporáneas más influyentes del mundo del manga y el anime en la actualidad no es otro que el veterano y aclamado mangaka Akira Toriyama, un destacado autor que durante la década de los ochenta y parte de los noventa supo conquistar al gran público a través de la comedia absurda de su Dr. Slump y también desde la épica y la mitología de una obra maestra del shonen manga como Dragon Ball. En nuestro país ambas series, emitidas y programadas reiteradamente en las televisiones públicas, fueron un auténtico boom allí donde se estrenaron conviertiéndose en abanderadas del subsiguiente fenómeno del cómic japonés por estos lares. De esta manera, el trabajo de Akira Toriyama en Dr. Slump y Dragon Ball ha convertido a su autor en todo un referente insalvable para los mangakas de generaciones posteriores, como para él lo fue el de Osamu Tezuka, siendo este el caso de Masashi Kishimoto (Naruto), Eichiro Oda (One Piece), Tite Kube (Bleach) o Yoshio Sawai (Bobobo) que, en mayor o menor medida, han reconocido la influencia del trabajo del maestro en sus respectivas obras. Akira Toriyama, prolífico autor donde los haya, debutó en 1979 en la revista Shonen Jump con la historia corta Wonder Island , un claro antecedente a su Dr. Slump en el cual ya hacen acto de presencia algunos personajes de la misma, habiendo continuado desde entonces su infatigable intención de hacernos reír con sus ocurrencias y relatos como Pola & Roid, Dragon Boy, Madmatic, Go Go Ackman!, Cowa! o Sandland. Muchos de estas obras no dejan de ser historias cortas formadas por varios capítulos que ya han sido publicadas en nuestro país anteriormente, mención especial para la reciente recopilación que lleva por título Mankan Zenseki, el antiguo Teatro Manga de Akira Toriyama que ya editó en los noventa Planeta DeAgostini en nuestro país y que ahora recupera en su edición Ultimate Edition incluyendo una gran cantidad de material sobre el mítico autor. Todas estas creaciones son muestras del estilo inconfundible de un mangaka que ha marcado tendencia en el panorama manga de las últimas décadas, habiendo generado cantidades ingentes de merchandising de sus series más conocidas e que incluso habiendo dado el salto al cine hollywoodense con la olvidable Dragon Ball Evolution de James Wong y también al mundo de los videojuegos donde Akira Toriyama ha colaborado en sagas como Dragon Quest y Chrono Tigger.

Pero ahora echemos la mirada un poco atrás. Es ampliamente sabido que después de acabar la serialización de Dragon Ball su autor decidió que se tomaría un tiempo libre, a partir de entonces no se volvería a enfrascar en una historia de tal magnitud, el éxito de su particular visión del clásico de la literatura china Viaje al Oeste le había mantenido ocupado durante casi doce años de su vida y su trabajo se había vuelto demasiado obsesivo y exigente, sobre todo por el éxito que también habían cosechado las aventuras de sus personajes en su traslado al anime y que había desatado una auténtica “dragonballmania” casi a nivel mundial. Con obras como las mencionadas Cowa! y Sandland el popular mangaka volvía a la senda que había tomado en sus inicios, las historias de escaso recorrido y de corte humorístico para posteriormente, concretamente en el año 1999, presentar Nekomajin: El Gato Cósmico, una serie de relatos cortos en los que Akira Toriyama aprovecharía para reírse de sí mismo y de su obra más destacada: Dragon Ball. Los nekomajins, como el propio Akira Toriyama explica en la misma obra, “son criaturas con aspecto de gato capaces de hacer un poco de magia” aunque el verdadero poder de la mayoría de estos seres reside en su conocimiento de las artes marciales, a parte de esto pocos más datos se conocen de estos curiosos personajes aunque se sabe que tienen predilección por hacer vida tranquila en el campo y suelen ser de carácter alegre y divertido. Akira Toriyama empezó contándonos las vivencias de uno de estos nekomajin algo avaricioso e interesado y sus conflictos con macarras y extraterrestres de turno para después dedicar otro capítulo al nekomajin atigrado y posteriormente pasar directamente a la autoparodia “dragonbalística” en las historias que se engloban en la segunda parte de la colección llamada Nekomajin Z. En total Nekomajin se compone de ocho números independientes, con una ligera continuidad entre algunos de sus capítulos, que serían publicados por la editorial japonesa Shonen Jump en su día y que finalmente serían recopilados en 2005 en un único tomo tankōbon, el mismo que un año después Planeta DeAgostini editaría en nuestro país. Una obra menor en la carrera de Akira Toriyama que no se toma en serio a sí misma y esa, posiblemente, sea su mayor virtud.

De esta manera, podemos afirmar que Nekomajin es una obra prototípica de Akira Toriyama, una serie de historias ligeras que presentan ese tipo de humor propio de su autor simple e ingenuo, incluso algo infantil, que no renuncia al absurdo ni a algunos retazos de humor verde. Un estilo característico que ha acompañado a su autor a lo largo de su carrera junto a un dibujo plano y muy expresivo, con un toque “disneyano” heredado de Osamu Tezuka y una destacada habilidad para el diseño de artefactos tecnológicos de todo tipo que ayudan a configurar un mundo diferente, a medio camino entre la utopía medioambiental y la sociedad tecnificada y futurista, bastante recurrente en sus trabajos. En relación a esto, Akira Toriyama ha declarado en más de una ocasión que, respecto al desarrollo de sus obras, no suele tener ningún argumento ideado a largo plazo ni le gusta detallar en exceso el universo en el que se mueven sus personajes ya que eso le deja bastante libertad para improvisar sobre la marcha y poder él mismo disfrutar de su trabajo dibujando aquello que le apetece sin ningún tipo de restricciones. Esto es lo que el famoso mangaka considera como “cuadrar las historias a lo bruto” y es lo que le ha dado según él esa “imagen de autor pasota”. Un sistema que, curiosamente, siempre le ha dado buenos resultados y el cual ha sabido exprimir al máximo siendo Nekomajin sólo una muestra más de esa manera suya de hacer manga. En esta obra, para dejar claro que estamos ante una parodia de Dragon Ball, hacen apto de presencia personajes como Vegeta, el cual acaba afirmando que “nunca más volveré a salir en un manga cómico”, Kreezer, el hijo de Freezer, el monstruo Buu, o el mismísimo Son Goku y el resto de la familia “dragonbalística” tal como aparecían en los últimos capítulos del manga dibujado por Akira Toriyama. Este y otros detalles hacen de Nekomajin una entretenida curiosidad, sobre todo para los seguidores incondicionales de Dragon Ball, aunque no permiten que la obra desarrolle una personalidad propia que, no obstante, tampoco parece la intención de Akira Toriyama. Nekomajin: El Gato Mágico sólo pretende hacernos pasar un rato entretenido con una diversión ligera pero hasta cierto punto adictiva, no es Dragon Ball, ni el Dr. Slump, pero perderse de vez en cuando en los mundos concebidos por Akira Toriyama siempre suele ser una buena manera de desperdiciar el tiempo.

-Aventuras en la Brigada del Rifle de Garth Ennis y Carlos Ezquerra-

2011-07-22T08:00:00.030+02:00

-Publicado en Zona Negativa-

“Creo que, si le hubiéramos dado la independencia a América, habríamos sido los primeros en enterarnos, ¿no? [...] ¡En la Brigada del Rifle solo hay británicos! “

En el año 1800 el coronel Coote Manningham y el teniente coronel William Stewart tomaban el mando de la nueva unidad del ejército británico conocida como el Cuerpo Experimental de Rifleros que reunía a lo más granado de las tropas ligeras de la nación en un cuerpo de elite especializado en tácticas y sistemas de entrenamiento y asalto revolucionarios para la época y que demostrarían su efectividad y versatilidad en la lucha contra las fuerzas napoleónicas y en posteriores enfrentamientos como la Guerra de Crimea de 1853, donde el grupo ya era conocido como la Brigada de Rifleros, o en las dos guerras mundiales del pasado siglo XX que asolaron y determinaron el devenir de Europa y el resto del mundo. Estos hechos, sin lugar a dudas, son conocidos por el guionista irlandés Garth Ennis, un ávido cinéfilo de películas del género bélico y aficionado a la historia militar como ha demostrado a lo largo de su carrera, una pasión que le ha llevado a tener sus devaneos y escarceos con este tipo de relatos en obras como Historias de la Guerra, As Enemigo: Guerra en el Cielo o El Soldado Desconocido y que también ha trasladado a otros de sus trabajos más relacionados con el ambiente superheroico como Hitman, Demon o la más reciente The Boys, series en las que ha acostumbrado a reservar algún capítulo para narrar alguna de sus historias de guerra. En el año 2002 Norma Editorial publicaba en nuestro país uno de los últimos coqueteos de Garth Ennis con el género bélico, Las Aventuras de la Brigada de Fusileros, en este caso una parodia militar ambientada en la Segunda Guerra Mundial que el irlandés perpetró para la línea Vertigo de DC Comics y que ahora la editorial Planeta DeAgostini ha tenido a bien volver a recuperar bajo el título de Aventuras en la Brigada del Rifle. Este recopilatorio se compone de las dos miniseries publicadas hasta la fecha de la colección, Aventuras en la Brigada del Rifle y Aventuras en la Brigada del Rifle: Operación Cojón, en las que asistiremos a las desventuras del Capitán Hugo Darcy y su tropa de bravucones soldados, el teniente segundo Cecil “Dudas” Milk, el sargento Crumb, el cabo Geezer, Hank el Yanqui y El Gaitero, embarcados en las más absurdas misiones con el único objetivo de hacer la vida imposible al ejército alemán y “hacer llorar a los nazis hasta que vuelvan a casa a abrazar a su mamá”. Esto se traduce, como todo buen cómic de Garth Ennis que se precie de serlo, en violencia absurda y gratuita, una dominatrix nazi de pechos enormes, un escatológico y corrosivo humor marca de la casa y algo de “romanticismo homosexual entre camaradas”.

En esta ocasión Garth Ennis une fuerzas junto al dibujante español Carlos Ezquerra, encargado del apartado gráfico de estas alocadas Aventuras en la Brigada del Rifle, con el cual también ha colaborado en obras como Bloody Mary, Sólo un Peregrino o la mencionada Historias de la Guerra, mientras las portadas originales corren a cargo de los británicos Glenn Fabry (Predicador) y Brian Bolland (La Broma Asesina). Partiendo del hecho de que Aventuras en la Brigada del Rifle no es, ni mucho menos, la mejor obra de Garth Ennis ni una de las que será más recordada por sus seguidores, ni tan siquiera una de las más llamativas o una aspirante a convertirse en un cómic de culto, también es cierto que se agradece en la propuesta cierto comedimiento y moderación por parte de su autor, la ausencia de lo cual acostumbra a lastrar muchos de sus trabajos como, por ejemplo, ocurre en Crossed o The Boys que pese a una premisa de partida interesante acaban engullidas por sí mismas. Por otro lado, Garth Ennis y Carlos Ezquerra, no se andan con medias tintas, en Aventuras en la Brigada del Rifle intentan hacernos pasar un buen rato mediante una parodia de los tópicos propios del género bélico los cuales se esfuerzan en llevar al exceso y al absurdo favoreciendo la caricatura de sus personajes y de sus historias. El cómic se sirve para ello de una cierta “épica disparatada” y una intencionalidad paródica y caricaturesca, con un planteamiento que inevitablemente recuerda a los Malditos Bastardos de Quentin Tarantino, película que recordamos es posterior a la presente obra de Garth Ennis y que a parte de la desmitificación de ciertos patrones del género bélico y de la historia de un grupo de soldados en territorio enemigo durante la Segunda Guerra Mundialpoco más tienen en común. El humor utilizado para la ocasión, para el que la narrativa visual de Carlos Ezquerra parece bien dotado, esta organizado entorno a una serie de gags que, para ser sinceros, parecen los descartes de una producción Monty Python aderezados con una pizca de sal gruesa del sentido del humor, retorcido e irreverente, de su creador.

El dibujo de Carlos Ezquerra puede recordar al de otros artistas con los que ha trabajado Garth Ennis a lo largo de su carrera, siendo los lápices del zaragozano mucho más agradables y elaborados que los de Jacen Burrows, cómplice de algunas de las obras más irrelevantes y desfasadas del guionista irlandés, casi todas ellas dentro de la editorial Avatar Press como es el caso de Chronicles of Wormwood o la citada Crossed; y, por otro lado, también encontramos un cierto componente realista y caricaturesco al mismo tiempo en el trazo de Carlos Ezquerra cercano al que Steve Dillon ha demostrado en Predicador o Hellbazer, obras en las que esta presente la mejor versión de l’enfant terrible del cómic estadounidense. Dejando el apartado gráfico a un lado, en estas Aventuras en la Brigada del Rifle encontraremos una buena muestra de las manías y obsesiones recurrentes de Garth Ennis como autor, lo cual juega en contra de la misma obra ya que en la comedia un mismo gag puede funcionar una vez o dos pero difícilmente lo hará una tercera y eso mismo sucede, no ya con las presentes historias del Capitán Darcy y sus camaradas, sino con el trabajo que el irlandés nos ha brindado en los últimos años y que en muchos aspectos pone de relieve que no ha sabido progresar adecuadamente desde sus mejores tiempos. No obstante, esto resulta algo de perogrullo, ya que si una cosa no se le puede pedir a Garth Ennis es que sea políticamente correcto, sus virtudes nacen de su afán subversivo e iconoclasta pero, por desgracia, muchas veces sólo deriva y naufraga en lo zafio y lo burdo sin aportar nada más de interés al conjunto. Aventuras en la Brigada del Rifle no logra desmarcarse de esta última tendencia en la narrativa de Garth Ennis, ciertamente estamos ante un producto más mesurado y controlado que obras más recientes de su autor, aunque no lo parezca a primera vista, pero esto se nos antoja que sólo es debido a la influencia de la línea Vertigo en la serie, lo que consigue que el resultado pueda servir como lectura ligera pero haga casi inviable futuras relecturas. En definitiva, una obra mediocre pero simpática que cae en tierra de nadie, un buen aperitivo para los seguidores más acérrimos, entusiastas y completistas de Garth Ennis pero, en el cómputo global, una obra prescindible que pasa sin pena ni gloria por nuestras manos.

-Spider-man: Fiebre de Brendan McCarthy-

2011-07-21T08:00:00.005+02:00

-Publicado Previamente en Zona Negativa-

“Y en su red, agazapado, sobre la sima abismal en aparente calma, el rey en su sitial. Aguarda tu alma. ¿Y eso me traes?”

En los últimos años ha quedado demostrado que Spider-man es un personaje bastante sensible a lo esotérico y arcano, no por casualidad aún quedan abiertas algunas heridas después del incidente conocido como One More Day , un punto y a parte en la cronología arácnida que el editor Joe Quesada achacaría en su momento de forma simpática a la labor de un mago. Anteriormente, durante la estancia del polémico guionista J.M. Straczynski en la cabecera de The Amazing Spider-man, la magia fue un elemento recurrente en los relatos de este, sobre todo en su primera etapa en la serie en la que colaboraría con John Romita Jr.; el elemento mágico era un recurso bien planteado y ejecutado por el guionista estadounidense que servía para demostrar la versatilidad y adaptabilidad del superhéroe fetiche de Marvel Comics y que no olvidaba un principio que el autor expresaría después de su marcha de cabecera, no sin cierto reproche a Joe Quesada, cuando afirmaba que “la magia tiene que tener reglas”. Este tema, que podría estar sujeto a debate, es algo que ya parecían tener asumido los prolíficos Stan Lee y Steve Ditko en 1963 cuando crearon a un personaje tan peculiar y misterioso como el Doctor Extraño en las páginas de la publicación marvelita Strange Tales. El Maestro de las Artes Místicas y Hechicero Supremo del Universo Marvel se enfrentaba a lo desconocido y sobrenatural en su día a día, un héroe diferente a todos los que hasta entonces habían nacido al amparo de La Casa de las Ideas y cuyas posibilidades parecían inmensas e ilimitadas. Pronto, Stan Lee y Steve Ditko concebirían el primer encuentro entre el Doctor Extraño y Spider-man en The Amazing Spider-Man Annual 2 USA, una historia que demuestra ser un auténtico “festival Steve Ditko”, como así lo calificaba Stan Lee en dicho número titulado El Maravilloso Mundo del Doctor Extraño!, un relato en la cual el arácnido superhéroe y el poderoso hechicero debían unir fuerzas para combatir al malvado Xandu y sus esbirros, un encuentro entre lo terrenal y lo etéreo que marcaría época, sobre todo en la mente de un atípico autor como Brendan McCarthy que cuarenta y siete años después del debut del personaje en las páginas de un cómic nos presenta ahora la ditkoniana, surrealista y mística Spider-man: Fiebre.

Brendan McCarthy es un autor británico cuyos trabajos más reconocidos a día de hoy tienen que ver con su participación en series como Judge Dredd, ABC Warriors o Tharg’s Future Shocks y con su labor como portadista en la etapa de Peter Milligan y Chris Bachalo en Shade: El Hombre Cambiante, la cabecera de la línea Vertigo de DC Comics, pero también ha participado como guionista en algunos proyectos destacados en el mundo del cine y la televisión durante los años ochenta y principio de los noventa entre las que destacan productos como Los Inmortales de Russell Mulcahy, el Mad Max 2 de George Miller o la primera película de acción real de Las Tortugas Ninja de Steve Barron. Por otro lado, curiosas han sido algunas de las últimas declaraciones de Brendan McCarthy, a propósito de una más que posible y próxima película del Doctor Extraño, en las que admitía haber sugerido a DC Comics realizar un crossover del personaje con The Sandman, la obra magna de Neil Gaiman de la línea Vertigo, mientras, por otro lado, proponía también a Marvel Comics un team-up entre Lady Gaga y el Doctor Extraño, lo que sería según él “una combinación de cómic y vídeo en una nueva canción” que ayudaría a acercar al personaje al gran público y prepararles para la futura película del poseedor del Ojo de Agamotto. Tan extravagantes y llamativas son las propuestas de Brendan McCarthy para el Doctor Extraño como su Spider-man: Fiebre, una obra cuya premisa parte del enésimo enfrentamiento del trepamuros con El Buitre, una mera excusa argumental, a consecuencia del cual nuestro héroe quedará infectado místicamente y perdido en un delirio de realidad o mundo alternativo que parece surgido de la mente enfermiza de un beatlemaniaco. Sólo el Doctor Extraño podrá salvar el alma de nuestro héroe a riesgo de perder la cordura en un lugar donde no existe nada parecido a las reglas, leyes o lógica humana. Spider-man: Fiebre se articula como una miniserie de tres únicos números homenaje a Steve Ditko, lo cual resulta bastante evidente al observar el dibujo de Brendan McCarthy dentro de una historia, por otro lado, marcada por una narrativa y unos diálogos dadaístas y por un apartado gráfico psicodélico y alucinógeno de muy difícil digestión y que sólo se pueden explicar en el caso de que su autor haya encontrado el alijo olvidado de estupefacientes de Grant Morrison o Alan Moore y haya sido víctima de una sobredosis opiácea.

De esta manera, el mundo paranormal que refleja Brendan McCarthy recuerda a Pepperland, el hipnótico paraíso musical de la película animada de George Dunning de 1968 basada en la canción Yellow Submarine del grupo musical The Beatles de los que, casualmente, el guionista y dibujante de Spider-man: Fiebre se muestra tan bien un abierto admirador. Por lo demás, la obra presenta algunas reminiscencias inevitables de esos mundos fantásticos de influencias “peterpanistas” y “carrollianas” de la literatura infantil de finales del siglo XVIII y principios del siglo XX, y algún guiño al ocultista Aleister Crowley concretado en un personaje que aparece en la trama con un nombre y unas aficiones muy parecidas a las del histórico y extravagante místico. El dibujo de Brendan McCarthy asimila muy bien el trazo de Steve Ditko, a lo que colaboran los efectos especiales y los “ingeniosos fondos surrealistas y portentosas secuencias de color” de Steve Cook, aunque su fuerza visual se diluye en una obra hermética, poco accesible y con un ritmo mortecino que no consigue retener el interés del posible lector debido, principalmente, a encontrarnos ante una historia que sólo puede ser comprendida por su propio autor. Spider-man: Fiebre no funciona como viaje iniciático ni existencial de sus personajes, casi espectadores de excepción de los acontecimientos como nosotros mismos, ni como una simple aventura destinada al puro y llano entretenimiento pese a que Brendan McCarthy también se esfuerza en asimilar la narrativa setentera llena de bocadillos de pensamiento y cuadros narrativos. Centrándonos en el recopilatorio de Panini Cómics de la presente obra este se incluye dentro de su colección Marvel Graphic Novels y contiene los tres números originales de la serie concebida por Brendan McCarthy así como el mencionado The Amazing Spider-Man Annual 2 USA de Stan Lee y Steve Ditko a modo de complemento, aunque uno tiene la impresión de que debería ser justamente al contrario, y un texto introductorio de Celes J. López titulado Magia Febril. En definitiva, Spider-man: Fiebre es un cómic solamente recomendado para aquellos aficionados con una mentalidad muy abierta, para los que puedan ser capaces de disfrutar del ditkoniano apartado gráfico que Brendan McCarthy aporta a la obra y ser capaces de ignorar o subliminar sus defectos y excesos o, como en mi caso, para los que no tengan en su colección el annual de Stan Lee y Steve Ditko que "nos regala" este tomo.

-Cyanide and Happiness de Kris Wilson, Rob DenBleyker, Matt Melvin y Dave McElfatrick-

2011-07-15T08:00:00.161+02:00

-Publicado Previamente en Zona Negativa-

"Sr. Washington, usted solo esta posando para un cuadro.

Puede ponerse su ropa"

Aunque el webcómic es un formato que permite acercarse a cualquier tipo de género lo cierto es que son las creaciones humorísticas o tiras cómicas el camino que deciden seguir muchos autores noveles y algunos más veteranos a la hora de experimentar con las posibilidades que ofrece este medio. Esto puede deberse al hecho de que el humor es un género que permite una mayor libertad a nivel gráfico más difícil de mantener en una obra de fantasía o ciencia ficción aunque hay igualmente muchos webcómics de corte humorístico que destacan también por su dibujo y apartado artístico como pueden ser opciones tan dispares como En Dosis Diarias de Alberto Montt, el Conejo Frustrado de Mike Bonales o Bunsen de Jorge Pinto. En Zona Negativa ya hemos reseñado algunos webcómics enmarcados y planteados desde su vertiente humorística como Las Crónicas PSN de Andrés Palomino o el citado En Dosis Diarias de Alberto Montt pero la variedad que podemos encontrar pululando por internet es mucho mayor y realmente cualquiera puede encontrar lo que busca con un poco de suerte y por muy retorcido que sea su sentido del humor. Teniendo todo esto en cuenta uno de los webcómics que actualmente tiene más éxito y presencia en las redes sociales es Cyanide and Happiness, traducido a más de veinte idiomas, entre ellos el castellano, y en el colaboran Kris Wilson, Rob DenBleyker, Matt Melvin y Dave McElfatrick. Este cuarteto se ha especializado con Cyanide and Happiness en un tipo de humor negro, cínico y satírico, apoyado en un dibujo simplista y esquemático, secundando la ley del mínimo esfuerzo, en la línea del popular El Bueno de Cuttlas de Eduardo Pelegrín, en el que ningún tema se encuentra a salvo de su irreverente y desmitificadora mirada, teniendo como resultado una obra no apta para todos los públicos.

Lo primero que debemos tener en cuenta de Cyanide and Happiness es que no estamos ante una obra heterogénea y cohesionada, sobre todo en relación a su apartado gráfico que podríamos calificar de coral pues, aunque la mayoría de tiras cómicas de este webcómic siguen un estilo más o menos marcado, tomando como referencia el trabajo de Kris Wilson, cada autor le acaba aportando su propio y personal enfoque. Esto provoca, por ejemplo, que el trabajo Kris Wilson, creador del concepto original de Cyanide and Happiness , pueda parecer más expresivo y atractivo a la vista que el dibujo de Rob DenBleyker que resulta más parco que el de su compañero. Esto también tiene cierta relevancia en los guiones y los gags de las diferentes tiras cómicas en los que colaboran los cuatro autores y que presentan visiones algo distintas entre sí pese a la intencionalidad que mantienen en común. Cyanide and Happiness , por otro lado, se sirve más de una vez de la ruptura del formato o de la vulneración de la cuarta pared y otros trucos metaficcionales, sus personajes evidencian en muchas tiras cómicas ser plenamente conscientes de haberse convertido en actores animados de un webcómic. Cyanide and Happiness , por encontrar alguna comparación posible, parece seguir la estela de la polémica serie de animación South Park creada por Trey Parker y Matt Stone con la que comparte su tono gamberro y cínico aunque sin el desarrollo de historias o personajes que encontramos en dicha serie estadounidense.

Por supuesto, las referencias a la cultura pop están presentes en Cyanide and Happiness , aunque tampoco son el sustento del webcómic, pese a la aparición, más o menos habitual, de celebridades de lo más variadas, actuales e históricas, como pueden ser Lindsay Lohan, George W. Bush, Steven Tyler, George Washington, The Beatles o Isabel II de Inglaterra, siempre con una especial presencia británica debido al origen de este webcómic que incluso ha llegado a protagonizar anuncios publicitarios en Gran Bretaña. En este país se ha publicado algún recopilatorio de tiras cómicas de este webcómic pero, por el momento, no ha sido una idea que se haya exportado a otras tierras por lo que la mejor manera de seguir disfrutando del desfasado humor de Cyanide and Happiness la encontraremos en internet. En resumen, Cyanide and Happiness es un webcómic que no deja indiferente, amante de la controversia y del humor punzante e incluso escatológico, lo que todo la vida se ha conocido como de mal gusto, aunque extrañamente y sorprendentemente agudo y lúcido en muchas ocasiones para ser una obra que nació como un simple entretenimiento para matar las horas muertas de Kris Wilson al verse este postrado en la cama a causa de una faringitis estreptocócica.

-Superman: Hijo Rojo de Mark Millar y Dave Johnson-

2011-07-14T08:00:00.062+02:00

-Publicado Previamente en Zona Negativa-

“¿Quién te crees que eres, volando por ahí y vistiendo nuestra bandera? ¿Cómo pueden considerarte un símbolo de todo en lo que creemos si ni siquiera eres de este planeta? [...] La prueba viviente de que no todos los hombres son creados iguales”

Superman. El llamado Hombre de Acero. El primer superhéroe en mayúsculas de la historia del cómic. Un personaje creado por los estadounidenses Jerry Siegel y Joe Schuster a principio de los años treinta del pasado siglo XX que, a lo largo de sus casi ochenta años de existencia, se ha convertido en un icono popular capaz de trascender el propio mundo de la viñeta, como pocos personajes del género superheroico han conseguido después de él, para convertirse en una idea, un símbolo y un concepto, que a lo largo del tiempo ha ido adquiriendo cierto carácter nietzscheano e incluso mesiánico, a propósito de nuestra frágil humanidad y nuestros anhelos de futuro. Superman, como un sosias contemporáneo del mito hercúleo grecolatino, representa una nueva encarnación del antiguo héroe solar enfrentado a los monstruos que intentan apropiarse de nuestro mañana, como bien insinuaban Grant Morrison y Frank Quitely en su destacada All Star Superman. De esta manera, como un ancestral personaje de estas mitologías clásicas, Superman ofrece una perspectiva y una capacidad interpretativa sobre el universo conocido y sobre nosotros mismos que no puede ocultar su preponderante potencial metafórico y alegórico. Desde su nacimiento han sido muchos los autores que han querido, algunos menos los que han conseguido, aprovecharse de este hecho en sus historias y relatos para, más allá de entretenernos, hacernos pensar y reflexionar sobre los más variados temas políticos, sociales, éticos e incluso, o sobre todo, existenciales. Sólo de esta manera se puede explicar como en una obra como Superman: Hijo Rojo, un cómic creado por Mark Millar y Dave Johnson en 2003, el famoso Hombre de Acero sea capaz de acabar convertido en “la utopía definitiva del obrero” enarbolada por el hoy casi extinto movimiento comunista y la premisa, lejos de caer en el absurdo, resultar una atractiva e interesante propuesta. En esta historia, publicada dentro del sello Elseworlds de DC Comics, se presenta una vuelta de tuerca respecto al mítico superhéroe pues, al contrario de otras veces, en este cómic Superman no defiende el status quo estadounidense y su salvaje idealismo capitalista, su american way of life que tanto parece preocupar a Mark Millar, sino que se presenta como el abanderado y valedor del comunismo de la hoy desaparecida Unión Soviética. Esta premisa ideada y desarrollada por Mark Millar, a la que colaboran los lápices de Dave Johnson, no cae en saco roto ni resulta gratuita, como muchas veces ha ocurrido con propuestas del mismo corte, ya habiéndose hecho un hueco en el imaginario del personaje y en el catálogo de los mejores relatos que de él hemos podido leer en esta última década.

Superman: Hijo Rojo se sitúa en los años cincuenta, en la época de la Guerra Fría entre Estados Unidos y la Unión Soviética, un marco histórico que se esta convirtiendo en algo recurrente en el género superheroico, tanto en el mundo del cómic como atestigua el ya clásico y pionero responsable de este tópico, el Watchmen de Alan Moore y David Gibbons, como en lo referente a las adaptaciones cinematográficas, siendo este el caso de la reciente X-Men: Primera Generación de Matthew Vaughn. El guionista escocés Mark Millar, “el maestro de las ideas simples y obvias”, como él mismo asegura que le tiene en consideración el editor marvelita Dan Buckley, sabe aprovecharse en Superman: Hijo Rojo de algunos “pequeños huecos” e ideas abandonadas y apenas esbozadas por el conocido mago de Northampton en la mencionada Watchmen para reutilizarlas en el beneficio del relato que aquí nos propone. De esta manera, su retrato de este Superman soviético juega un papel muy parecido al del estadounidense Dr. Manhattan, compartiendo con este su configuración divinizada y su incomprensión hacia algunos roles y actitudes humanas pero diferenciándose, por otro lado, en sus respectivas implicaciones hacia la sociedad que les ha amamantado y visto nacer. En el caso del primero, Superman, esto se traduce en un militante y directo intervencionismo de marcado carácter político y nacionalista que se contrapone al autoimpuesto colaboracionismo nihilista y apático que desprende el D. Manhattan. En el otro lado de la ecuación, Lex Luthor, el archienemigo por antonomasia en las historias de Superman, se presenta en Superman: Hijo Rojo como un ambiguo humanista científico y benefactor de la raza humana, un perfil relacionado con las raíces más clásicas del famoso villano y que Brian Azzarello y Lee Bermejo analizarían en más profundidad en Lex Luthor: Hombre de Acero, una obra con una narrativa marcadamente freudiana algo alejada de la que Mark Millar propone en la presente obra. No obstante, en Superman: Hijo Rojo descubrimos un Lex Luthor rico en matices, un ególatra y presuntuoso autodidacta con aspiraciones dictatoriales que no puede evitar comprobar como su nación languidece bajo el peso de su propio sistema capitalista mientras el ideal viviente del superhombre encarnado en Superman, el comunismo, amenaza con extenderse por todo el mundo logrando que “Rusia se sienta tan indestructible como él”.

Mark Millar en Superman: Hijo Rojo nos brinda, sin lugar a dudas, su obra más redonda hasta la fecha, ofreciéndonos su mejor cara como guionista, con una trama llena de conceptos e ideas que maneja con cierta soltura, a pesar de en el fondo no ser más que un popurrí de influencias que el guionista expolia de diversos lugares, y que se aleja sobremanera del efectismo y el “salvajismo comercial” de otras propuestas suyas más recientes como Kick-Ass, Némesis o Wanted. Pero, curiosamente, también estamos ante uno de los trabajos más infravalorados de este autor, un cómic que ha pasado algo desapercibido entre sus aficionados y entre el fandom pese a sus destacadas virtudes, posiblemente debido a la aparentemente farragosa carga política utilizada, que realmente se trata ligeramente y con algún que otro estereotipo, y que toma como referencia la literatura distópica de la primera mitad del siglo XX. Esto queda patente en la misma figura superheroica que nos traslada la historia, un Superman defensor de la utopía comunista establecida, aunque irónicamente su sola existencia suponga una corrupción evidente de la doctrina marxista, un Gran Hermano que consolida un mundo desprovisto de todo tipo de males, crímenes o hambrunas y donde todos los ciudadanos son iguales, lo que se traduce, curiosamente, en una carencia de libertades. Superman representa pues a ese tipo de “superhéroe tutelar” dispuesto a cambiar el mundo por la fuerza, como hemos visto en otras obras del género como The Authority, donde ya Mark Millar jugaba con dicha idea junto a Frank Quitely después de la previa etapa de Warren Ellis y Bryan Hitch, o el más reciente The Mighty de Peter Tomasi y Keith Champagne, por poner sólo un par de ejemplos. Esta “dictadura benevolente” es un hecho que en Superman: Hijo Rojo combatirán los rebeldes y opositores al régimen, liderados por un Batman que recuerda sospechosamente en espíritu al héroe anárquico de V de Vendetta de Alan Moore y David Lloyd, “por su derecho a vivir en el infierno”.

El revisionismo histórico y la citada novela de ciencia ficción distópica se entremezclan en Superman: Hijo Rojo, como en los esquemas habituales de este tipo de obras, en la línea de Un Mundo Feliz de Aldous Huxley, 1984 de George Orwell, Fahrenheit 451 de Ray Bradbury o la más desconocida, pero antecesora a estas, Nosotros de Yevgeni Zamiatin, es clave la figura del disidente que acaba descubriendo y luchando contra las injusticias del estado totalitario. Este papel lo juega en la obra de Mark Millar su peculiar versión soviética de Batman que mencionábamos, un personaje incapaz de diferenciar entre justicia y venganza, cuya oposición al régimen que representa Superman, consolidado durante el gobierno represivo de Iósif Stalin, es férrea e inquebrantable, lo que le llevará a convertirse “en el lado oscuro del sueño soviético”. Mark Millar, con buen criterio, se muestra hábil a la hora de relatar una historia en la que predominan este tipo de grises y en el que conviven toda una galería de ambiguos personajes que luchan por su verdad y entre los que se diluye el concepto superheroico sin llegar a manisfestarse totalmente. De esta manera, Superman: Hijo Rojo es capaz de superponerse a la tentación de tomar un partido más activo por alguno de los bandos en conflicto lo que sólo podría haber desembocado en un trasnochado alegato anticomunista o en un vanal ensalzamiento del libre mercado y de los valores liberales estadounidenses aunque su final, no cabe duda, puede estar sujeto a diferentes y partidarias interpretaciones. No obstante, para llegar a este punto intermedio de entendimiento, su autor acaba sustentándose en el contexto histórico que ha utilizado como punto de partida. Así, en Superman: Hijo Rojo encontramos algunos cameos de figuras históricas de primer nivel, como el mencionado Iósif Stalin o J. F. Kennedy, desprovisto en el cómic de su habitual “aura idealizada” debido a los acontecimientos distorsionados respecto a nuestra línea temporal, o de hechos reales que se combinan con la presencia de algunos de los personajes insignia de DC Comics en roles diferentes a los que suelen jugar habitualmente, como es el caso de Green Lantern y sus “terrenales” Corps., la princesa Diana (Wonder Woman), el periodista del Daily Planet Oliver Queen (Green Arrow) o el caso ya comentado de Batman. En una situación parecida encontramos en Superman: Hijo Rojo a la galería recurrente de personajes secundarios de las aventuras de Superman, con un Jimmy Olsen agente del gobierno de los Estados Unidos, una Louis Lane casada con Lex Luthor, una Lana Lang fervorosa defensora de los derechos de los obreros o villanos como Brainiac, Bizarro, curiosamente el Superman estadounidense de la historia, y el mencionado Lex Luthor, además de ciertos guiños a la mitología del personaje como, por ejemplo, La Ciudad Embotellada de Kandor, convertida para la ocasión en La Ciudad Embotellada de Stalingrado.

En cuanto a su estructura, Superman: Hijo Rojo se divide en tres partes, la primera de ellas titulada El Amanecer del Hijo Rojo, centrada en presentarnos la forja de este Superman y su relación con el mundo de los años cincuenta; la segunda, El Apogeo del Hijo Rojo, en la que se nos relata la llegada de este al poder ya en los años setenta y su insistente persecución de la utopía y, finalmente, El Ocaso del Hijo Rojo, ya en pleno siglo XXI, donde asistimos al desenlace de la historia con un final, al parecer propuesto por Grant Morrison, que resulta en toda una paradoja futurista muy propia del género de ciencia ficción y de las fábulas políticas y que también funciona como homenaje implícito a la génesis del conocido Hombre de Acero. En el apartado gráfico, el dibujo de Dave Johnson y Killiam Plunkett cumple con lo esperado, un trazo simple pero lo suficientemente agradable y detallado como para no entorpecer la historia desarrollada por Mark Millar que intenta retrotraernos en cadauna de las partes del cómic al momento histórico que representan. Cabe destacar, en este aspecto, las portadas originales y alternativas del cómic que recuerdan, intencionadamente, a las campañas propagandísticas de la Segunda Guerra Mundial y la posterior etapa de Guerra Fría y también la lograda labor de adaptación simbólica de los reconocibles personajes que pueblan las páginas de Superman: Hijo Rojo. Completando el conjunto, las tintas de Andrew Robinson y Walden Wong y el color de Paul Mounts acaban por configurar un estilo estéticamente sobrio y mesurado que resulta en “un cómic kafkiano y propio de Max Fleischer”, como lo describe el escritor y productor cinematográfico Tom DeSanto en la introducción a la edición de Planeta DeAgostini de la presente obra y que lleva por título Mamá, tarta de manzana, Chevrolet y Superman. En nuestro país, Superman: Hijo Rojo fue publicada previamente por Norma Editorial pero la citada edición de Planeta DeAgostini es la más reciente que podemos encontrar en las librerías, un tomo que incluye todas las portadas originales y sus variantes así como una galería de bocetos comentados por el mismo Dave Johnson donde confiesa, entre otras cosas, que sus amigos también encuentran ridícula la capucha rusa que Batman luce en el cómic. En definitiva, Superman: Hijo Rojo es una obra muy recomendable para aquellos que gustan de este tipo de experimentos y realidad alternativas o para los que buscan algo más que una historia de acción superheroica al uso pues, en ese sentido, la propuesta de Mark Millar y Dave Johson tampoco defrauda pero, lejos de quedarse ahí, nos ofrece un transfondo muy interesante y lleno de matices, muy dado a diversas y futuras relecturas. Superman: Hijo Rojo, en definitiva, es una oportunidad para vislumbrar la leyenda de Superman desde una óptica distinta que deja al descubierto la enorme capacidad simbólica y mitológica de unos de los personajes más icónicos del nuestra época.

Ver también:
Lobezno: El Viejo Logan de Mark Millar y Steve McNiven
Wanted de Mark Millar y J.C. Jones
Kick-Ass de Mark Millar y John Romita Jr.

Reflexiones y Citas "Extraordinarias"

2011-07-11T08:00:00.032+02:00

"Considerando la en su momento fiera campaña "libraos de Lobezno" que pululó por las páginas de los X-men, es impresionante lo lejos que ha llegado el personaje. Pasó de ser un personaje marginal a ser el centro de la serie"

Peter David en el artículo Estrellas Invitadas de 1991 de su columna But I Digress en la revista Comic Buyer´s Guide

-Freefall de Mark Stanley-

2011-07-08T08:00:00.032+02:00

-Publicado Previamente en Zona Negativa-

“¡Si hay un problema y la duda te apabulla, corre en círculos, grita, chilla y aúlla!” El fenómeno que hoy conocemos como webcómic empezó a pegar con fuerza a finales de los años noventa y tuvo en Scott McCloud, guionista, ensayista y teórico del mundo del cómic a partes iguales, a uno de sus mayores defensores y abanderados, una moda que él mismo analizó en su destacada La Revolución de los Cómics, la polémica secuela de su obra magna Entender el Cómic. El propio Scott McCloud ha colaborado y puesto en práctica las posibilidades reales del webcómic con experimentos como The Right Number, un webcómic sobre “matemáticas, sexo, obsesiones y números de teléfono” con un ingenioso diseño, o Zot! Online: Hearts & Minds, un capítulo especial de su historieta más conocida, y también ha puesto en marcha de eventos como el 24 Hour Comics Day en el que han participado reconocidos autores de la talla de Dave Sim, Stephen R. Bissette, Rick Veitch o Neil Gaiman. Esta publicidad, sin duda, ha facilitado y propiciado en las dos últimas décadas la aparición en internet de propuestas de todo tipo relacionadas con el webcómic de las que podemos citar, remitiéndonos ahora y exclusivamente a obras publicadas en habla inglesa, el Sluggy Freelance de Pete Abrams, el Penny Arcade de Jerry Holkins y Mike Krahulik, Megatokyo de Fred Gallagher, Ctrl+Alt+Del de Tim Buckley o Freefall de Mark Stanley. Este último se empezó a publicar en el año 1998 lo que lo convierte en uno de los webcómics más veteranos del medio y aún hoy sigue en activo después de cientos de tiras a sus espaldas, una obra de humor y ciencia ficción escrita y dibujada por el mencionado Mark Stanley cuyo trabajo le valió ganar en 2001 el premio Web Cartonist’s Choice Awards en la categoría Mejor Webcómic de Ciencia Ficción. El éxito de Freefall ha auspiciado que, como el caso de otros webcómics que han ido adquiriendo cierta fama en las redes sociales, haya sido traducido a varios idiomas, entre ellos al castellano, por los siempre altruistas aficionados e internautas. Publicada originalmente en blanco y negro, Freefall sería coloreada posteriormente por George Peterson, pero el resultado no cambia la impresión sobre un webcómic ya ciertamente histórico.

Freefall es una historia enclavada en un futuro (muy) lejano en un planeta llamado Jean que se encuentra en los estadios finales del proceso conocido como “terraformación”, sistema mediante el cual la humanidad ha pasado a colonizar y adaptar otros mundos del espacio exterior a sus necesidades sirviéndose, especialmente, de sus logros en el campo de la robótica. En este punto y lugar comienza la epopeya de la desastrosa tripulación de la nave espacial Savage Chicken capitaneada por Sam Starfall, un perezoso y amoral alienígena humanoide cuya raza evolucionó de un cefalópodo primigenio, y al que acompañan Helix, un robot bobalicón dedicado a tareas de carga y descarga que ha ido mimetizando los deshonestos comportamientos de su compañero, y Florence Ambrose, ingeniera de a bordo y loba antropomorfa de la “raza Bowman”, resultado de las pruebas genéticas llevadas a cabo por la poderosa empresa Ecosystems Unlimited. Estos tres personajes son los que sustentan la trama de Freefall, organizada en tiras cómicas de apenas tres o cuatro viñetas, a la que Mark Stanley va añadiendo, poco a poco, toda una amplia galería de personajes secundarios. Entre estos tienen especial protagonismo e importancia los robots, como el obrero Sawtooth Rivergrinder o el presuntuoso sastre robótico Triac, que presentan gustos e inhibiciones propiamente humanas y gozan de una destacada autonomía sujeta a ciertas normas y leyes que muchas veces parecen ignorar deliberadamente.

Freefall se podría considerar una parodia ligera del género de ciencia ficción, sin llegar a los bucles surrealistas de La Guía del Autoestopista Galáctico de Douglas Adams ni a la locura kitsch del Mark Attacks! de Tim Burton, más bien todo lo contrario, este webcómic presenta un tono cercano a la tira cómica clásica que han encarnado tradicionalmente historietas como el Peanuts de Charles M. Schulz o el Calvin y Hobbes de Bill Watterson. En base a esto, el universo fantástico que plantea Freefall, está supeditado a los personajes y a los diálogos, con cierto toque a la comedia de situación, no tanto a la acción pues incluso se puede considerar que el trasfondo propio del género de ciencia ficción de este webcómic es más bien una excusa puramente circunstancial. Freefall sigue una cierta continuidad que se va desarrollando lentamente a lo largo del tiempo y que va cobrando importancia escalonadamente a medida que las tramas se vuelven algo más ambiciosas y se expande la mitología y universo concebidos por Mark Stanley, en lo cual tiene mucha influencia la literatura de Isaac Asimov y su temática robótica, sin perder en el camino su particular enfoque humorístico en ningún momento. El apartado gráfico de Freefall puede ser lo más flojo de este webcómic, teniendo en cuenta que hablamos de una obra de ciencia ficción y lo que eso supone, pero encaja en el planteamiento y el tono utilizado por Mark Stanley, dentro de una historia de personajes con un claro enfoque humorístico. Una obra, en definitiva, que se encuentra cómoda en las distancias cortas y sabe jugar con las herramientas que tiene más a mano: imaginación e ingenio.

-Daredevil: El Diablo en el Infierno de Ann Nocenti John Romita Jr.-

2011-07-07T08:30:00.000+02:00

-Publicado Previamente en Zona Negativa-

"Solías creer que un solo hombre, por muy insignificante que fuera, podía combatir el mal. Que era capaz de desafiarlo, y plantarle cara. Creías que por el mero hecho de desafiar a la maldad, eras más importante, más grande y más noble. Pero estás dejando de creer en ello, Daredevil"

Desde que en 1986 Frank Miller, apoyado en los lápices de David Mazzuchelli, se sirviese de su saga Born Again para colocar la última “piedra fundacional” que habría de configurar y marcar decisivamente, para bien y para mal, a un personaje como Daredevil y a las historias que de él se contarían en décadas venideras, los autores y artistas que después del siempre polémico guionista estadounidense llegarían a la colección habrían de lidiar con la sombra de este que les perseguiría entre viñetas como una mala pesadilla de la que es imposible escapar. Tener la capacidad de superar fácilmente el legado que Frank Miller había dejado era inviable, asumirlo e intentar aportar algo nuevo era algo arriesgado, por lo que sólo unos pocos autores elegidos han sabido comprender que únicamente a través de una visión tan personal e inspirada como la propuesta por el artífice de El Regreso del Caballero Oscuro y Sin City serían capaces de luchar, al menos, con alguna esperanza en el horizonte. Eso ha provocado indirectamente que la serie regular de Daredevil, desde su nueva génesis, se haya convertido en una campo de experimentación del que han salido, más o menos bien libradas, etapas como la de D.G. Chichester y Lee Weeks, J. M. DeMatties y Ron Wagner, Brian Michael Bendis y Alex Maleev o la de Ed Bubaker y Michael Lark. Pero a finales de los años ochenta, después de la segunda marcha de Frank Miller, la sensación que circulaba en el ambiente era que difícilmente nadie podría superar con éxito aquel punto y aparte en la historia de Daredevil y la colección se volvería a hundir en la mediocridad como había pasado anteriormente cuando Denny O’Neil paso a encargarse de la serie regular del personaje. En este caso, la responsabilidad de enfrentarse a ese reto sería de una casi desconocida Ann Nocenti, una autora que acostumbraría a vestir sus historias de un fuerte componente de denuncia social, reconocida por sus ideas progresistas y su militante feminismo, que no tenía nada que envidiar en lo narrativo a Frank Miller ni a otros guionistas del momento, aunque el tiempo ha sido algo injusto con su trabajo y con su posición dentro del mundo del cómic del que desapareció a principio de los noventa porque, como ella misma cuenta, “simplemente dejaron de encargarme cómics”. Contra todo pronóstico, la etapa de Ann Nocenti, a la que se uniría posteriormente en el apartado gráfico el incombustible John Romita Jr., se convertiría por méritos propios en una de las mejores que ha vivido El Hombre Sin Miedo en sus casi cincuenta años de historia a pesar de que, por desgracia, pocas veces ha sido reeditada y que en nuestro país sigue en parte inédita.

Pero para hacer un poco de justicia sobre esto último recientemente, dentro de su colección Marvel Héroes, Panini Cómics ha publicado un tomo, el número veinte de la colección, dedicado al Daredevil de Ann Nocenti bajo el título de El Diablo en el Infierno y que incluye los números #265 al #273 de la serie regular del personaje. Estos números corresponden al inicio del “segundo acto” de la etapa orquestada por la guionista estadounidense cuando Matt Murdock, profundamente devastado por sus desencuentros con Maria Tifoidea y Karen Page, decide abandonar New York para vagar sin rumbo fijo por la América profunda. La primera historia de este recopilatorio, Contemplamos De Nuevo Las Estrellas, nos sitúa directamente en el corazón de la epopeya desarrollada por Ann Nocenti, en las consecuencias directas que se desprenden del crossover mutante Inferno de 1989 que ha provocado que la ciudad se encuentre sumida en el caos debido a una “infección demoníaca”. Pero, no sin cierta habilidad, Ann Nocenti aprovecha la situación para relacionar a Matt Murdock, en pleno estado de shock, con el demonio Mefisto que intenta tentar al héroe en sus horas más bajas y cuyas acciones tendrán su importancia e interés en sucesivos números, como los que resultan de la gestación del villano Blackheart. La ambientación de género negro, con la que Frank Miller había rebautizado al personaje, sigue presente en estas historias y Ann Nocenti se desenvuelve bien en ellas aunque tiene mayor tendencia en sus relatos a tocar temas de mayor calado social, supeditando la acción a estos en todo momento, como pueden ser el maltrato animal y el ecologismo radical, el miedo al holocausto nuclear o el concepto de lo femenino y de lo masculino en la sociedad contemporánea. Esto provoca que Ann Nocenti caiga alguna vez en un tono excesivamente panfletario y moralizante, sobre todo teniendo en cuenta que hablamos de un cómic de corte superheroico al uso, aunque la propia naturaleza del personaje, abogado y justiciero al mismo tiempo, se prestan con facilidad a este tipo de experimentos y el resultado no resulta, ni mucho menos, desafortunado.

Esta doble condición del personaje que hemos mencionado, la de abogado y justiciero, una de sus grandes y atractivas paradojas de Daredevil, sirven de base para abordar otros perfiles del mismo, como su devoción católica que otros autores han obviado en sus etapas, como es el caso de Ed Brubaker y Michael Lark, y que siempre ha propiciado momentos cumbre en la vida de Matt Murdock. Una autora como Ann Nocenti, como también Brian Michael Bendis haría tiempo después en la era Marvel Knights, es capaz de percatarse del trasfondo y profundidad que desprende un personaje como Daredevil, posiblemente uno de los más agradecidos en ese sentido de todos los presentes en el catálogo de la factoría Marvel Comics, tanto que ni siquiera sus creadores, Stan Lee y Bill Everett, fueron capaces de vislumbrar todo el potencial que este atesoraba cuando lo concibieron a principios de los lejanos años sesenta. Por otro lado, la aportación de John Romita Jr. al conjunto es impecable, con un dibujo muy alejado del tipo de trazo al que hoy en día le ha conducido su evolución artística y que, en comparación con el que aquí podemos disfrutar, resulta mucho más artificioso, acartonado y carente de matices, dando por cierta esa máxima que dice que cualquier pasado siempre fue mejor. El nivel de detallismo de sus lápices y la expresividad que en estos números alcanza John Romita Jr., beneficiados por el excelente entintando del recientemente fallecido Al Williamson, se antojan uno de los momentos cumbre de su carrera y contrastan con el personal estilo que desde entonces ha ido desarrollando. John Romita Jr. consigue ofrecer a la etapa de Ann Nocenti la estabilidad gráfica necesaria de la que había carecido esta en sus primeros números en la que hubo un constante baile de dibujantes, con ilustres nombres como Sal Buscema, Todd McFarlane o Keith Giffen que, no obstante, siempre estaban de paso.

Los números recopilados por Panini Cómics en este tomo saben a poco, presentan muchos huecos y ausencias notables (como la creación de un personaje tan relevante como Maria Tifoidea) respecto al resto de la larga trayectoria de Ann Nocenti en la serie; sirve para hacerse una idea del tono de las historias concebidas por esta guionista y son una muestra del brillante pasado de John Romita Jr. que, a veces, nos empeñamos en olvidar, pero no pueden ofrecer una visión global y de conjunto de esta destacable etapa. Esperemos que este sea el preámbulo que anuncie una próxima reedición de la obra completa de Ann Nocenti en Daredevil por parte de Marvel Comics, y posteriormente por Panini Cómics, que se siguen haciendo de rogar en este tema pese a ser una de las etapas más demandadas por los aficionados de El Hombre Sin Miedo. De momento, no hay otro remedio, nos tendremos que conformar con este aperitivo que nos ofrece la colección Marvel Héroes de Panini Cómics que recopila todas las portadas originales de los números incluidos en el tomo y que se inicia con una introducción del omnipresente Julián M. Clemente titulada La Senda del Diablo en la que analiza brevemente el trabajo de Ann Nocenti en Daredevil. La gran virtud de esta autora, infravalorada en gran medida por la industria estadounidense y parte del fandom, es haber sabido plantear una etapa original y atípica en la historia del personaje, sin desdecir a su antecesor Frank Miller sino, más bien, sustentándose en el trabajo de este y arriesgando para concebir unas historias llenas de intenciones, ideas y matices. Por otro lado, es cierto que estos mismos planteamientos, donde cada vez tenían más presencia los elementos cósmicos del vasto Universo Marvel y que tan ajenos parecen a priori de Daredevil, apenas aún desarrollados en el presente tomo, se le acabaron escapando de las manos a Ann Nocenti pero eso no quita un ápice de mérito ni interés al largo y productivo viaje que durante seis años nos dejo un legado de imprescindibles relatos que no han hecho más que enriquecer la leyenda del diablo rojo de Hell´s Kitchen.

Ver también:

Daredevil de Ann Nocenti en Historia de Un Hombre Sin Miedo

Daredevil -Guionistas sin Miedo (I)
Daredevil -Guionistas sin Miedo (II)

Daredevil: Tierra de Sombras de Andy Diggle, Roberto de la Torre y Billy Tan

-Atomic Robo y Otras Rarezas de Brian Clevinger y Scott Wegener-

2011-07-01T08:00:00.028+02:00

-Publicado Previamente en Zona Negativa-

“No ayuda a tu credibilidad como dinosaurio con superingenio que viaja en el tiempo, si destacamos el hecho de que estás basado en una especie totalmente ficticia de la película Jurassic Park”

Atomic Robo y Otras Rarezas es la cuarta entrega de las aventuras del simpático y entrañable personaje creado por Brian Clevinger y Scott Wegener en el año 2007, publicado por la editorial Red 5 Comics en Estados Unidos y por Norma Editorial en nuestro país. Este nuevo recopilatorio supone un respiro para sus responsables, según ellos mismos, respecto al anterior número, Atomic Robo y La Sombra de Más Allá del Tiempo, pasando de la enrevesada e hilarante saga temporal que en esta disfrutamos al presente compendio de historias cortas que podremos encontrar en este nuevo tomo. Como de manera simpática apunta el guionista marvelita de la actual etapa de The Amazing Spider-man, Dan Slott, en la introducción a esta cuarta entrega de la colección que firma con entusiasmo desde “9 manzanas al sur y 5 avenidas al este de las oficinas centrales de Tesladyne”, este cómic cuenta las aventuras de “un robot que lleva pantalones y utiliza rifles de rayos” y sólo eso ya justifica sobradamente su lectura para cualquier amante del género de aventuras y ciencia ficción. No obstante, pese a la buena salud que sigue desprendiendo el personaje, Atomic Robo y Otras Rarezas puede parecer un paso atrás respecto al rumbo in crescendo que había tomado la serie desde Atomic Robo y Los Perros de la Guerra, siendo además este recopilatorio el que menor número de páginas contiene respecto a las anteriores entregas, pero Brian Clevinger y Scott Wegener no se han desviado del camino que ellos mismos se han marcado y su creación sigue presentando sus señas de identidad habituales determinadas, principalmente, por su extraordinariamente fresco sentido del humor, su concepto de aventura científica pulp y su ligero y espectacular tratamiento de la acción. Por lo demás, a estas alturas, poco podemos decir que no hayamos dicho ya con anterioridad de Atomic Robo y del atractivo trabajo que hasta ahora han venido realizando Brian Clevinger, Scott Wegener y Ronda Pattinson en la serie, tanto bueno como malo, por lo que si llegados a este punto no hemos conseguido convenceros de lo recomendable de este producto y que hayáis decidido acercaros a ella por propia voluntad, Atomic Robo y Otras Rarezas puede que no sea el mejor momento para cambiar de opinión pero, como suele decir la expresión popular, más vale tarde que nunca.

Entrando en materia Atomic Robo y Otras Rarezas se compone de cuatro historias independientes que intentan profundizar en el universo del único robot con “inteligencia automática” del mundo, planteando nuevas situaciones y personajes y dejando abiertas cuestiones y tramas que parece tendrán su importancia, o eso esperamos, en el desarrollo futuro de la continuidad de la serie. El primer relato que encontramos en este tomo tiene por título El Primer Día de Bernard, uno de los miembros habituales del equipo de Atomic Robo, y en él asistimos a un nuevo y divertido enfrentamiento de nuestro metálico héroe, el invencible Jenkins y sus “científicos de acción” con los espectros de la Dimensión Vampírica en lo que supone un día de trabajo normal y corriente en las oficinas centrales de Tesladyne. Posteriormente, en Big In Japan, posiblemente la historia más floja de las cuatro recopiladas en este tomo, Atomic Robo visita al Dr. Yumeno en Japón con el objetivo de realizarle una consulta científica sobre uno de sus descubrimientos más recientes pero estando allí tendrá que lidiar con la amenaza autóctona, el villano Dr. Shinka y su facción Biomega, junto a un grupo de “cientihéroes”, como bien los llamaría Alan Moore, conocido como Science Team Super Five y que parecen haber visto demasiados capítulos de series del género tokusatsu japonés en la línea de los Power Rangers o la más clásica Ultraman. Por otro lado, en Por Qué Dr. Dinosaur Odia a Atomic Robo, a la postre el Atomic Robo Free Comic Book Day 2009, tenemos una de las mejores historias de la serie hasta la fecha, con la presentación en sociedad de uno de los más carismáticos villanos a los que se ha enfrentado hasta ahora Atomic Robo, un relato con unos diálogos especialmente inspirados y un sentido de la acción frenético y adictivo. Más relajado es el último número titulado Alma Incandescente, un relato que parece un cierto homenaje a Los Cazafantasmas de Ivan Reitman, con la participación de otro de los enemigos más fatales a los que ha hecho frente nuestro protagonista, destinado a tener muchos más minutos de gloria en un futuro, presumiblemente en el próximo tomo de la serie Atomic Robo y El Letal Arte de la Ciencia, y cuya identidad no cogerá por sorpresa a los seguidores habituales de la serie.

En cuanto a las inevitables y tradicionales historias cortas a modo de complemento extra que encontramos en todos los recopilatorios de la serie, guionizadas habitualmente y casi sin excepción por Brian Clevinger, en este caso también parten de premisas que podrían desarrollarse con más amplitud en sucesivas entregas de la colección. Teniendo esto en cuenta, dos de las historias de este apartado, una de ellas sin título dibujada por Dave Flora y otra bajo el nombre de Misión de Rescate contando con los lápices de Matthew Warlick, nos hablan de la espinosa relación de Atomic Robo con el gobierno de Estados Unidos que durante años, desde 1947 más concretamente, ha intentado desarrollar en secreto tecnología robada a Nikola Tesla, con claros fines armamentísticos, dentro del llamado Proyecto Majestic . Un programa gubernamental y secreto auspiciado por por el presidente Harry S. Truman y su Secretario de Defensa James Forestall que hacen sus correspondientes cameos en esta aventura. Después de esta “duología” , con un final bastante abierto, encontramos el relato La Fuga en el que colabora el dibujante Joseph Dellagatta y que cuenta, casi a modo de anécdota, la detención por parte de Atomic Robo de un par de maleantes que huyen en coche de la autoridad civil y que verán con terror como nuestro héroe hace caer sobre ellos todo el peso de la justicia. Finalmente, en otra historia sin título aparente, encontramos el breve y gastronómico regreso del Dr. Dinosaur al que Eric Allred pasa a dibujar para la ocasión.

La edición de Norma Editorial de la presente Atomic Robo y Otras Rarezas no presenta diferencias notables con las anteriores entregas completando el tomo una serie de bocetos de la serie que, en este caso, no cuentan con los comentarios pertinentes de sus autores, y el ya también habitual apartado Unas Palabras de los Creadores donde Brian Clevinger y Scott Wegener nos hacen partícipes de algunas de sus impresiones respecto al rumbo que sigue su trabajo. En la contraportada de este número, por otro lado, encontramos anunciada ya la publicación del próximo título de la colección, el ya mencionado Atomic Robo y El Letal Arte de la Ciencia, que esperamos acabe de suponer ese salto de fe hacía delante necesario y vital para la serie. No se debe malinterpretar este último comentario, la creación de Brian Clevinger y Scott Wegener ya se ha hecho un lugar entre los cómics del género con justicia pues la calidad general de sus historias es evidente pero, en ocasiones, parece que sus autores vayan un poco a ralentí y desperdicien demasiados esfuerzos en relatos de complemento que, a menudo, sólo funcionan como curiosidad, en vez de dar un impulso definitivo a la continuidad de la serie y explotar más certeramente la interesante galería de personajes secundarios a la que han conseguido insuflar vida. Esto puede ser un elemento determinante para mantener la atención de los seguidores de Atomic Robo pues es normal esperar que un proyecto de este tipo vaya progresando adecuadamente y no a empujones, como a veces da la sensación, por mucho que internamente sus historias regulares funcionen a la perfección y muestren pocas fisuras. Por otro lado, la extraordinaria fluidez narrativa de la serie siempre deja ganas de más y este puede ser un elemento que condicione esta perspectiva, pues al fin y al cabo Atomic Robo es un cómic que, por otro lado, sigue siendo tan entretenido, fresco y divertido como el primer día y al que pocos defectos más podemos encontrarle. No obstante, no debemos dar más importancia a esto último pues toda indica que este es el camino que seguirá Atomic Robo y El Letal Arte de la Ciencia, con una historia ambientada en 1930 en la que un joven Atomic Robo y su creador, Nikola Tesla, tendrán que hacer frente a su más mortífera némesis: el prolífico y malvado inventor Thomas Alva Edison. ¡Como para perdérselo!

Ver también:
Atomic Robo y Los Científicos de Acción de Tesladyne
Atomic Robo y Los Perros de la Guerra
Atomic Robo y La Sombra de Más Allá del Tiempo

Entre Viñetas -El Misterio de Tunguska y Nikola Tesla (I)-
Entre Viñetas -El Misterio de Tunguska y Nikola Tesla (II)-

-En Dosis Diarias de Alberto Montt-

2011-06-30T08:00:00.025+02:00

-Publicado Previamente en Zona Negativa-

"¿Sabía usted que 7 de cada 10 personas creen que 5 de cada 8 se sienten 3 de cada 9?"
Los llamados webcómics son actualmente en internet un pequeño microcosmos en continua ebullición, una comunidad heterogénea formada, mayormente, por autores amateur con muchas ganas e ideas, aunque no excluvisamente, pues muchos historietistas profesionales se han lanzado alguna vez a jugar con las posibilidades del medio. Algunos de estos webcómics, centrándonos en los de habla castellana, han conseguido atraer la atención de alguna editorial de renombre, como José Oliver y Bartolo Torres con El Joven Lovecraft o Alberto Montt y sus tiras cómicas En Dosis Diarias que hoy nos atañen, viendo sus trabajos publicados por Norma Editorial y Ediciones B respectivamente. En los últimos meses, por otro lado, algunos de estas obras nacidas como webcómics, junto a otras propuestas, han empezado a ser incorporados al catálogo de cómics digitales de la nueva plataforma española Koomic dando una muestra de la importancia que empieza a cobrar el cómic en las redes sociales. Pero lo más común es que muchos de estos autores sigan con su trabajo al amparo de estas mismas redes sociales o que se acaben convirtiendo en autoeditores de sus propias obras, recopilaciones, normalmente en forma de tiras cómicas, que previamente han dispuesto de forma totalmente gratuita en la blogosfera. Es así como intentan explorar un nuevo tipo de acercamiento a su público, pequeño pero leal, ofreciendo una oferta muy variada y rica, eminentemente contracultural, con propuestas de lo más variadas y diferentes. Desde las parodias en la línea del Spriterman de Sergio Ballester, muy influenciado por el Superlópez de Jan y que comenzó a publicarse en páginas como Bajo la Máscara, a historias de fantasía como El Vosque de Sergio Morán y Laurielle o tiras cómicas como las ya reseñadas Las Crónicas PSN de Andrés Palomino , deudoras de un pionero del fandom como Cels Piñol y su saga Fan Letal, u obras más inclasificables como Macanudo o Cosas que te pasan si estas vivo de Ricardo Siri, alias Liniers, o la presente En Dosis Diarias de Alberto Montt. Estos no dejan de ser algunos pocos de los nombres más conocidos de este fenómeno pero son muchísimos más los autores que permanecen en el anonimato, bajo seudónimos y nicks de todo tipo, ofreciéndonos cada día en sus páginas personales una muestra de su pasión por el medio, en particular, y por el cómic, en general, con más o menos formación a sus espaldas y con experiencias y resultados de lo más variados.

En el caso de Alberto Montt encontramos a un diseñador gráfico e ilustrador profesional de origen chileno, aunque ha vivido casi toda su vida en Ecuador, habiendo ejercido una labor destacada en revistas, periódicos y libros infantiles de todo tipo en ambos países. En internet, desde el año 2006, Alberto Montt ha venido ofreciéndonos En Dosis Diarias de manera gratuita a través de su blog personal porque, en sus propias palabras, “tenía ganas de salirme de mi papel de ilustrador y probar a dibujar las idioteces que tenía en la cabeza”. Sus tiras cómicas, con un eminente tono satírico y surrealista, recogen la influencia de autores como Gary Larson, Edward Gorey y, sobre todo, Joaquín Salvador Lavado, más conocido como Quino, el creador de Mafalda. No obstante, Alberto Montt ha reconocido en su trabajo el influjo de humoristas y creadores tan variados como Chuck Jones, Les Luthiers, Leo Maslíah, Radio Free, Matt Groening o Seinfield. Pero, lejos de que las tiras cómicas de Alberto Montt se conviertan en un batiburrillo de guiños y homenajes, su trabajo presenta un nivel gráfico muy destacable, con un estilo muy personal y marcado que las hace reconocibles al instante para todos sus aficionados. Estas suelen distribuirse en una única viñeta y sin visos de practicar una continuidad estricta en ellas, no hay arte secuencial como tal, estamos ante una obra deudora del humor gráfico de la prensa periodística capaz de en sola viñeta, o un par de ellas, echar una ácida y sarcástica mirada sobre la sociedad que la rodea en función de la propia perspicacia y observación del autor.

Pero el humor que Alberto Montt presenta En Dosis Diarias no tiene un componente político muy marcado, como suele ser habitual en estas tiras de prensa, sino más bien social y humano, aunque no se destarca tampoco la crítica política, con pequeñas concesiones a la actualidad del momento, en las que son habituales temas morales, lingüísticos, históricos y religiosos mezclados con un tratamiento ciertamente singular de la cultura popular y un acercamiento muy personal a su concepto de fantasía, con la descontextualización y el lenguaje, muchas veces en forma de juegos de palabras, como principales recursos humorísticos en los que suele ser habitual también el traspaso de la cuarta pared. En En Dosis Diarias, aunque no presenta una galería recurrente de personajes, acostumbran a tener una presencia destacada la personificación misma de Dios y el Diablo, o algunos de los ayudantes de este último, que muestran una relación amistosa y cercana entre ellos igual que distante hacía la humanidad de la que se consideran tutores protagonizando, en muchos casos, algunas de las tiras cómicas más punzantes y polémicas de Alberto Montt. El humor de este autor es ambivalente y lo mismo podemos encontrar tiras cómicas sencillas, sútiles o simplemente absurdas como otras algo más rebuscadas que exigen poner un poco más de nuestra parte como lectores, no por el componente crítico que siempre es tratado con una intencional ironía ligera, sino por su propia configuración e intención que parte de premisas menos populares y más “académicas” y especializadas. En todo caso, como bien afirma Alberto Montt, “no hay nada más cómico que la tragedia” y esta se encuentra muy presente en sus tiras cómicas, en ocasiones, como no puede ser de otra manera, con sangrientos resultados pues el humor negro también suele ser una de las bazas que se utilizan en la confección de estas tiras cómicas.

Curiosamente, lo que empezó como un reto personal por parte de su autor, el publicar un par de tiras cómicas a la semana durante un año, pronto se convirtió en un proyecto exitoso y consolidado en el que Alberto Montt continúa publicando diariamente para regocijo de los aficionados que acuden cada día a por su nueva dosis para paliar momentáneamente su adicción. Su creciente éxito en internet y las redes sociales provocó que en el año 2008 se publicase un primer libro recopilatorio de su trabajo en Chile gracias a Ediciones B, que posteriormente llegaría a nuestro país, con una selección hecha a dedo por el propio Alberto Montt en base a sus tiras cómicas preferidas. Una segunda entrega en este formato vería la luz posteriormente y seguramente, teniendo en cuenta el ya extenso fondo de armario de En Dosis Diarias que podemos encontrar en su blog oficial, le seguirán otras en un futuro no muy lejano. Por lo demás, la obra de Alberto Montt resulta muy recomendable para los amantes del humor en mayúsculas, un trabajo de calidad en su apartado gráfico y un tipo de humor eminentemente inteligente pero accesible para todos los públicos que va camino de convertirse en un verdadero clásico de nuestro tiempo. Como diría el propio Alberto Montt, “mire sin compromiso y si le gusta, vuelva”, porque una nueva dosis le estará esperando mañana para, por lo menos, intentar arrancarle una sonrisa.

-Las Crónicas PSN de Andrés Palomino-

2011-06-24T08:00:00.033+02:00

-Publicado Previamente en Zona Negativa-

"¡Abelmaaan es un hombre feliiiz,

que vuela como una perdiiiiz!

¡Oh, no! ¡Es la temible canción de Abelman!"

Cada día más el cómic digital se va incorporando a nuestras vidas. Al principio era algo anecdótico pero, poco a poco, se ha ido quedando como algo nuestro. Son ya habituales las versiones digitales de obras editadas en el pasado en papel pero también van ganando fuerza otras que tienen como cuna las llamadas webs 2.0. Este es el caso de los webcómics. De algunos de los guionistas y dibujantes de este fenómeno se nutre actualmente la cantera de otras publicaciones más oficiales, como el caso de Morán (Sergio Sánchez), que pasó de ¡Eh, tío!, su webcómic personal, y El Vosque, un proyecto en colaboración con Laurielle, a dar el salto a la revista El Jueves donde tiene su sección ¡Anunciado en televisión!. Muchos también han visto su obra publicada en papel, bien por llamar la atención de alguna pequeña editorial o por haber pasado directamente a autoeditarla. Los cómics de Fadri como Dragon Mail o 1 Millón de Monos, El Joven Lovecraft de José Oliver y Bartolo Torres, En Dosis Diarias de Alberto Montt, Filminos o Zombess de Abel Alves, La Librería de Rafagast y Toru, el Macanudo de Liniers, el siempre polémico Runtime-Error de Juanjo Escofet, el ya famoso Xavier Águeda alias El Listo, Mike Bonales y su Conejo Frustrado… Son cientos los webcómics que podríamos citar y cada día encontramos alguno más pero estos y otros muchos, si tenemos buena acogida, se trataran a su tiempo porque hoy le toca el turno a Las Crónicas PSN.

¿Quién Es El Responsable?

El guionista y dibujante de Las Crónicas PSN es Andrés Palomino, quizás a muchos os suene su famoso monólogo del Frikisexual. De su vida, siguiendo la ficha que él mismo ha confeccionado en su página, no podemos decir prácticamente nada sin dar pie en un futuro a un pleito por injurias y calumnias. Pero sí podemos decir que además de encargarse de Las Crónicas PSN, Andrés Palomino se dedica a guionizar distintos proyectos para la televisión autonómica catalana.

Puede que su dibujo no sea el más depurado del mundo, pero es guionista, eso sí, y aunque simple y mejorable uno le toma cariño y no se puede imaginar a los personajes dibujados de otra manera. Tanto es así que encontrarse al auténtico Andrés Palomino y comprobar que no es un monigote en blanco y negro es un trauma, aunque hay que concederle que al menos en persona es más simpático que muchos otros autores. Además, respecto al dibujo de Las Crónicas PSN, hay que admitir que desde las primeras tiras se nota una clara y favorable evolución.

¿De Qué Van Las Crónicas PSN?

En un principio la idea de Las Crónicas PSN es relatar las aventuras, más o menos realistas, de un grupo de jóvenes rondando la treintena que se dedican a leer cómics, a los videojuegos y los juegos a rol, cosa que seguro que por aquí no ha hecho nunca nadie. Aunque el público al que iría más dirigido este webcómic sería ese mismo, como mujer que ve la treintena como algo aún lejano lo disfruto de igual manera. Vivencias y personajes reales, cameos de famosos como George Lucas o Quentin Tarantino y toda la tropa habitual -Abelman, Tonino, Blake, Pablo y otros muchos- retratados al estilo de Andrés Palomino. A veces debo reconocer que el nivel, llamémoslo de frikismo, es tan alto que debo investigar por internet para pillar el chiste de turno, y eso llega un momento en el que hay de valorarlo. Sientes que lo tuyo no es para tanto, aunque también es un duro golpe en tu orgullo propio.

Cada día podemos leer una nueva tira en la web de Andrés Palomino, pero si algunos como yo sentís la pereza de leer tal cantidad de tiras de golpe online, para eso están los recopilatorios, altamente recomendables y con extras en los que colaboran otras figuras importantes del webcómic español como Álex Muñoz, Miquel Casals o El Listo y con introducciones de personalidades de la talla de Martín Piñol y prólogos de las versiones “reales” de los mismos personajes de Las Crónicas PSN. Si es que existen, porque de algunos, como Tiago, aún dudamos muchos de su existencia. Vamos, que los recopilatorios, aparte de servir para que Andrés Palomino se lleve unos euros, sirven para contentar a los más vagos. La gracia de Las Crónicas PSN quizás no sea algo automático, es un tipo de tira cómica al que se le va tomando cariño y al final todos los días acabas acordándote que mirar la web en busca de una nueva tira, incluso lo echas de menos los fines de semana.

Se pueden poner pegas, como el hecho de que Andrés Palomino sea el autoproclamado rey del copy paste y la repetición de chistes y situaciones, aunque su autor consigue que sea más divertida la décima vez que, por ejemplo, Tonino lanza un iPhone que la primera, lo cual tiene su mérito. ¿Cuántas personas pueden presumir de copiarse a sí mismas resultando cada vez más graciosas? Podría hablar de su tipo de humor que a veces se convierte en algo absurdo y otras en algo extremadamente depurado y ligado a la comedia de situación, pero mejor será que si queréis conocerlo vayáis a echarle un ojo… ¡It´s Free!

Ver también:

Web de Las Crónicas PSN de Andrés Palomino

-Ultimo de Stan Lee y Hiroyuki Takei-

2011-06-23T08:00:00.206+02:00

-Publicado Previamente en Zona Negativa-

"Una marioneta es un espejo que refleja a los humanos.

Su fueza es una espada que atraviesa la voluntad.

Su corazón alberga los espíritus del Bien y del Mal"

Cuando algunos ya pensábamos que lo único con lo que podía sorprendernos Stan Lee a estas alturas era con su enésimo cameo en alguna película producida por Marvel Studios o en algún capítulo de Los Simpsons, el veterano guionista y antiguo editor de La Casa de la Ideas, co-creador junto a artistas de la talla de Steve Ditko o Jack Kirby de emblemáticos personajes como Spider-man, Los Cuatro Fantásticos, Ironman, Hulk, Thor y tantísimos otros, decide, ni más ni menos, que pasarse al manga. Habiendo cumplido ya los ochenta y ocho años, siendo uno de los más destacados autores de la historia del cómic superheroico estadounidense y desprendiendo aún esa juvenil e incombustible vitalidad suya tan característica Stan Lee ha decidido unir fuerzas en su nueva aventura junto a una de las promesas más recientes del mundo del manga, Hiroyuki Takei, cuyo mayor éxito hasta la fecha ha sido Shaman King y que trabajó en su momento como ayudante para Nobuhiro Watsuki en Rurouni Kenshin donde coincidió también con el popular Eiichiro Oda, mangaka responsable de la exitosa One Piece. El resultado de esta atípica colaboración entre Stan Lee y Hiroyuki Takei, publicada por la editorial Shueisha en su revista Jump Square en Japón y en la Shonen Jump en Estados Unidos, lleva por título Ultimo (Karakuri Dôji Ultimo en el original), un shonen manga cuya historia tiene su inicio en Kioto, en el Japón feudal del siglo XII, cuando un bandido de noble corazón lidera a sus secuaces contra el poder de los nobles y dedica su vida a asaltar a ricos comerciantes en los caminos cercanos a su pueblo para así poder ayudar a paliar el hambre y la miseria de los suyos. En una de sus pesquisas su destino se cruza con el del extravagante y misterioso Dunstan, un curioso personaje que transporta a dos inquietantes marionetas que según él representan el Bien y Mal más extremos, Ultimo y Vice respectivamente, unos “infantes autómatas” o karakuridôji que su creador ha fabricado para descubrir cuál de ellos es más poderoso. Nueve siglos después, un joven estudiante de bachillerato de nombre Yamato y su compañero Rene Kodaira, encuentran una de las marionetas en un anticuario y pronto, la batalla entre el Bien y el Mal retoma la lucha que había quedado aplazada en el pasado.

La intención de Stan Lee y Hiroyuki Takei con Ultimo era crear un hibrido entre el cómic superheroico estadounidense y el shonen manga más clásico que pudiese llamar la atención de los aficionados a ambos géneros por igual aunque, en la práctica, la historia guarda más relación con las particularidades y filias propias del cómic japonés que con el comic-book de toda la vida. En la concepción del argumento de Ultimo se aprecia la mano de Hiroyuki Takei y recuerda en muchos aspectos a su anterior obra, Shaman King, tanto en algunos recovecos de la trama y de las ideas planteadas en ella como en su concepción gráfica donde algunos de sus personajes nos retrotraen inevitablemente a otros ya conocidos por sus aficionados. La sombra de Stan Lee, por otro lado, se aprecia sobre todo en el planteamiento del relato, liviano pero no carente de matices, aunque su presencia no sólo se limita a los guiones de la obra sino que además tiene reservado un cameo muy especial y destacado habiendo sido la base para la gestación del enigmático científico loco Dunstan -cuyo nombre ya supone un guiño al autor estadounidense-, un personaje que podría servir como metáfora de la efervescencia y genialidad creativa del afamado guionista y de su faceta de showman cultivada a lo largo de los años. La primera toma de contacto con Ultimo no resulta desagradable pero, como suele ocurrir en estos casos, sus primeros capítulos resultan demasiado introductorios como para poder realizar mayores apreciaciones, con una trama que se desarrolla en dos tiempos diferentes y un tratamiento de la acción que adolece de ser algo precipitado e intrascendente aunque con la espectacularidad propia de cualquier shonen manga del montón. Por otro lado, el humor presente en la obra es típicamente de corte oriental, con los habituales gags ligeramente subidos de tono y de situaciones llenas de inocentes malentendidos que, en el mejor de los casos, conseguirán hacernos esbozar una sonrisa.

En nuestro país la publicación de esta obra corre a cargo de Panini Comics, editorial cuya parcela dedicada al manga en la actualidad resulta algo abandonada de títulos de verdadero renombre, en una edición cuidada y asequible con pocos defectos realmente reseñables más allá de algún error tipográfico y de la ausencia de las páginas a color originales. En este primer volumen de Ultimo encontramos una introducción a cargo de Raúl Izquierdo bajo el título de Y Al Séptimo Día, Stan Lee Se Pasó Al Manga, un “texto útil” que sirve para ponernos en antecedentes sobre el nuevo proyecto de Stan Lee y de la lectura que tenemos entre manos. En las páginas finales, por otro lado, encontraremos una guía de personajes con una pequeña biografía de estos y las habituales y superfluas curiosidades que parecen llamar especialmente la atención de los lectores japoneses como son la fecha de nacimiento, el signo zodiacal o el grupo sanguíneo de sus protagonistas preferidos. Ultimo empezó a serializarse en 2008 y a día de hoy cuenta con seis tomos recopilatorios y podemos decir, por el momento, que el experimento, producido en parte por el propio Stan Lee a través de Pow! Entertainment, resulta una lectura agradable y fácilmente digerible que parece prometer emociones fuertes en sucesivas entregas o, al menos, parece plantear una evolución interesante en la trama. No obstante, esto sólo lo podremos confirmar o desmentir en el desarrollo de su próximos recopilatorios pues este primer acercamiento no deja muchas evidencias al respecto más allá de poder constatar el voluntarioso ánimo del veterano Stan Lee y el notable dibujo de Hiroyuki Takei. Estamos, eso sí, ante un producto que no busca convertirse en un referente en ningún momento, un entretenimiento puro y duro, una obra que tiene como mayor virtud la curiosidad que suscita su ya mítico guionista a la hora de abordar una obra de este tipo y de la que consigue salir bien librado en su primer asalto. Stan Lee , con su acostumbrado buen humor, afirma haber disfrutado con la experiencia, a la que califica como un “reto tan educativo como divertido” , y haberlo pasarlo bomba paseando por Beverly Hills con su yukata de araña.

-Daredevil: Tierra de Sombras de Andy Diggle, Roberto de la Torre y Billy Tan-

2011-06-17T08:00:00.015+02:00

-Publicado Previamente en Zona Negativa-

“Mientras sale el sol en la Cocina de Infierno, trayendo un nuevo día para sus habitantes… quizá todos deberíamos aprender a vivir sin miedo”

En los años ochenta Frank Miller se encargaría de otorgar a un personaje hasta entonces menor como era Daredevil , creado por Stan Lee y Bill Everett en 1964, un carisma y una personalidad como no había tenido anteriormente en toda su historia, demostrando el potencial latente que este tenía y conformando con él una etapa para el recuerdo que tendría su epílogo en el capítulo titulado Ruleta y su conclusión, en 1986, en la novela gráfica Born Again que representaba un final en toda regla a las andanzas de El Hombre sin Miedo. Frank Miller había establecido una pauta y un dogma pero después de abandonar la cabecera el personaje tuvo que recorrer un largo período de adaptación e inestabilidad en años posteriores, con muchos autores que intentaron seguir el camino marcado pero que acabaron perdidos en él; todo ello culminaría con la inclusión de su serie regular dentro de la colección Marvel Knights, el nuevo sello de la editorial marvelita que inauguraría el cineasta Kevin Smith y el dibujante y editor Joe Quesada con su maxiserie El Hijo del Diablo. Posteriormente, una vez demostradas las posibilidades que seguía atesorando el personaje, llegarían Brian Michael Bendis y Alex Maleev para legarnos una emocionante etapa que supo ofrecernos un nuevo paso adelante en la vida de Matt Murdock, trazando un punto y seguido con la visión de Frank Miller, y convirtiéndose en uno de los mejores trabajos del creador de Powers hasta la fecha para Marvel Comics. Con la despedida de Brian Michael Bendis y Alex Maleev de la serie, lejos de bajar el listón en La Casa de las Ideas decidieron que Ed Brubaker, escoltado a los lápices por Michael Lark, fuese el nuevo guionista de las aventuras de El Hombre sin Miedo. El autor estadounidense construyó su propia etapa desandando los pasos que había dado el anterior grupo creativo, aligerando la presión y ofreciendo unas historias formalmente correctas que, aunque no acababan de cuajar con la esencia del personaje, eran de una calidad incuestionable, suponiendo un pequeño respiro para afrontar lo que aún estaba por llegar. Podemos decir que, tanto la estancia de Brian Michael Bendis como la de Ed Brubaker en Daredevil, cadauno a su particular manera y estilo, ayudaron a encumbrar a la cabecera como una de las series regulares más interesantes en la última década de todas las publicadas por Marvel Comics. A ello ha contribuido, sin lugar a dudas, la histórica marginalidad y la categoría secundaria del personaje dentro del vasto Universo Marvel, lo cual ha facilitado también la llegada de guionistas y artistas de calidad a ella que amparados en una libertad creativa mucho mayor que la que se puede encontrar en otras series de la editorial ha conseguido hilvanar una larga época de bonanza para las historias de El Diablo Guardian.

Al respecto, el mismo Ed Brubaker declararía durante su estancia en la serie que Daredevil era “uno de los títulos mainstream más experimentales que existen”. Pero todo llega a su final y después de una década en la que Matt Murdock, tragedia tras tragedia se había ido hundiendo en un pozo del que era imposible que saliese por su propio pie, Andy Diggle, guionista de Los Perdedores, fue el elegido para poner punto y final a un periplo que ya se había extendido por demasiado tiempo y que había llevado al personaje más allá de sus propios límites. El nuevo renacimiento vendrá de la mano de Mark Waid, Paolo Rivera y Marcos Martín, habiendo ya afirmado el primero que la cabecera seguirá manteniendo ese toque de género negro que la ha caracterizado en los últimos años pero que, poco a poco, pretenden “aportar a la serie un tono más superheroico”. Pero antes de que lleguen estos nuevos aires hemos de valorar la etapa de Andy Diggle, un acercamiento al personaje más breve de lo que esperábamos en un primer momento, donde el guionista estadounidense ha tenido que lidiar con el dilema que le había dejado Ed Brubaker al abandonar la serie aceptando Matt Murdock convertirse en el líder del clan de asesinos conocido como La Mano. Esto ha provocado que la etapa de Andy Diggle haya desembocado en un crossover que lleva por título Tierra de Sombras, un evento centrado en El Hombre sin Miedo, algo que nunca habia pasado en la larga historia editorial del personaje y que resulta una prueba del satus que este había alcanzado en los últimos tiempos. Tanto en la serie regular como en la propia Tierra de Sombras es Andy Diggle el encargado de los guiones, con la ayuda puntual en algunos números de Antony Johnston, aunque también se adivinan en la historia las habituales imposiciones narrativas de carácter editorial, buscando un resultado aséptico, que este tipo de propuestas generan. En la serie regular encontraremos el estupendo dibujo del español Roberto de la Torre cuyo dibujo se ve aquí beneficiado por el color de Matt Hollingsworth; mientras, de los lápices del crossover Tierra de Sombras pasa a encargarse Billy Tan al tiempo que Marco Checchetto realiza labores de asistencia en algún número suelto y en el epílogo Shadowland: After the Fall donde colabora con Roberto de la Torre.

La etapa de Andy Diggle en la colección de Daredevil había comenzado de manera esperanzadora con una saga cuidada e interesante, recopilada por Panini Cómics en un tomo anterior titulado La Mano del Diablo, pero desde Marvel Comics decidieron aprovechar la oportunidad que ofrecían las ideas del guionista para convertir las últimas andanzas de Daredevil en una plataforma publicitaria para sus héroes más urbanos. En Tierra de Sombras encontraremos el mundo de Matt Murdock vuelto del revés, con la presencia de secundarios clásicos y de nueva hornada que han compartido páginas con él en los últimos años, sea su leal e incondicional Foggy Nelson o Elektra, sus compañeros de correrías Tarántula Negra o el Maestro Izo, sus acérrimos enemigos Bullseye, Kingpin o Maria Tifoidea y sus amigos metahumanos Luke Cage y Puño de Hierro, Spider-man, el Caballero Luna o Punisher. Todos ellos espectadores de lujo del “nacimiento del mayor villano del Universo Marvel” como rezaban los posters promocionales del evento y que, finalmente, no deja de ser un juego de humo y espejos. La trama de Tierra de Sombras resulta muy previsible pues estaba claro desde un principio que difícilmente en Marvel Comics apostarían por trastocar la esencia misma del personaje, de esta manera, conociendo mínimamente la trayectoria de este y asumiendo su militancia en La Mano cualquier aficionado puede descubrir donde esta la trampa. Lo que Andy Diggle proponía en sus primeros números en Daredevil, con una narrativa pausada y fresca, se echa por tierra en este crossover de lo más trillado, con decisiones maniqueas y tópicas como el vestir de negro al héroe para que quede claro que ahora es un villano, cuyos resultados resultan simplemente correctos. Se evidencia más la intención final, resetear al personaje, que la voluntad de aprovechar los recovecos y posibilidades del relato, aunque al menos se agradece una cierta coherencia con las anteriores etapas de la serie y que no se haya optado por un simple mefistazo para liquidar el asunto.

En el apartado gráfico el dibujo de Roberto de la Torre resulta exquisito aunque menos experimental que su trabajo junto a Ed Brubaker en Puño de Hierro aunque esto más que defecto suyo es un hecho derivado del planteamiento más conservador orquestado por Andy Diggle que prefiere decantarse por el pragmatismo y dejarse de florituras. En el otro lado tenemos el dibujo de Billy Tan en Tierra de Sombras, mucho menos perfilado y rico en matices, que cumple con su cometido sin destacar especialmente en ningún momento. Por lo demás, Andy Diggle hace su parte, consiguiendo que no se escape de sus manos la historia y confeccionando un trama digerible y hasta cierto punto entretenida pero que, por diversos motivos y dejando de lado algún golpe de efecto algo gratuito, sabe a poco e incluso genera un leve grado de indiferencia por lo narrado. Tierra de Sombras se convierte en un clímax descafeinado que no esta a la altura de lo que hemos disfrutado en la serie regular en los últimos años pero no provoca secuelas excesivamente graves ni en la configuración ni en la continuidad del personaje. En la edición de Panini Cómics de Tierra de Sombras, enmarcada dentro de la colección 100 % Marvel, encontraremos una recopilación en orden cronológico de los diferentes números que componen la historia para así facilitar la lectura incluyendo las portadas originales y todas su variantes así como sendos artículos de Julián Clemente, uno a modo de introducción titulado El Alma del Diablo que supone un resumen de la trayectoria del personaje desde la etapa de Frank Miller y otro más extenso en las páginas finales del tomo, Malas Calles: El Mapa de Tierra de Sombras, donde se explica la gestación del crossover y lo que significa a corto y largo plazo para el personaje. En definitiva, Tierra de Sombras es un relato que podría haber dado más de sí pero ahora toca hacer balance y simplicar la vida del personaje para que pueda afrontar, con suerte, otra década para recordar. Sólo el tiempo dirá si el personaje se ha acabado por quemar o aún tiene algo nuevo que ofrecer, si un cambio de perspectiva puede ser favorecedor o si sólo es cuestión de tiempo que la sombra de Frank Miller vuelva a planear sobre El Hombre sin Miedo para volverlo a hundir en sus miserias. El futuro en estos siempre resulta incierto y más cuando el pasado ha sido tan brillante.

Ver también:

Daredevil -Guionistas sin Miedo (I)
Daredevil -Guionistas sin Miedo (II)

-Death Note de Tsugumi Ōba y Takeshi Obata-

2011-06-10T08:00:00.001+02:00

-Publicado Previamente en Zona Negativa-

“Este mundo está podrido, ¡Y aquellos que lo ensucian deben morir! ¡Alguien tenía que hacerlo! Incluso a costa de su propia mente y alma. ¡Este mundo necesita ser limpiado!”
Death Note es uno de los mangas que más fama y repercusión ha obtenido en los últimos años, manteniendo en vilo a miles de aficionados con su rebuscada y retorcida trama, generando toneladas de merchandising, entre ellas varias novelas oficiales, y habiendo sido adaptada con notable éxito al anime por el estudio Madhouse y a una saga de películas, live action que se dice hoy en día, que han reventado la taquilla japonesa y han provocado el interés de Hollywood por realizar un remake del fenómeno en cuestión. En Death Note econtramos un manga que entremezcla de manera atractiva ciertos aspectos de la mitología japonesa con una “prudencial” aproximación social y humana de reminiscencias dostoievskianas sobre el concepto del bien y el mal y que sus autores, Tsugumi Ōba y Takeshi Obata, plantean de una forma ligera, dentro de una enrevesada y compleja trama de suspense e intriga. Death Note comenzó a publicarse en el año 2003 por parte de la editorial japonesa Shūeisha , en la famosa revista semanal Shōnen Jump, empresa que en la última década ha presentado en sus páginas auténticos superventas a nivel mundial como Bleach de Tite Kubo, Naruto de Masashi Kishimoto o One Piece de Eiichirō Oda. La obra de Tsugumi Ōba y Takeshi Obata alcanzó un total de doce tomos recopilatorios más uno adicional conocido como How to Read en el que se incluían todo tipo de datos sobre la serie como pueden ser anécdotas, curiosidades, entrevistas a sus creadores, fichas de personajes y el capítulo piloto original de la propuesta de Death Note en el que se puede apreciar la evolución en el planteamiento de la obra hasta llegar a su definición final. Death Note es un manga que tiene un enfoque más ligado al género seinen aunque su desarrollo y su tratamiento de personajes pueda parecer más inclinado al shōnen pero, no obstante, es la ambivalencia entre ambos géneros de la que resulta uno de sus mayores atractivos de esta obra que ha sabido aportar algo diferente al género, una temática más adulta dentro de una propuesta que no deja de tener como principal objetivo el simple y llano entretenimiento.

Light Yagami, un sobresaliente estudiante a punto de iniciar la universidad, se encuentra un buen día un extraño cuaderno tirado en la calle con una inscripción en la que se puede leer las palabras Death Note y con unas instrucciones en su interior donde se detalla que todo aquel que escriba el nombre completo de una persona en sus páginas mientras visualiza el rostro de ésta morirá de un ataque al corazón. Light Yagami, en un principio escéptico, pone a prueba el cuaderno y comprueba con sorpresa su veracidad, poco después se aparece ante él un shinigami, un dios de los muertos amante de las manzanas llamado Ryuk que afirma que aquel cuaderno le pertenece y que lo abandonó expresamente para que alguien lo pudiese encontrar y así distraerse de su rutinaria inmortalidad viendo lo que podía ocurrir al ceder a un humano dicho poder. Light Yagami decide entonces utilizar el cuaderno para crear un nuevo orden mundial eliminando con él a todos los delincuentes y asesinos del planeta y convirtiéndose de esta manera en un implacable justiciero anónimo y omnipotente que será conocido por el nombre de Kira. Las fuerzas policiales y los gobiernos de todo el mundo pronto se ponen en alerta y el caso consigue llamar la atención de un famoso y misterioso detective privado conocido simplemente como L. Una terrible batalla de ingenio y habilidad se desatará entre L y Kira, un macabro juego psicológico entre dos rivales realmente muy parecidos que persiguen metas muy distintas y a las que no están dispuestos a renunciar. En base a este argumento Tsugumi Ōba desarrolla una compleja trama, con múltiples personajes secundarios en liza, en función de la cual la intriga se maneja como el principal elemento de la historia llegando a expandirse hasta cotas surrealistas y la cual tiene a bien poner en imágenes Takeshi Obata cuyo estilo de dibujo se aleja en gran medida de las filias y fobias de otros autores del género shōnen. Un dibujo perfilado y detallado, con una narrativa muy apropiada para un manga que más que en la acción, anecdótica en el transcurso del relato, se basa en los diálogos, en la fuerza que desprenden sus carismáticos personajes y en el desarrollo de su argumento. Estos personajes resultan arquetipos, especialmente hablando de sus dos protagonistas principales, L y Kira, que son las dos caras de una misma moneda, dotados ambos de un carácter y una atractivo casi plástico sobreactuado y llevado al exceso que disimula su escasa profundidad real.

De esta manera, el tándem creativo formado Tsugumi Ōba y Takeshi Obata, que triunfan actualmente con la también excelente Bakuman, demuestran una gran química y entendimiento entre ellos que queda plasmado en la intensidad que son capaces de transmitir en la historia. Death Note es un manga que basa su estructura en sus continúas vueltas de tuercas y en el uso de un recurrente deus ex machina que, por tramposo, resulta de lo más ameno y entretenido ya que sus autores lo plantean desde un buen principio como parte del juego. No obstante, en ocasiones se echa de menos que Tsugumi Ōba se implique más en la trama y tome partido hacia un lado u otro para no dejar todo a la interpretación del posible lector. Es precisamente esto lo que convierte a Death Note en un producto más ligero de lo que sus pretensiones insinúan y que podrían haberla transformado en una obra referencial de no haber pecado de falta de ambición. Lejos de eso, la historia resulta en extremo alargada y estirada, dejando entrever además dos partes claramente bien diferenciadas. La primera, la mejor de las dos, se centra en el conflicto surgido entre los dos personajes principales convirtiéndose este enfrentamiento en la raíz de la historia que va, poco a poco, in crescendo, aumentando su ritmo e intensidad, creando una atmósfera propicia para ello, hasta su inevitable clímax. Después de este, que podría ser interpretado como un final en sí mismo en cuanto que ofrece una contundente respuesta a una de las grandes cuestiones del manga, posiblemente la principal, en la que encontramos vencedores y vencidos, asistimos a la segunda parte de la historia que cae en una vulgar repetición, no sólo de esquemas sino también de personajes que resultan clónicos de otros anteriores y que no suponen una evolución patente de un relato demasiado acomodado en su estructura y definición.

La historia, pese a seguir estando bien narrada por Tsugumi Ōba, pierde parte de su interés y razón de ser debido a ese inútil bypass entre ambas partes, el cual sólo sirve para intercambiar una pieza por otra manteniendo el mismo engranaje prácticamente inalterable, sumando a ello la ausencia de uno de los personajes más interesantes del relato que servía de perfecto contrapunto a su homónimo y rival. La evolución del relato brilla por su ausencia y sus autores pierden la oportunidad de retratar mejor los cambios que se podrían producir en una sociedad marcada por un devenir de este tipo, aunque este sea de corte fantástico, y que hubiesen sido interesantes de abordar para dotar de mayor profundidad a la obra y liberarla algo de la fuerza y monopolio que ejercen el carisma de sus personajes sobre la historia. Death Note ha sido publicada por Ediciones Glénat en nuestro país en doce tomos recopilatorios siguiendo al pie de la letra la edición japonesa, a eso se añade el mencionado especial How to Read que, después de la insistente y reiterativa demanda de los aficionados, fue editado en un tomo en tapa dura prescindiendo del formato de los anteriores números. En definitiva, Death Note es una obra que, pese a sus defectos, los cuales sabe solapar de manera inteligente, resulta una lectura muy recomendable que asegura un entretenimiento realmente absorbente y ameno. Es también Death Note una manera de acercarse al grupo creativo formado Tsugumi Ōba y Takeshi Obata, uno de los más frescos del actual paronama del cómic japonés, como demuestra su más reciente Bakuman , una obra muy alejada de la temática de Death Note, centrada en el mundo mismo del manga y que ha sorprendido a propios y extraños gratamente. Un par de autores que nos pueden dar más de una alegría en un futuro próximo, que han conseguido con Death Note hacerse un hueco en la siempre implacable industria japonesa con una obra con un estilo propio y una temática que permite diferenciarla claramente de otras propuestas más clásicas del manga japonés. Un punto de partida con mucho potencial, una trama envolvente y unos personajes a la zaga hacen que la manida lucha entre el bien y el mal nunca haya sido tan real en un manga de corte fantástico como en Death Note y eso, por lo menos, es un motivo más que suficiente como para echarle una ojeada.

-Echo de Terry Moore-

2011-06-09T08:00:00.022+02:00

-Publicado Previamente en Zona Negativa- “Me he dado cuenta de que incluso la gente que dice que todo está predestinado, y que no podemos hacer nada para cambiarlo, mira antes de cruzar la calle”

Echo es un cómic independiente de ciencia ficción de leves resonancias superheroicas dibujado, guionizado y publicado por Terry Moore, un autor versátil, siempre pendiente de ampliar sus horizontes, como demuestran sus variados trabajos para Marvel Comics, en series tan dispares como Punisher, Spider-man Loves Mary Jane o Runaways y que combina con empresas y proyectos más personales. Este es el caso de la presente Echo que nos llega a través de su propia compañía, Abstract Studios, en la que ya pudimos disfrutar en su momento de su alabada y aplaudida Strangers in Paradise, que ha permitido al autor mantener la total libertad creativa sobre sus historias. Echo nos habla de Julie Martin, una fotógrafa arruinada y a punto de divorciarse, con una hermana ingresada en el psiquiátrico, que intenta superar la peor etapa de su vida. Desconociendo lo mucho que aún va a complicarse su situación Julie Martin, durante una de sus excursiones profesionales, se ve expuesta a un extraño material metálico que queda adherido a su piel después de haber caído desde el cielo a causa de una terrible explosión. La sustancia establece una relación simbiótica con el cuerpo de Julie Martin formando un peto plateado que reacciona de manera instantánea ante cualquier amenaza que pueda dañar al huésped lanzado potentes y controladas descargas nucleares. La aleación que recubre su cuerpo se extiende, poco a poco, por su piel y no parece haber manera humana de librarse de ella. De esta manera el destino de Julie Martin queda ligado al de la física Annie Trotter, la anterior poseedora y creadora del traje que se encontraba desarrollando una nueva arma biológica a través del Proyecto PHI, situación que provocará que se acabe poniendo en contacto con el novio de esta, el ranger Dillon Murphy, que busca respuestas a la desaparición de su pareja. Los dos juntos tendrán que emprender una larga y desesperada huida de las fuerzas de seguridad, encabezadas por la experta y sagaz investigadora Ivy Raven, y del acoso de un misterioso vagabundo que también ha sido afectado por la lluvia simbiótica y nuclear y ahora persigue a Julie Martin para hacerse con el resto del traje sembrando a su paso el caos y el terror.

La road movie concebida por Terry Moore continúa con paso firme en este segundo volumen de Echo, publicado por Norma Editorial en nuestro país coincidiendo con el pasado 29º Salón Internacional del Cómic de Barcelona, donde el autor sigue construyendo un relato de corte realista, pese a su temática fantástica y de ciencia ficción, que tiene una de sus virtudes más destacadas en el tiempo que la historia se toma para desarrollar sus personajes. Unos personajes bien perfilados y caracterizados, especialmente los protagonistas, cuyas preocupaciones y sentimientos resultan comprensibles para el lector y que contrastan con la génesis de algunos de los villanos de la aventura que remiten directamente a los cómics clásicos de superhéroes. Tendríamos que destacar también la habilidad que Terry Moore como narrador en virtud de su dibujo plano y sencillo, aunque no exento de detalle y matices, que configuran un cómic fresco y divertido, con una dosificación de la intriga ajustada y perfecta que no desentona con el interesante trasfondo crítico con el que la obra intenta incitar a la reflexión sobre el poder real de la ciencia. Esto explica el pánico nuclear que sobrevuela toda la trama y que Terry Moore es capaz de presentar de una forma atractiva dándole un componente social y humano al relato que refleja una sensibilidad que ya habíamos podido apreciar en Strangers in Paradise y que el autor ya ha demostrado saber manejar de forma impecable. Terry Moore es consciente en Echo de que esta trama debe sustentar sus cimientos y estructura en función de sus personajes y no al revés, motivo por el cual se aleja de efectismos gratuitos y tópicos recurrentes, sin por ello renunciar a la acción que plasma de manera fluida y convincente, para recrearse en una visión más intima y personal de la epopeya que pretende contar. Las vueltas de tuerca de la historia resultan naturales, nada forzadas, favoreciendo la evolución de la historia que se va desvelando y encontrándose a sí misma a medida que los personajes crecen, mutan y nos muestran diferentes matices y capas de sus respectivas personalidades consiguiendo un cierto efecto matrioska que nos permite mantener el interés en ellos.

El dibujo de Terry Moore, que recuerda al estilo manga de personalidades como Katsuhiro Ōtomo o el más reciente Naoki Urasaka, pero cuya influencia más directa es la obra de autores de corte independiente como Dave Sim o Jeff Smith, sabe llevar a su terreno el uso del blanco y negro aunque, curiosamente, pierde muchos enteros en las portadas de la colección cuyo trazo parece más simple y descuido que el de las páginas interiores. El tono slice of life, prácticamente un género hoy en día, presenta en Echo un toque más ligero que el que podíamos encontrar en la anterior obra de Terry Moore, Strangers in Paradise, debido principalmente por la temática que aquí aborda, pero aún así se muestra más interesante que el que podemos encontrar en otros cómics como, sin ir más lejos, el Scott Pilgrim del canadiense Bryan Lee O’Malley ya que su profundidad y sus personajes están pensados para transmitir emociones e ideas y no son meros escaparates generacionales. En este segundo volumen de la historia, como ya ocurría en el precedente, encontramos diversas citas al inicio de cada capítulo relacionadas, como no podía ser de otra manera, con la ciencia y protagonizadas por históricos personajes como los científicos Stephen Hawking o Albert Einstein, el pensador político Thomas Paine, el saxofonista Dexter Gordon o los famosos escritores estadounidenses Ernest Hemingway y William Faulkner. La edición de Norma Editorial, por otro lado, resulta muy práctica para la lectura en un formato tomo algo más reducido de lo habitual que incluye las portadas originales de la colección y cuyo precio, pese a que en un primer momento se había anunciado un destacado incremento en él, se mantiene igual al de la primera entrega publicada. Nuestra única preocupación pues, es la de limitarnos a disfrutar de esta obra que concluirá en un tercer y último recopilatorio, donde podremos comprobar si el final de la historia de Terry Moore esta a la altura de lo que hasta ahora nos ha mostrado. Por lo pronto, el viaje vale la pena, y más allá de ello, Echo es un prototipo de cómic para todos los públicos que debería servir de ejemplo para otros autores a la hora de abordar un género como el de la ciencia ficción, fantasía y aventuras pues de todo eso y más encontramos en la historia y en todo ello, como lectores, consigue Terry Moore implicarnos.

-Bogavante Johnson: El Prometeo de Hierro de Mike Mignola, Guy Davis y Jason Armstrong-

2011-06-03T08:00:00.000+02:00

-Publicado Previamente en Zona Negativa-

"Es la hora de enfrentarse a la rigurosa

justicia de la pinza del Bogavante"

Bogavante Johnson, misterioso héroe y justiciero azote de gánsteres, bandas organizadas y otros maleantes de la Nueva York de los años veinte y treinta del pasado siglo, ocasional compañero del rudo y demoníaco investigador paranormal Hellboy y colaborador de la AIDP (Agencia de Investigación y Defensa Paranormal), presenta ahora sus aventuras en solitario con su primera miniserie titulada El Prometeo de Hierro en la que colaboran Mike Mignola, Guy Davis y Jason Armstrong. Bogavante Johnson es en apariencia un personaje de fantasía para el gran público que ha protagonizado novelas, películas y cómics de escasa calidad, un mito y una leyenda urbana para entretener a los más ociosos, pero la realidad siempre acaba superando a la ficción y su existencia, para algunos, es un hecho fuera de toda duda. Un luchador incansable contra el crimen, sin ningún poder atribuido que se le conozca, que se sirve de sus habilidades para la lucha y de la ayuda de sus seguidores para enfrentarse a todo tipo de amenazas que pueblan los bajos fondos de las calles de Nueva York y entre las que no faltan “nazis, científicos locos y monstruos de otras dimensiones”. En El Prometeo de Hierro la acción se sitúa en el año 1937, dentro del marco de la Segunda Guerra Mundial, cuando siguiendo una de sus últimas pesquisas, Bogavante Johnson se pone en contacto con Jim Sacks, un jugador de béisbol fracasado poseedor de un traje de energía vril diseñado por el profesor Kyriacos Gallaragas que ha despertado el perverso interés de los nazis y de Memnan Saa, un extraño personaje que busca cumplir una ancestral profecía que habla de la destrucción de las grandes naciones del mundo a manos del resurgido imperio hiperbóreo. Ahora Bogavante Johnson y sus compañeros tendrán que ir al rescate del profesor Gallaragas y su hija Helena que han sido secuestrados y evitar que una tecnología tan devastadora como la desarrollada por el profesor pueda caer en malas manos. El Prometeo de Hierro se presenta como una historia de corte pulp enriquecida con la mitología propia y ajena que Mike Mignola maneja en sus obras habitualmente, una receta en la que no faltan grandes dosis de acción y una pizca de humor, una propuesta que si bien ya no sorprende sigue entreteniendo como el primer día.

En El Prometeo de Hierro, como ya ha ocurrido anteriormente con otras miniseries relacionadas con el universo Hellboy, Mike Mignola ejerce como guionista controlando al mismo tiempo con mano férrea, nunca mejor dicho, el apartado gráfico relacionado con el diseño de personajes, escenarios y situaciones; esto en colaboración con Guy Davis con quién ya ha realizado esa misma labor en AIPD, mientras el acabado final corre a cargo de los lápices del canadiense Jason Armstrong. Todo ello hace que la estética de Bogavante Johnson, en la que también aporta su granito de arena el colorista Dave Stewart, siga las directrices de los anteriores trabajos de Mike Mignola a la hora de definir ese homogéneo universo propio que no ha hecho más que crecer en las últimas décadas. Dicho esto, el mayor interés de El Prometeo de Hierro es el personaje que la protagoniza, un Bogavante Johnson que pese a su popularidad entre los aficionados a la obra del autor estadounidense, apenas se ha prodigado en los relatos concebidos por este habiendo sido sus apariciones más significativas en la historia titulada El Gusano Vencedor y en la novela Lobster Johnson: The Satan Factory. También se comenta que el mismo Mike Mignola prohibió la aparición del personaje en Hellboy II: El Ejército Dorado, la segunda entrega de la saga cinematográfica a cargo de Guillermo del Toro, aunque no parece haber una confirmación oficial sobre este hecho. Dentro del relato de El Prometeo de Hierro, compuesto por cinco únicos números, se incluyen algunos textos ficticios, a modo de falsos artículos periodísticos, sobre la “verdadera” historia de Bogavante Johnson y su indirecta relación con películas de bajo presupuesto o novelas baratas de género negro. Un recurso metaficcional, poco original hoy en día, que aporta, no obstante, un interés añadido a la lectura cuyos interludios sirven como bypass a la ágil y acelerada narrativa que encontramos en El Prometeo de Hierro y que sigue siendo, en ocasiones, un pequeño defecto de la marca asociada a Mike Mignola ya que sus historias resultan a menudo algo livianas y fugaces, es decir, demasiado fácilmente digeribles como para soportar diversas relecturas.

La edición de Norma Editorial de El Prometeo de Hierro, sencilla y compacta, incluye una serie de extras en forma de bocetos y apuntes de los autores, un “sketchbook”, con comentarios acerca de la evolución del diseño de algunos de los personajes más destacados de la historia y de varios de los escenarios en los que se desarrolla la acción de la aventura. Un material gráfico anotado por sus responsables que sirve para hacernos una idea aproximada del sistema de trabajo que Mike Mignola ha perfeccionado en sus cómics a la hora de trabajar con sus diferentes compañeros y colaboradores. En este caso, Jason Armstrong es la gran novedad, un artista que ha trabajado en títulos como Legión de Superhéroes y Robin para DC Comics, Hércules, Sensacional Spider-man y 2099: El Mundo del Mañana para Marvel Comics y en Ferro City para Image Comics; el nuevo fichaje de Mike Mignola a instancias del editor del experimento, Scott Allie, que consideraba que su estilo encajaría a la perfección con la historia que tenían en mente. La jugada se demuestra ganadora y Jason Armstrong, con el apoyo de Mike Mignola y Guy Davis, sale bien librado de ella con un dibujo muy expresivo y fluido que otorga cierta entidad propia a este spin-off publicado por la editorial Dark Horse. Por lo demás, en El Prometeo de Hierro encontramos las filias recurrentes del creador de Hellboy, relatos llenos de acción con un apartado gráfico de tintes lovecraftianos e influencias mitologías que Mike Mignola recolecta de distintos folclores y culturas a lo largo de la historia y que con habilidad reinventa una y otra vez sin dar muestras de agotamiento. En construir este tipo de armazones ha desarrollado una destacada habilidad Mike Mignola consiguiendo que Hellboy y sucedáneos se haya convertido en un referente de primer nivel del cómic de aventuras de las dos últimas décadas tomando el relevo de importantes obras del género de otras épocas como el Tarzán de los Monos de Harold Foster o el Tintín de Hergé y al igual que este último la franquicia de este genial artista estadounidense no puede evitar presentar una narrativa muy cinematográfica. Hasta donde se podrá estirar el éxito de Hellboy aún es difícil de decir por lo que resulta mucho más sencillo, por el momento, disfrutar de la rigurosa justicia de la pinza de Bogavante Johnson.

-Thor: En Busca de los Dioses de Dan Jurgens y John Romita Jr.-

2011-06-02T08:00:00.619+02:00

-Publicado Previamente en Zona Negativa-

"¡Nadie salvo Thor puede alzar el martillo mjolnir,

creado por la magia y el honor

del todopoderoso Odín, señor de Asgard!"

Después de la famosa Saga de Onslaught, el crossover mutante que asolaría el Universo Marvel a finales de los años noventa, se desencadenaría el proyecto Heroes Reborn a través del cual los principales personajes de la editorial, Los Cuatro Fantásticos, Los Vengadores, Ironman y el Capitán América, serían sometidos a un forzado regreso a sus orígenes situándolos en un escenario que permitiese afrontar sus aventuras desde un nuevo comienzo. De estas particulares Crisis en Tierras Infinitas de Marvel Comics sólo Spider-man, Daredevil y otros héroes urbanos y también Hulk, debido a la oposición demostrada por su entonces guionista Peter David, sobrevivieron a las intenciones de los responsables de esta iniciativa que no eran otros que Jim Lee y Rob Liefeld lo que resulta una muestra más de una década en la cual la forma se había impuesto al fondo. La nueva situación de las series regulares de Marvel Comics, como era de esperar, se tradujo en un descenso de las ventas y un descontento general por parte de sus seguidores por lo que tan sólo un año después se decidió volver a los personajes a su status quo previo borrando todo rastro de lo que había supuesto el fracasado experimento Heroes Reborn. Para esta vuelta atrás se puso en marcha toda la maquinaria marvelita y se inició la operación conocida como Heroes Return, un relanzamiento en toda regla de los personajes más conocidos de la editorial devolviéndolos al universo que nunca deberían haber abandonado. En este contexto, en 1996, llegaría la nueva serie de El Poderoso Thor, el mitológico dios nórdico que había sido reconvertido en superhéroe por gracia y obra de Stan Lee y Jack Kirby en 1962, de la que se encargarían Dan Jurgens y John Romita Jr., una etapa cuyos inicios, coincidiendo con la presencia del Dios del Trueno en la gran pantalla, recupera ahora Panini Cómics para convertirla en la piedra fundacional de su nueva “franquicia”, la Colección Extra Superhéroes destinada, según comentaba Julián Clemente en su presentación, “a ofrecer una gran cantidad de cómics de primera calidad a precios muy asequibles”. Esta nueva línea, como bien adivinarán los más veteranos, es un homenaje a la mítica serie creada en 1983 por la desaparecida Cómics Forum de la que, como indica el editor de Panini Cómics, “toda una generación de lectores guarda inmejorables recuerdos”.

Centrándonos en la obra en cuestión, Thor: En Busca de los Dioses es la primera parte de una etapa que intenta recuperar el tono más clásico de los cómics del personaje, de hecho en él se evidencian ciertos ecos de la época de Stan Lee y Jack Kirby en la serie e incluso del alabado trabajo de Walt Simonson a cargo de sus aventuras, volviendo así a los orígenes que lo habían convertido en un referente del Universo Marvel. La historia relata las nuevas peripecias del Hijo de Odín cuando este descubre que la bella Asgard ha sido arrasada y destruida por un enemigo desconocido y todos sus habitantes han desaparecido sin dejar ningún tipo de rastro. Thor, decidido a encontrar respuestas, iniciará la búsqueda de los responsables de tal desastre, cruzándose en su camino con héroes como Namor, Spider-man o su acerrimo amigo Hércules, pero pronto descubrirá que su nueva condición, habiendo quedado ligado su destino al del humano Jake Olson, exige también responsabilidades y sacrificios. El guionista Dan Jurgens, uno de los principales causantes de La Muerte de Superman, juega con una premisa sencilla de la que se sirve hábilmente para volver a reintroducirnos al universo del personaje, con una historia llena de acción y épica asgardiana en la que no faltan ciertos momentos humorísticos que ayudan a aliviar el tono grandilocuente del relato. De esta manera, Dan Jurgens, cuyo trabajo se ve realzado por el dibujo de John Romita Jr. aquí en uno de los momentos álgidos de su carrera y las tintas de Klaus Janson, conforma un cómic entretenido y ameno sin perseguir mayores pretensiones. Por otro lado, Thor: En Busca de los Dioses también viene a demostrar que la retrocontinuidad no es un truco narrativo propio y exclusivo de nuestros días, Dan Jurgens no hace ascos en sus planteamientos a manidos recursos como son los recurrentes hechizos que borran recuerdos, de terribles villanos de los que nunca habíamos sabido nada pero siempre estuvieron ahí y de vueltas de tuerca, en ocasiones, demasiado forzadas.

En este regreso a los orígenes se recuperan antiguos secundarios, como es el caso de Jane Foster, pero se les sitúa en un nuevo contexto ya que el alterego de Thor, tradicionalmente asociado con Donald Blake, es aquí sustituido por Jake Olson, un paramédico de la ciudad de New York cuya vida queda ligado a la del Dios del Trueno después de inmiscuirse en un enfrentamiento contra El Destructor en los que se ven implicados también Los Vengadores. Argumentalmente esta nueva identidad civil asociada al poderoso asgardiano sólo supone un lastre y una tara innecesaria para la historia y para el mismo personaje ya que Dan Jurgens no pasa de utilizarla como una mera anécdota, sin aportar ninguna profundidad a esta situación y convirtiéndola en un simple cliché que sólo es utilizado como punto de fuga a la tensión y la acción del relato. Las escenas de acción están muy bien planteadas y aún mejor definidas por John Romita Jr. que se encuentra aquí en el clímax de su carrera haciendo suyo un personaje que se adapta muy bien a su trazo plano y anguloso, ligeramente estático, que aquí resulta verdaderamente inspirado al contrario de lo que sucede en algunos de sus últimos trabajos para Marvel Comics como en el Kick-Ass de Mark Millar o en su actual etapa en Los Vengadores junto a Brian Michael Bendis. Destacan especialmente sus espectaculares e impactantes splash pages que son una justa muestra del talento de un autor que desde hace unas décadas se le ha identificado siempre como la quintaesencia del dibujante y artista marvelita por excelencia.

Respecto a la nueva edición de esta obra, después del éxito del coleccionable Marvel Héroes parece que Panini Cómics se apunta un nuevo tanto a su favor con esta Colección Extra Superhéroes que ofrece una adecuada relación entre calidad y precio con unos tomos ligeramente más pequeños al del tamaño de un cómic americano convencional. Un formato en el que se pretende recopilar “con cierto orden cronológico”, en palabras del propio Julián Clemente, “las grandes etapas de Marvel de los últimos doce años” como demuestran los próximos recopilatorios que incluirán destacados materiales de obras como el Capitán América de Mark Waid, Ron Garney y Andy Kubert, La Patrulla X del veterano Alan Davis, los Thunderbolts de Kurt Busiek y Mark Bagley, Los Inhumanos de Paul Jenkins y Jae Lee o la estupenda etapa del Masacre de Joe Kelly. Por otro lado, este primer tomo de la colección, Thor: En Busca de los Dioses, contiene los doce primeros números de la serie original de The Mighty Thor realizados por Dan Jurgens y John Romita Jr. y el segundo número de Peter Parker Spider-man con Howard Mackie y Dan Jurgens donde sigue parte de la historia relatada en la cabecera del Dios del Trueno. En el número nueve de The Mighty Thor, como curiosidad a destacar, John Romita Jr. cede el testigo en los lápices a John Buscema y Jerry Ordway. La edición incluye también una introducción bajo el título de El Gran Retorno firmada por Raimon Fonseca donde este nos pone en antecedentes sobre la trayectoria del Dios del Trueno durante los años noventa y un postfacio en el cual Cels Piñol presenta el punto de vista del aficionado marvelita en un explícito artículo bajo el nombre de Cómo Conocí a un Dios de Asgard. En definitiva, un formato que promete emociones fuertes, manejable y bien planteado, apropiado para editar historias como En Busca de los Dioses, una historia que, sin estar a la altura de las mejores etapas del personajes, resulta una lectura agradable y fresca en la que podemos disfrutar de una narrativa de corte clásico concebida por Dan Jurgens y forjada por los lápices de John Romita Jr. para dar vida a Thor, Hijo de Odín, un dios entre hombres.

-La Máquina de Hacer Dinero de Carlos Torres y Ona Peña-

2011-05-27T08:00:00.002+02:00

-Publicado Previamente en Zona Negativa-

"¿Es la economía un mundo surrealista en el que los incendios se apagan atizando el fuego y el único medio de acabar con las inundaciones es abriendo el grifo?"

Vivimos tiempos difíciles. Eso es un hecho. Nos lo recuerdan a diario los medios de comunicación, las televisiones y los periódicos y también internet donde la palabra crisis es trending topic habitual en las redes sociales. Parece ser que en la actual situación se ha llegado a un divorcio definitivo entre el pueblo y sus dirigentes, una casta política empeñada en realizar recortes sociales mientras intenta preservar los derechos empresariales y financieros de unos pocos y así salvaguardar un sistema económico que ha dejado entrever sobradamente sus carencias y debilidades. La principal víctima de esta situación es la democracia como así lo interpretan muchos ciudadanos que, literalmente en algunos casos, se han puesto una máscara de Guy Fawkes, inspirados por la fábula distópica ideada por Alan Moore y David Lloyd en V de Vendetta en los años ochenta y en la homónima película de James McTiegue estrenada hace unos años en los cines, para oponerse al devenir de los acontecimientos recientes. Llamados a protestar contra los designios de una oligarquía insaciable configurada por un conglomerado de lobbies de poder formado por multinacionales y grandes empresas y un sistema bancario internacional al que respaldan sistemas políticos bipartidistas cuyas iniciativas se encuentran muy alejadas de las necesidades reales de la gente de la calle. Es este un mundo implacable, como lo definía Sidney Lumet en 1976 en su película Network, una historia centrada en el poder de los medios de comunicación, hoy sistemas sesgados carentes de objetividad y definidos por sus propias ideologías e intereses a los que las nuevas tecnologías y personajes como Julian Assange y el fenómeno Wikileaks han dejado en cierta evidencia. Este panorama aciago y convulso, en mayor o menos grado, también ha afectado al mundo del cómic. Es por ello que siempre resulta de agradecer nuevas propuestas, dentro de un medio muy abierto a ellas, como la impulsada en este caso por Ediciones B en nuestro país, una obra didáctica y divulgativa titulada La Máquina de Hacer Dinero, con el explicativo subtítulo de Quiénes y Cómo Fabrican Las Crisis Económicas, a cargo de Carlos Torres y Ona Peña. Un cómic que pretende echar algo de luz sobre las causas y consecuencias de esta dura crisis económica de principios del siglo XXI incitándonos a reflexionar sobre el sistema que, una vez más, pretende resolver “un problema causado por la emisión excesiva de dinero y deuda” creando más dinero y nueva deuda.

La Máquina de Hacer Dinero, como se señala ya en su contraportada, nos invita “a hacer un viaje a través de la historia para adentrarnos en otra realidad” que nos permita comprender y encontrar las soluciones a las paradojas de una economía mundial refundada a principios del siglo XX, a raíz del llamado Crack del 1929, el mayor desastre bursátil de la historia contemporánea, y que desembocó en un largo período de depresión y recesión económica. Una situación que tiene muchas similitudes con la presente crisis, lo cual nos deja ver lo poco que han cambiado los tiempos en algunos aspectos, y que Estado Unidos pretendió solucionar imponiendo aranceles a los productos extranjeros para favorecer el consumo de productos americanos, bajando los tipo de interés y aumentando el gasto público para favorecer empleo. Unas medidas calcadas a las que muchos gobiernos han tomado en estos últimos años y que tanto entonces como ahora son insuficientes para resolver un defecto de fábrica que se encuentra en la propia esencia de nuestro entramado político, económico y social y que puede provocar la ruina de millones de familias que, como en los años treinta, acaban por ver en delincuentes como Bonnie Parker y Clyde Barrow a sus particulares héroes. La diferencia entre la crisis de 1929 y la actual, que se según la obra de Carlos Torres y Ona Peña tiene su inició durante la legislatura del presidente Bill Clinton cuando en 1993 decidió relajar los controles sobre los mercados financieros para que estos fuesen más eficientes, la encontramos en la actitud del imperio bancario. Si por los años treinta la gente no pudo pagar sus préstamos y miles de bancos se arruinaron en la actualidad estos últimos han aprendido la lección cerrando su crédito a particulares y negando cualquier tipo de financiación a las empresas y así poder seguir mostrándose solventes a la espera, como no puede ser de otra manera, de tiempos más favorables para la especulación salvaje de dividendos. Como bien se explica en el prólogo de La Máquina de Hacer Dinero debemos tener en cuenta que “las crisis siempre son el resultado de una fase de euforia financiera que es creada a conciencia porque se la considera positiva para el crecimiento económico y la distribución de riqueza” y los diferentes períodos de crisis que se derivan, frecuentes a lo largo de todo el siglo XX, son muy similares entre sí porque el mecanismo que las produce sigue siendo el mismo y las medidas que se toman para paliarlas creando “nuevas instituciones de control, nuevos productos financieros de cobertura de riesgos, instrumentos de política monetaria más eficaces, seguros de impago de créditos” sólo resultan ser un parche para frenar las pérdidas más inmediatas. “Tal vez nos falta aprender que nuestra manera de aprender de los errores nos lleva a errores aún mayores”.

El relato de La Máquina de Hacer Dinero es conducido por Carlos Torres de forma sencilla en su planteamiento estando su complejidad determinada por la temática que trata y en la que a través del dibujo esquemático de Ona Peña, con evidente intención didáctica, se nos ofrece un recorrido por la historia económica del último siglo y medio analizando la evolución de las estructuras económicas hasta nuestros días. En ellas tienen especial relevancia las decisiones y el liderazgo estadounidense que ha determinado la historia económica del siglo XX como resultado de su conversión en una potencia mundial. En la propuesta cobran un importante protagonismo diferentes voces, desde populares miembros del mundo de la farándula como Groucho Marx a influyentes economistas como J.K. Galbraitch o Joseph Stiglitz, así como dirigentes, congresistas, ministros, prestamistas, presidentes como George Bush o Bill Clinton o personajes históricos de la talla de Adolf Hitler o Napoleón Bonaparte, cuyos testimonios sirven para expresar los diferentes puntos de vista que intenta tratar la obra. La edición se acompaña de un glosario de términos económicos en sus páginas finales que, aunque siempre resultan una inicitiva que se agradece, no evita la necesidad de una introducción básica a estos conceptos que complete una narración, repleta con diversos puntos a pie de viñeta, que resulta en ocasiones algo farragosa y difícil de seguir por el complejo tema que aborda. No obstante, Carlos Torres consigue definir una obra amena y entretenida, interesante y bien documentada, que viene a poner de relieve una situación de vigente actualidad con cierta solvencia y efectividad. El autor maneja la estructura de la historia y el dibujo de Ona Peña en su favor sin caer en el adoctrinamiento ni la falta de perspectiva a la hora de abordar las cuestiones más delicadas de su discurso aunque parezca pecar de cierta “condescendencia” hacía el sistema que crítica. La Máquina de Hacer Dinero descubre un mundo que para muchos nos resulta abstracto y desconocido donde Carlos Torres y Ona Peña, con buen criterio y ciertas dosis de profesionalidad, nos enseñan las contrariedades, hipocresías y puntos flacos de la sociedad económica capitalista con la que nos identificamos. De esta manera, se nos hacen más reconocibles las costuras que enlazan nuestra realidad, de una Europa en la que los impuestos son utilizados para redistribuir la renta de los que más tienen a los que menos, en contraposición a la opción estadounidense que fomenta el préstamo a las rentas bajas para que estas puedan acceder a las hipotecas y enriquecerse, cosa que forma parte del ideal del sueño americano. Diferentes caras de una misma moneda, nunca mejor dicho, que confirman que el mundo de hoy en día no es más que un salvaje y despiadado negocio en el que las personas son sólo una mercancía más con la que poder especular.

-Kick-Ass de Mark Millar y John Romita, Jr.-

2011-05-26T08:00:00.738+02:00

-Publicado Previamente en Zona Negativa-

"¿Por qué la gente quiere ser Paris Hilton
y nadie quiere ser Spider-man?"

El conocido como Millarworld, el universo no cohesionado que enmarca las desfasadas y brutales creaciones en el cómic independiente del ya veterano guionista escocés Mark Millar, ha ido creciendo a pasos agigantados en los últimos años, sobre todo a través de sus colaboraciones en el sello Icon de Marvel Comics y de sus trabajos en otras editoriales estadounidenses como Avatar Press, Dark Horse o Image Comics en la que han visto la luz “revolucionarias” propuestas como Superior, Némesis, Wanted o la presente Kick-Ass. En el camino, sus recurrentes y polémicas reinvenciones heroicas, han conseguido asaltar con relativo éxito el siempre complaciente y efervescente mundo cinematográfico de Hollywood. Un mundo con el que Mark Millar parece congeniar lo suficiente como para, por ejemplo, obviar y tolerar, previo pago de sus dividendos, la adaptación perpetrada por el director Timur Bekmambetov sobre su obra Wanted, protagonizada por Angelina Jolie, James McAvoy y Morgan Freeman, su parecido con el trabajo original dibujado y entintado por J.G. Jones es prácticamente nulo e inexistente. Más peculiar y afortunado ha sido el caso de Kick-Ass cuya película, a cargo del efectivo Matthew Vaughn, responsable de la inminente X-Men: First Class, se desarrolló casi en paralelo con la publicación del cómic. Mientras el propio Mark Millar colaboraba activamente en la producción, después de lo que él mismo definió como “un acuerdo realmente feliz”, finiquitaba también su participación en proyectos tan dispares como Lobezno: El Viejo Logan o Marvel 1985. La película, con Aaron Johnson, Chloë Grace Moretz, Mark Strong y Nicolas Cage como principales reclamos de su reparto, es ya todo un filme de culto de principios de siglo y el cómic, que Mark Millar comenzó a publicar en 2008 junto al ya célebre dibujante John Romita Jr., se ha convertido en todo un éxito de ventas. Esto significa, en definitiva y en resumen, que Kick-Ass tiene asegurada futuras continuaciones y secuelas, tanto en el celuloide como en la industria del cómic, y asimismo resulta una ostentosa muestra de la habilidad de Mark Millar para la autopromoción y para su dominio del negocio del show business. Miedo da pensar en lo que el guionista de Superman: Hijo Rojo podría tramar junto a su homólogo Todd McFarlane aunque hay cosas que es mejor no descubrir nunca.

Kick-Ass cuenta la historia de Dave Lizewski, un chico normal de dieciséis años, “ni el payaso de la clase ni el genio de la clase” como él mismo se describe, lector habitual de cómics de superhéroes y, por alguna extraña razón, aficionado a las películas de Ryan Reynolds. Un buen día Dave Lizewski decide disfrazarse de superhéroe con un traje de neopreno comprado en eBay y salir a combatir el crimen bajo la identidad de Kick-Ass. Su primera incursión superheroica resulta un desastre y acabando en el hospital después de la paliza propinada por unos problemáticos chicos del barrio. Pero aún así Dave Lizewski insiste en sus hazañas consiguiendo, más debido a la fortuna que a sus innatas capacidades como superhéroe, labrarse cierto renombre y popularidad convirtiéndose en todo un fenómeno mediático después de salvarle la vida a un hombre. Pronto empezarán a surgir imitadores de Kick-Ass por toda la ciudad, como es el caso del enigmático Red Mist o de los letales HitGirl y Big Daddy, dos superhéroes con métodos algo más radicales… Esta propuesta era calificada por Mark Millar en unas declaraciones al portal Newsarama como “potencialmente enorme” asegurando ingenuamente que “nunca se ha hecho algo así en nuestro mundo” y especificando que su historia “trata de una persona normal en el mundo real que se pone una máscara y se mete en problemas” pero el guionista escocés parece haber olvidado, sorprendentemente, a Los Minutemen y la obra magna del género superheroico, el Watchmen de Alan Moore y Dave Gibbons, que hace ya casi un cuarto de siglo jugaba con esa misma premisa en sus páginas. Kick-Ass es la enésima vuelta de tuerca al género superheroico donde Mark Millar vomita sus recurrentes tópicos argumentales caracterizados por su abierto tratamiento de la violencia y por sus “juveniles diálogos” que viven por y para la polémica como si no hubiese un mañana. De esta manera, en Kick-Ass pasamos del emblemático eslogan “¡Spider-man nunca más!” que Stan Lee y John Romita, Sr. acuñaban en 1967 en The Amazing Spider-man, una historia imitada hasta la saciedad en donde Peter Parker decidía abandonar su cruzada contra el mal, al “¡Kick-Ass nunca más en la puta vida!” que Mark Millar pone en boca de Dave Lizewski, “sin poderes, sin responsabilidades” como rezaba len los carteles publicitarios del filme de Matthew Vaughn, en un momento dado de la trama.

Esto último sólo viene a demostrar que la obra concebida por Mark Millar es un producto heredero de nuestro tiempo, marcado por un ambiguo y estéril “deconstructivismo político” y por una cierta identificación con una pretendida “amoralidad social” de carácter capitalista y cosmopolita. En este tablero de juego se sitúa un manido arquetipo de aficionado o fanboy, o de personaje “culturalmente dispersos” como recordaría Cels Piñol, con el que parece reconocerse su autor. De ahí los continuos guiños y homenajes, algo ya inevitable en cualquier obra del género, a las historietas de superhéroes, principalmente las relacionadas con el Universo Marvel, a series de televisión, películas y otras referencias propias de la cultura pop. Dicho bagaje subcultural no resulta incompatible con las ventajas y facilidades que ofrecen las nuevas tecnologías hoy en día, lo que Mark Millar viene a llamar el loco mundo de “internetzeitgeist”- la palabra zeitgeist es una expresión alemana que significa “el espíritu (Geist) del tiempo (Zeit)”- y que se atreve a plasmar con acierto en Kick-Ass. El guionista escocés se sirve aquí de la sátira y la ironía para abordar su concepto de “american way of life” del cual no es capaz de escapar la figura del superhéroe por ser un elemento más de la sociedad establecida estadounidense cuyos valores e ideales conservadores encarnan y se identifican con estos mismos justicieros y vigilantes, con la figura de Clint Eastwood, las condescendientes leyes americanas sobre armas de fuego -compartiendo así el estado su monopolio de la violencia con el ciudadano convertido en héroe de turno o, más comúnmente, en villano- o las grandes empresas y marcas estadounidenses desde McDonalds a Microsoft pasando por Coca-Cola o Texaco.

De esta manera el superhéroe sirve en Kick-Ass como vehículo a la parodia de la comunidad consumista occidental y del difunto sueño americano donde un demócrata o progresista no es más que “un gilipollas trastornado capaz de manifestarse por el derecho a matar bebés y de convocar manifestaciones con velas por asesinos múltiples” y los malvados de turno suelen tener, sospechosamente, rasgos de origen latino, afroamericano o italoamericano. Esto podría verse más claramente en la continuación de la historia, Kick-Ass 2: Balls to the Wall, centrada con contar como los criminales deciden convertirse en supervillanos. En todo caso, Mark Millar parece dejar bastante claro que Kick-Ass es la propia visión que Estados Unidos tiene de sí misma, una sociedad cuyo orgullo de serlo, con una mentalidad patriótica fuera de toda duda, le hace padecer cierta ceguera sobre sus propias hipocresías, contradicciones y miserias. Por otro lado, Kick-Ass incide en la perversa forma en que los medios de comunicación y la sociedad contemporánea articulan la fama y el éxito entorno a figuras marcadamente decadentes y a la utilización del morbo y el espectáculo como complementos a una información sesgada, manipulada y carente de valores y principios. En este panorama la historia se sirve de un componente desequilibrante como es la estampa del héroe que acaba igualmente sometido a este destino mediático del que entra a formar partido voluntariamente.

Mark Millar, según sus propias palabras, pretendía en Kick-Ass tirar “por tierra todo lo que amamos de los superhéroes” para volverlo “a construir de un modo nuevo”. Dicha reconstrucción se hace en base a un estilo de “falso realismo postmoderno” respecto a lo cual Mark Millar no ha dejado nunca de insistir en que el mayor atractivo de Kick-Ass es el hecho de poder “imaginar el mundo real creando un personaje que pueda funcionar bajo premisas realistas” apartándose de la fantasía inherente al género superheroico pero no de sus clichés fetichistas relacionados también con este tipo de relatos como son las mallas y las identidades secretas. La acción, por otro lado, “es muy cercana y personal” y es por ello que Mark Millar cataloga la elección de John Romita Jr., con quién ya había colaborado anteriormente en la serie regular de Lobezno dentro la saga Enemigo de Estado y su secuela Agente de S.H.I.E.L.D., como el perfecto para el trabajo ya que este “es una leyenda y el mejor dibujante de acción del negocio”. Por desgracia Kick-Ass no es, ni de lejos, el mejor trabajo de John Romita Jr. , su dibujo parece especialmente descuidado y desproporcionado para lo que suele ser habitual en él. Sea como sea, Kick-Ass es una nueva mano ganadora del siempre controvertido Mark Millar cuyo efectivo estilo fast food lo ha transfigurado en uno de los autores más exitosos y solicitados de la industria estadounidense en la última década, siendo artífice de auténticos blockbusters comiqueros como Civil War o Lobezno: El Viejo Logan, de bestsellers en la línea de Marvel Knights Spider-Man, Ultimate X-men y The Ultimates y, en menor grado, de destacables obras como su etapa en The Authority o su magnífica Superman: Hijo Rojo para el sello Elsenworlds de DC Comics. En este panorama Kick-Ass es una propuesta que encaja en las dos primeras categorías, un entretenimiento ligero y una de esas historias “de las que salpican”, como la describe Celes J. López en su introducción a la, por otro lado, notable edición de Panini Comics de la presente obra. Kick-Ass sigue las directrices y parámetros ya frecuentes en los trabajos más personales de Mark Millar y no deja de ser un espectáculo que, en ocasiones, no resulta tan gratuito y vacío como aparenta, mientras que en otras carece de esa originalidad de la que presume y que sólo parece ser parte del marketing viral desplegado por su creador.

Ver también:

Lobezno: El Viejo Logan de Mark Millar y Steve McNiven
Superman: Hijo Rojo de Mark Millar y Dave Johnson
Wanted de Mark Millar y J.C. Jones

-Hitman de Garth Ennis y John McCrea-

2011-05-20T08:00:00.012+02:00

-Publicado Previamente en Zona Negativa-

"Amigo mío, en el mundo hay dos
clases de personas. Aquellos a los
que le gustan las películas de
Clint Eastwood... Y los tontos"

Garth Ennis alcanzó verdadero renombre gracias al éxito de Predicador, su obra magna para la línea Vertigo Comics que empezó a publicar en 1995 junto a su compañero y dibujante Steve Dillon con quién ya había trabajo en su etapa en Hellblazer, el que había sido su primer encargo en el cómic estadounidense después de sus inicios en la industria británica en series como Strontium Dogs o Judge Dredd. Mientras finalizaba su colaboración a cargo de las aventuras de ese maldito bastardo llamado John Constantine el popular guionista irlandés trabajaría entre 1993 y 1995 en la serie del demonio Etrigan, conocida simplemente como The Demon, sustituyendo a Alan Grant y uniendo esfuerzos con su compatriota John McCrea para ofrecernos su propia interpretación del carismático personaje de DC Comics creado en 1972 por Jack Kirby. Sería precisamente en The Demon Annual 2 donde aparecía por primera vez Tommy Monaghan, más conocido como Hitman, ex-marine de los Estados Unidos en la primera Guerra del Golfo y asesino a sueldo del barrio irlandés del Caldero de Gotham City, dotado de telepatía y visión de rayos X y especializado en conflictos metahumanos. Hitman es una de las creaciones más interesantes que ha parido la enfermiza imaginación de Garth Ennis a lo largo de toda su carrera y un claro antecedente a su popular Pedicador, muy deudora de esta, en el que ya se encuentran algunos de los recurrentes temas fetiche del siempre polémico autor como son su demostrada pasión por el género negro y los relatos de corte bélico, su “desprecio académico” a los clichés del género superheroico, su cinematográfico tratamiento de la acción y su destacada habilidad para escribir subversivos y atrevidos diálogos llenos de un supurante y cáustico humor negro tan ácido como descarado. Todas estas características definen un producto que no parece encajar en el prototipo clásico de cómic publicado por DC Comics en décadas pasadas, aún menos hoy en día, pero por entonces estábamos en los años noventa y casi todo estaba permitido, como ya había demostrado el Lobo de Roger Slife, Keith Giffen y el citado Alan Grant, personaje con el cual Hitman guarda algún que otro parecido. Así que no es de extrañar que en el año 1996 este acabara consiguiendo cabecera propia, convirtiéndose en poco tiempo, por méritos propios, en uno de los títulos más llamativos y divertidos del momento de todo el catálogo ofrecido por DC Comics.

Hitman es, sin lugar a dudas, una de las series más destacables y poco convencionales de las dos últimas décadas, dentro de la corriente mainstream de la historieta estadounidense, y uno de los mejores trabajos, y de los menos valorados, del conocido como l’enfant terrible del cómic. Su breve paso por la serie del rimador Etrigan sirvió a Garth Ennis como mesa de experimentos y como modo para tantear el ambiente a su alrededor para posteriormente detonar su explosivo talento en Hitman donde a largo de sesenta números tuvo la oportunidad de profundizar más en sus personajes y en la manera de narrar sus historias que en las empresas anteriores en las que había participado. El reparto de personajes en Hitman tiene una tendencia coral y Garth Ennis perfila perfectamente a sus protagonistas y personajes secundarios, incluyendo sus atípicos villanos entre los que destacan los Arkannone, los conocidos como Señores del Arma, y El Mawzi o el mafioso bicéfalo Dubelz, que comparten destino y viñetas junto a matones, asesinos a sueldo, gánsteres, nazis trasnochados, terroristas, ex-militares o diplomáticos y cuerpos de policía corruptos. Hitman pertenece a la tradición del antihéroe con conciencia, tan tópicos y recurrentes hoy en día, que enmarca a personajes que, de alguna manera, acaban impartiendo justicia pero cuyos métodos son, como poco, cuestionables, aunque como bien dice el mismo Garth Ennis a través de Tommy Monaghan en un momento de la acción, “no hay un reglamento que diga que tengas que ser un capullo por hacer lo que haces”. El caso es que Garth Ennis y John McCrea se divierten en un título que poco tiene que ver con el ambiente superheroico del universo en el que se mueve y al que tienen tendencia a satirizar aprovechando la presencia de algunos de los personajes más emblemáticos de la editorial como son Batman, Green Lantern (Kyle Rayner, por entonces), Catwoman o Superman, creando así momentos verdaderamente hilarantes e irreverentes en algunos casos y sentidos y respetuosos homenajes, acordes con el ambiguo tono de la serie, en otros.

En Hitman son múltiples y variadas las referencias que Garth Ennis maneja y obtiene a través, sobre todo, de su peculiar bagaje cinéfilo definido por su pasión por las películas del oeste y de corte bélico o por el cine de acción de Hong Kong. Mención aparte merece la figura de Clint Eastwood, su halo se encuentra muy presente en Hitman, o de actores tan dispares como John Wayne o Chow Yun Fat y de cineastas de la talla de John Woo o del más clásico Sam Peckinpah, director de la película de culto Grupo Salvaje, cuyo apellido da nombre a la calle donde se sitúa el Bar Noonan donde Tommy Monaghan y sus amigos suelen reunirse para tomar unas birras y echar unas partidas de póker. También es innegable que el estilo y el tono de la narrativa de Garth Ennis y su tratamiento de los diálogos recuerda poderosamente a la del director Quentin Tarantino, que ya a principios de los noventa triunfaba con Reservoir Dogs y Pulp Fiction, lo cual no parece del todo una simple casualidad. Todas estas “debilidades” del autor quedan reflejadas en Hitman, a veces de forma directa o a través de homenajes y otras simplemente se evidencian en el transcurrir de la acción y en la factura de las historias y relatos en los que se prodiga el guionista irlandés. Menos favorecida del encuentro sale la temática superheroica, a pesar de la comparecencia de algunos de los pesos pesados del Universo DC, como es el caso de Green Lantern o Batman, de los cuales Garth Ennis parece reírse entre dientes y ridiculizar en más de una ocasión, mientras que, por otro lado, personajes como Catwoman o Superman son respetuosamente ensalzados. En relación a esto, el popular Hombre de Acero creado por Jerry Siegel y Joe Shuster en 1938 lleva las de ganar, un personaje por el que Garth Ennis ha reconocido sentir un cariño especial, y cuya aparición en el capítulo titulado Of Thee I Sing, una historia en la que Hitman y Superman después de encontrarse en los tejados de Gotham City mantienen una interesante conversación, le valió a sus responsables obtener el premio Eisner de 1999 al Mejor Relato Único. Como contaría posteriormente el propio guionista, para Tommy Monaghan y para él mismo, el famoso superhéroe “es el americano definitivo, el único concepto que puede hacer que nuestro chico se ponga un poco sentimental”, por lo que la historia era prácticamente obligada.

Pero el Hitman de Garth Ennis, no obstante, limita su relación con el Universo DC todo lo posible y sus historias intentan tener un corte más realista y mundano, casi descartando, aunque no totalmente, relatos cósmicos o propiamente superheroicos. La crítica a la política internacional estadounidense, a la corrupción y a la religión también tiene su espacio en Hitman y a través de una certera y punzante ironía resultan en algunos de los mejores números de la serie. Hitman se convierte así en una pequeña ventana al mundo de Garth Ennis, tomando aquí su punto de partida un universo que ha ido explorando en sus sucesivos trabajos y que acabó por llegar a su clímax en la exitosa Predicador. Respecto a esta, no obstante, Hitman parece una obra más cohesionada y con menos altibajos aunque sin una trama argumental tan definida y lineal como la presente en las aventuras de Jesse Custer. Por otro lado, en Hitman encontramos un John McCrea en estado de gracia, capaz de dar la réplica adecuada que se merecen las historias ideadas por su compañero Garth Ennis, demostrando ser un excelente narrador y una destacada comparsa para el guionista irlandés que consigue hacer creíble lo increíble. Juntos nos regalan una serie, en la que se reúnen toda una amalgama de historias, personajes y temáticas que no dejan espacio para el convencionalismo ni el aburrimiento, con un humor negro y una violencia gráfica hiriente que contrasta con otros momentos de reflexión más íntimos y pausados que sorprenden por su tratamiento “poco canónico”. Hitman incluso resulta una serie profética respecto al devenir del cómic mainstream de corte superheroico, apenas insinuando historias y caminos, también apuntados en su etapa en The Demon, que el cómic de superhéroes tomaría en un futuro muy cercano con la llegada, por ejemplo, del The Authority de Warren Ellis y Bryan Hitch, una tendencia que el mismo Garth Ennis acabaría por parodiar en series de menor relevancia como The Boys o The Pro.

La edición de Planeta deAgostini de Hitman, en tres gruesos tomos enmarcados dentro de la línea Universo DC, recopila el grueso de la producción de Garth Ennis y John McCrea sobre el personaje, incluyendo The Demon Annual 2 que narra la génesis del personaje y su primer encuentro con el demonio Etrigan y Jason Blood, el Batman Chronicles 4 que relata sus diferencias con el cruzado enmascarado de Gotham City, los sesenta números regulares que configuran la serie regular y un especial que reúne a La Liga de la Justicia con el deslenguado y letal asesino a sueldo. La edición recupera todas las portadas originales de la colección e incluye algunos textos explicativos firmados por Celes J. López y Enrique Ríos, inexplicablemente mal ubicados en los tomos en algunos casos y pudiendo destrozar alguna sorpresa antes de tiempo, eso siempre que el lector no pierda primero el conocimiento a causa del olor a gato muerto y tinta requemada característico de esta línea de cómics de Planeta deAgostini. Dejando eso a un lado Hitman es una obra totalmente recomendable, donde encontraremos el que quizá sea el mejor trabajo de Garth Ennis en la industria estadounidense hasta la fecha, con arcos argumentales realmente logrados como Héroes Locales, As de Asesinos, Por Mañana,Los Violentos de Tommy -cuyo referente obvio es la película de 1970 Los Violentos de Kelly de Brian G. Hutton protagonizada por Clint Eastwood y Donald Sutherland-, Un Ataúd Lleno de Dólares -con Carlos Ezquerra y Steve Pugh sustituyendo a John McCrea durante unos números que pretenden resucitar el spaggetti western-, o las desternillantes Noche de Zombis en el Acuario de Gotham, Carne Fresca y Al Diablo con el Futuro, entre otras muchas. Hitman es el trabajo del que Garth Ennis ha reconocido sentirse más orgulloso en toda su carrera, más incluso que Predicador, y posiblemente sea el cómic más personal de toda la producción del irlandés, tanto que no es exagerado afirmar que no se puede comprender la trayectoria de este imprescindible y exitoso guionista sin haber leído las desventuras de Tommy Monaghan y sus compañeros.

Ver también:
Crossed de Garth Ennis y Jacen Burrows
The Boys de Garth Ennis y Darick Robertson
Demon de Garth Ennis y John McCrea

Zot! de Scott McCloud

2011-05-19T08:00:00.708+02:00

-Publicado Previamente en Zona Negativa-

"Todos éramos únicamente ideas antes de nacer.

Todo es tan perfecto al principio.

Todo es tan bello..."

Scott McCloud, guionista, dibujante y destacado teórico del mundo de la viñeta debido a visionarias y aplaudidas obras como Entender el Cómic, La Revolución de los Cómics y Hacer Cómics, comenzó a publicar en la pequeña editorial Eclipse Comics, en la distópica fecha de 1984, la experimental e introspectiva Zot!. Una interpretación del género superheroico, muy a contracorriente del devenir que habían empezado a adoptar los cómics en los años ochenta, que presenta un relato de marcado tono pulp aderezado con un estilo gráfico muy deudor del estilo manga de autores clásicos como Osamu Tezuka o Shigeru Mizuki. El Zot! de Scott McCloud resulta un curioso híbrido de influencias y referencias del mundo de la viñeta, con una temática propia del cómic mainstream estadounidense de la época y una inspiración extrapolada de obras pioneras de la historieta de ciencia ficción de los años treinta y cuarenta como el Flash Gordon de Alex Raymond o el Buck Rogers de Philip Francis Nowlan, pero con un tratamiento más bien cercano al cómic alternativo e independiente y una técnica y expresividad próxima y muy deudora de la sensibilidad oriental. La intención de Scott McCloud con Zot!, según sus propias palabras, era la de aportar su pequeño granito de arena “a una especie de nuevo movimiento independiente (el cómic americano de los años ochenta) que enfatizaba la creatividad y la visión personal” sin por ello perder de vista ni olvidar “a los superhéroes y otros géneros cercanos”. Su autor, con la ambición y la ilusión propias de la juventud, se atrevió a recorrer caminos hasta entonces poco transitados por el cómic estadounidense que le sirvieron para desarrollar y poner a prueba sus propias ideas e hipótesis sobre el lenguaje del cómic y el valor de este como medio de expresión artístico, plasmando posteriormente el resultado de sus impresiones en sus citadas obras teóricas. Mucho más de lo que, en un principio, Scott McCloud pretendía con su obra que, como declararía en una entrevista en exclusiva a Zona Negativa aprovechando su presencia en las jornadas de Viñetas Desde O Atlántico 2009 en A Coruña (podéis leerla integramente aquí), no iba más allá de intentar conseguir “que el resto de autores” supiese de su existencia y, con suerte, ganarse “algo de respeto”. Dicho objetivo se puede considerar cumplido después de que Zot! haya sido reconocida a lo largo de su trayectoria con el Premio Jack Kirby a la Mejor Serie Nueva en 1985 y habiendo conseguido cuatro nominaciones al Premio Eisner en 1988 y otras dos al Premio Harvey en 1991.

Zot es un joven superhéroe venido del futuro, de un mundo paralelo situado en nuestro 1965, donde se han cumplido y materializado en una perfecta utopía steampunk todas las predicciones más optimistas sobre lo que podría llegar a ser la vida en el planeta desprovisto aquí de guerras, hambrunas, enfermedades y otros males que asolan a la humanidad. Cuando Zot llega a nuestra realidad conoce a una chica de su edad llamada Jenny Weaver y descubre un mundo muy diferente al suyo que no es capaz de comprender pero que al mismo tiempo despiertan su ingenua curiosidad. Mientras, por su parte, Jenny Weaver quedará fascinada por el mundo de Zot, por el que se sentirá irremediablemente atraída, y planeará escapar a él como la única solución a sus problemas. En virtud de dicha premisa Scott McCloud se servirá de Zot! para tratar temas tan diversos, a menudo cargados con un cierto armazón filosófico ligero, como son el futuro de la tecnología, la intolerancia y el racismo, el sexo y las relaciones personales, la dualidad entre realidad y ficción o el mismísimo sentido de la existencia humana. Pero, pese a su búsqueda y tratamiento de temáticas más adultas, Zot! no deja de ser un cómic adolescente que sorprende, eso sí, por la curiosa atmósfera que su autor plasma en la obra, marcada por una desconcertante inocencia y candidez que impregna todas sus páginas. Scott McCloud ha reconocido que le resultó muy difícil dotar de cierta profundidad a la obra siendo su “primer intento de ser un escritor” y asumiendo que “la premisa tampoco daba para más” pues según confiesa también “estaba viviendo en un mundo tan bueno que me resultó difícil retratar el malo”. No obstante, sus esfuerzos se hacen notar en la serie, destacando en su tratamiento y análisis de las emociones y sentimientos humanos de sus personajes en colaboración con su constante exploración de nuevas técnicas narrativas. Scott McCloud intentaba exportar ese “sentimiento de implicación que invade al lector” que según el conseguían transmitir los cómics japoneses, capaces de crear la impresión de estar “dentro de la historia” como si la estuvieses “viviendo desde el interior de los personajes”.

Es por ello, quizás, que los personajes de Scott McCloud gozen de una compleja psicología, en la que se irá indagando número a número, consiguiendo hacerlos cercanos y creíbles, a pesar de los clichés y tópicos presentes en su definición que, no obstante, su autor suele eludir, en la mayoría de casos, con habilidad y acierto. Su personaje protagonista, cuyo nombre real es Zachary T. Paleozogt, no tiene superpoderes y combate el crimen gracias a su arrebatadora personalidad, sus botas antigravedad y su pistola de rayos construidas por su tío Max, convirtiéndose así en un evidente reflejo naif del Astroboy de Osamu Tezuka con un uniforme que recuerda sospechosamente al Capitán Marvel original de los años cuarenta creado por Bill Parker y Charles Clarence Beck para Fawcett Comics. Por otro lado, es habitual en Zot! la presencia de una larga tradición de mad doctors, “villanos antiglobalización”, robots y androides caracterizados por conflictos meramente humanos o simios parlantes con lo que resulta extrañamente fácil identificarse. Los extravagantes y decimonónicos villanos de la serie como Dekko, Zybox o 9-Jack-9, pese a su gran carisma, irán desapareciendo poco a poco de las páginas de Zot! a medida que el concepto superheroico pierda relevancia e importancia en las historias contadas por Scott McCloud. Los últimos capítulos de la serie, que conforman la saga conocida como Historias de la Tierra, denotan claramente una visión más intima y personal de Scott McCloud, ya más confiado en sus capacidades, que acaba por decantarse totalmente por el conflicto latente entre sus personajes, un grupo de adolescentes que buscan encontrar su sitio en la sociedad, y el “mundo real” en el que se siente retenida Jenny Weaver. En estos capítulos el elemento fantástico y de ciencia ficción, la propuesta superheroica primigenia que había sido el punto de partida de la serie, representa ahora una mera anécdota en la trama cobrando los relatos mayor lirismo e intensidad dramática y presentándose en ellos temáticas señaladas por la denuncia social y el crecimiento personal.

Scott McCloud se aleja conscientemente de lo fantástico para explotar más cómodamente “las posibilidades de la narrativa” en el cómic pues el propio artista estadounidense ha afirmado que no era “fácil mantener un equilibrio entre el aspecto fantástico y real de la obra” y “en ocasiones la balanza se inclinaba más a favor de uno de ellos”. Esta dualidad se recrea en una puesta en escena melancólica y cínica, propia del mencionado “mundo real” de Jenny Weaver, que contrasta y sirve de contrapeso a la perspectiva de Zot, su opuesto y complementario representante del “mundo de fantasía”, cuya visión resulta siempre optimista, poética y llena de esperanza. Una dinámica argumental que puede recordar a Peter Pan, la creación inmortal del novelista y dramaturgo inglés James Matthew Barrie, con la que Zot! comparte una cierta capacidad de interpretación freudiana para representar arquetipos y estereotipos en virtud a sus personajes y su contexto ficcional. En función del carácter experimental de la obra de Scott McCloud, su composición de viñeta y su dibujo austero, claro y limpio, Zot! consigue granjearse un perfil muy marcado y reconocible. También hay una cierta influencia cinematográfica en la obra que se hace más evidente cuando Scott McCloud juega con el encuadre de sus viñetas y las utiliza para ofrecernos diferentes planos de acción simultáneos que acaban cayendo en un cierto surrealismo existencial en los capítulos dedicados a Dekko, tanto en los episodios regulares de la serie como en Zot! Online: Hearts and Minds, el webcómic que el autor de Entender el Cómic publicó en el año 2000 de forma gratuita en internet.

La obra Scott McCloud fue reeditada en 2008 en Estados Unidos, bajo su propia supervisión, en un único volumen con el título de Zot!: The Complete Black and White Collection: 1987-1991 del que se excluyen los primeros diez números de la serie, publicados en su día a color, y de los que su creador reniega en la actualidad por considerarlos “muy de novato” aunque asegura, a pesar de todo, que dicho material se publicará “a su debido tiempo”. Tampoco se incluyen en esta recopilación los complementos The Adventures of Zot! in Dimension 10½ de Matt Feazel ni el arco argumental Llegando al 99, compuesto por dos únicos números dibujados por el artista invitado Chuck Austen, supliendo a Scott McCloud a los lápices mientras este se encontraba de luna de miel con su esposa. De este último si encontramos, no obstante, las miniaturas de los bocetos que Scott McCloud esbozó como referencia para su compañero sustituto. Este tipo de decisiones, amparadas por el legítimo creador de la serie, se antojan algo desafortunadas y hasta cierto punto inexplicables y hacen que no podamos hablar de una edición completa de Zot! como hubiese sido lo esperado y deseable. La editorial española Astiberri Ediciones, por su parte, sigue al pie de la letra la edición estadounidense excepto por el detalle de dividir la obra en dos volúmenes para así encarecer el producto de forma exponencial, hasta casi el doble del precio del recopilatorio original. La edición, por otro lado, tiene multitud de extras en los que Scott McCloud se convierte en auténtico protagonista y showman del evento, implicándose de forma casi omnipresente, a veces demasiado reiterativa y asfixiante, en los textos incluidos en los que el guionista y dibujante aprovecha para relatar su experiencia, incluyendo alguna jugosa anécdota, sobre la gestación y publicación de su embrionaria ópera prima. Una obra capaz de entretenernos y de hacernos reflexionar e incluso de emocionarnos a través de una propuesta sencilla en su planteamiento pero arriesgada y poco convencional en las formas, atípica sobre todo comparada con los oscuros años ochenta que la vieron nacer, que reivindica otra manera de contar historias apelando a nuestra inocencia y a nuestra propia pasión por el cómic.

Ver también:
Entender el Cómic: El Arte Invisible de Scott McCloud

Artículos relacionados:
Entrevista exclusiva a Scott McCloud de David Fernández, José Torralba y Alberto Morán para Zona Negativa
Webcómic de Scott McCloud en Zot! Online: Hearts and Minds

The Big Freak-Effect Theory - Expediente (VII)

2011-05-16T08:00:00.001+02:00

-El Caso de las Gatas Locas-

Damas, caballeros y hermafroditas, me dispongo ahora a saludaros, e iniciar una nueva temporada de The Big Freak-Effect Theory.

Quisiera iniciar esta nueva temporada con un tema que me resulta interesante, felinos y ambigüedad sexual, y no, no voy a hablar del musical de Broadway, Cats, sino de las serie de tiras cómicas de George Herriman: Krazy Kat.

George Herriman era un mestizo de afroamericano, latino e indio navajo de la América de los años 20, como no esta mezcla racial sólo podía darse en aquel entonces (incluso ahora) en la eternamente bohemia Nueva Orleans. Entre 1913 y 1944, George Herriman publicaría las tiras cómicas de Krazy Kat.

Krazy Kat fue un obra innovadora en el mundo del cómic, y de la tira cómica, fue seguida por el propio Pablo Picasso y Will Eisner entre otros, forma parte del surrealismo, el dadaismo (este sobre todo por la mezcla de lenguajes que utiliza) y el postmodernismo.

La historia gira alrededor de un triángulo amoroso contra natura ente los siguientes personajes:

Krazy Kat: Enamorada/o de Ignatz, que interpreta sus ladrillazos como gestos de amor. Krazy no tiene sexo definido y el propio George Herriman dijo lo siguiente a su favor:

Ignatz le tira "los trastos" a Krazy Kat
"No seáis duros con Krazy. No es más que una sombra, atrapada en la telaraña de esta madeja mortal. Le llamamos Krazy (loco o loca) Kat (gato o gata), pero no es ninguna de las dos cosas. En alguna ocasión llegará hasta vosotros, gentes del crepúsculo, y su contraseña será el eco de una campana que tañe a vísperas, y su vehículo un soplo de céfiro del Oeste. Perdonadle, porque no le comprenderéis mejor que nosotros, que nos demoramos a este lado de la valla. Krazy es como un espíritu, como un elfo, que no tiene sexo. De modo que no puede ser femenino ni masculino. Es un espíritu -un duende- capaz de deslizarse en el interior de todo."

George Herriman, a pregunta de Frank Capra sobre el sexo de Krazy.

Ignatz: Ratón antropomórfico y amor no correspondido de Krazy, a pesar que reniega de ella y la detesta, su mayor deleite es tirarle ladrillos en la cabeza, incluso gasta su dinero con el fin de comprarlos, como una especie de placer culpable. Al parecer esta casado y con hijos.

Ignazt podría representar la figura de hombre homosexual encerrado en un mundo heterosexual, incapaz de salir de su fachada de hombre de familia.

Joaquin Sabina te lo explica si no lo has entendido.

Oficial Pupp: Perro policía (mas allá del insulto) que hace el papel de brazo de la ley en el mundo de Krazy y de Ignatz, entiende los ladrillazos que le propinan Ignatz a Krazy como agresiones, razón por la que la mayoría de historias Ignatz acabe en prisión. El Oficial Pupp siente un especial cariño por Krazy, hasta el punto de hacer creer al lector que bien podría estar enamorada de el/ella y al no tener Krazy mas ojos que para Ignatz, su actitud hacia el podría entenderse como celos.

Otro de los elementos característicos de la historia eran los fondos de tierras baldías, semejantes a las que se pueden ver en las zonas de Arizona del Norte. Esto no era causalidad ya que se debe al las raíces navajas de George Herriman, el cual quiso retratar la belleza de aquella reserva natural en la que se veían refugiados su antepasados, estos fondos sirvieron de inspiración mas tarde a Bill Waterson en su celebre Calvin y Hobbes.

Ahora diréis vosotros, ¿con qué va a relacionarlo ahora este hombre todo esto? Bueno, hagamos un poco de resumen, tenemos multiplicidad racial, ambigüedad sexual, un hombre que maneja ladrillos (es decir, un albañil), un policía y un ambiente indio. Creo que habréis llegados vosotros mismo, ¿no? Por favor, pinchar aquí.

Dicho esto solo me queda una cosa por decir: Haced el amor, y no la guerra.

Ver también:

The Big Freak-Effect Theory -Expediente (I) Todo lo que quiso saber sobre Woody Allen y Superman y nunca se atrevió a preguntar-
The Big Freak-Effect Theory -Expediente (II) Persiguiendo a Cels-
The Big Freak-Effect Theory -Expediente (III) Filosofía de Perdidos-
The Big Freak-Effecy Theory -Expediente (IV) La Convención de Asesinos de Alan Moore y Neil Gaiman-
The Big Freak-Effecy Theory -Expediente (V) Mi Nombre es Dee, John Dee-

-Demon de Garth Ennis y John McCrea-

2011-05-13T08:00:00.006+02:00

-Publicada Previamente en Zona Negativa-

"Si yo soy un villano, echemos una mirada a los héroes de otros cómics, a otras portadas...

los supervillanos en el cielo parecen una patriótica mentira mezclada con un oscuro sueño ario barroco que no desentonaría en la conspiración de un loco... y luego están los héroes de la noche y su desdén...¿esos justicieros sirven a la causa del bien?"

Después de abandonar Marvel Comics, en 1970, y recalar en la editorial de la competencia, DC Comics, el afamado dibujante y guionista de cómics Jack Kirby aún daría muestras de su extraordinario talento e imaginación concibiendo series como Kamandi o El Cuarto Mundo, obras llenas de referentes mitológicos y superheroicos que representaban su etapa más personal en el mundo de la viñeta. En 1972, antes de regresar de nuevo a La Casa de las Ideas, donde había hecho verdadera historia junto a Stan Lee en los años sesenta, Jack Kirby crearía un personaje de nuevo cuño, Etrigan el Demonio, destinado a convertirse en uno de esos secundarios de lujo que pululan por el Universo DC, sin patria ni suficiente éxito como para sustentar una cabecera propia, como es también el caso de El Espectro o El Detective Marciano. Después de dieciséis números la primera serie del personaje cerró pero posteriormente numerosos artistas y guionistas se han fijado en él para utilizarlo, de una manera u otra, en sus historias, como hicieron en su momento autores tan dispares como Alan Moore, en La Cosa del Pantano, Neil Gaiman , en su obra magna The Sandman, o Kevin Smith, en su etapa Green Arrow. Sería precisamente el apodado como mago de Northampton quién sacaría de su ostracismo a Etrigan en su estancia en la citada cabecera que, a la postre, se convertiría en la piedra fundacional de la línea Vertigo Comics, convirtiéndolo en el atractivo rimador que hoy conocemos y posibilitando que Alan Grant y Val Semeiks, primero en Action Comics Weekly y Detective Comics y luego en la que sería la segunda serie del personaje en su historia -dejando a un lado la miniserie de cuatro números de Matt Wagner en 1987- recuperasen al personaje en todo su esplendor para el Universo DC. No obstante, Alan Grant intentó repetir el éxito que había conseguido en Lobo, el personaje creado por Roger Slifer y Keith Giffen que triunfaba a principios de los años noventa, ofreciendo un tono similar a este para su Etrigan, pero la cosa no acabó por funcionar a la larga. El guionista escocés permanecería en la cabecera hasta su número cuarenta y en 1993 un par de locos irlandeses, Garth Ennis y John McCrea, viejos conocidos entre ellos, llegarían a una colección tocada ya de muerte donde iban a dejar huella con un destacado epitafio a la serie a base de mucha ilusión, una gruesa pizca de insolencia y sangrante talento.

La historia original de Etrigan se remonta a los tiempos artúricos cuando el misterioso y enigmático Jason Blood forja una alianza con Morgana Le Fay, obsesionada con convertir a su hijo Mordred en el rey de Inglaterra, en contra del poderoso Merlín que antaño había sido su maestro. Pero Jason Blood es traicionado por la pérfida bruja y Merlin lanza una maldición contra él ligando su destino al del demonio Etrigan, un mentiroso, temerario y amarillento demonio habitante del Averno con una fuerza que hace honor a su nombre, un aliento flamígero y una retorcida e insaciable devoción por el caos propia de su condición. A partir de entonces Jason Blood y Etrigan se verán obligados a compartir su eternidad e intentar compensar las malas acciones de su vida. Jason Blood es capaz de invocar a Etrigan para que este ocupe su lugar en el mundo y así ayudarle a enfrentar batallas y desafíos que sólo él puede combatir. Todo ello mientras Jason Blood lucha por no dejarse llevar por su lado más oscuro. Al parecer Jack Kirby utilizó como inspiración para su diseño de Etrigan una historia aparecida en El Príncipe Valiente del mítico Harold Foster, obra también ligada al ciclo artúrico, donde en un momento dado el personaje protagonista se disfraza con una demoníaca máscara fabricada con la piel de un ganso y que, sin lugar a dudas, tiene un gran parecido con el amarillento personaje concebido por el considerado hoy como Rey de los Cómics. A su vez, al parecer, Harold Foster tomó como referencia para aquella historia suya una película documental titulada Häxan dirigida por el danés Benjamin Christensen en 1922, en la que posteriormente, en 1968, el popular escritor estadounidense William Burroughs actuaría como narrador, y que trata el tema de la brujería a lo largo de la historia de la humanidad. En esta película Benjamin Christensen muestra dramatizaciones propias de una película de terror apareciendo en ellas dantescos y demoníacos personajes entre los que destaca uno especialmente que recuerda por sus rasgos a los respectivos personajes de Harold Foster y Jack Kirby, que también habría podido tener conocimiento de dicha película.

El caso es que cuando Garth Ennis y John McCrea llegan a la serie, siendo para el guionista irlandés su segundo trabajo de envergadura para la industria estadounidense después de su Hellblazer, deciden poner toda la carne en el asador y ofrecer su propia versión del personaje creado por Jack Kirby. Durante las etapas de Matt Wagner y Alan Grant la ambivalencia y dualidad establecida en los orígenes de la serie entre Jason Blood y Etrigan, a medio camino entre Hulk y el Capitán Marvel original de la editorial Fawcett, se había descuidado sobremanera y el antaño “misterioso, sobrecogedor, enérgico” demonólogo había pasado a ser un títere en manos de su némesis. Garth Ennis decide restituir su dignidad al personaje “recreando a Jason Blood para que sea la horma de las amarillas pezuñas del demonio”, como lo describe Toni Boix en uno de sus artículos adscritos a la edición de Planeta deAgostini de la presente obra, y haciendo de la confrontación de ambos un duelo de egos de alto nivel que representa uno de los puntos más interesantes de la etapa de su autor en la serie. Garth Ennis y John McCrea, no obstante, establecen su etapa siguiendo las directrices que anteriormente había formulado Alan Grant, “el escocés malvado” como lo llamará el guionista de Predicador en su despedida en The Demon en 1995, convirtiendo la serie en una antología de alocados y divertidos relatos en los que abunda un lacerante humor negro y un sentido del homenaje perturbador respecto a otros cómics, personajes o películas bélicas y del oeste, entre otros temas fetiches recurrentes en la obra del guionista irlandés. En el camino Garth Ennis y John McCrea darían vida a Hitman, un personaje secundario recurrente en sus historias y que resultaba ser una suerte de asesino a sueldo dotado de telepatía y visión de rayos X cuyo carisma le haría finalmente ganarse su derecho a tener una cabecera propia. Sería en esta última, con una mayor libertad creativa, donde sus autores acabarían por desatar las terribles perversiones que apenas habían tenido tiempo de insinuar en The Demon.

“Iglesias profanadas, exorcismos muy físicos, personajes desmembrados, protagonistas con carisma, “héroes” crepusculares, sangre salpicando, un monstruo shakesperiano, gánsteres con colmillos, tele-evangelistas buscando engrosar su cuenta bancaria, el Comando de los Chicos del Coro, el Sicario del Infierno, el Bicho-Que-No-Puede-Morir, conflictos de pareja, embarazos ¿no deseados?, Hitman, el Gothodemonio, mucho cine y mucho cómic, referentes bélicos y un fantasma llegado del Lejano Oeste”. Todo eso y más, como reza en la contraportada del primer tomo recopilatorio de Planeta deAgostini de la serie, encontraremos en esta obra, casi iniciática, que se extendería a lo largo de diecinueve números regulares, incluido un número especial enmarcado dentro de Hora Cero, el evento que reiniciaba el Universo DC en 1994 y que Garth Ennis y John McCrea aprovecharían para volver a contar los orígenes de Jason Blood. La despedida, toda una “declaración de principios” de Garth Ennis en la que hace que Etrigan rompa el cuarto muro, llegaría en la conclusión de la saga de marcado tono bélico titulada, no por casualidad, El Día Más Largo -película ambientada en la Segunda Guerra Mundial y protagonizada por John Wayne basada en la novela de Cornelius Ryan-, en la que Garth Ennis aparta a un lado a Jason Blood, ya habiendo atado todos los cabos sueltos de la serie en números anteriores, para narrar una historia centrada en el Averno y en Etrigan y sus compañeros convertidos aquí en soldados que deberán librar una dura batalla contra un despiadado ejército de ángeles. En el apartado gráfico de la serie, John McCrea mantendría el listón muy alto durante toda la etapa, siendo el dibujante que mayor compenetración ha demostrado con el estilo de Garth Ennis de todos con los que este ha trabajado a lo largo de su carrera, consiguiendo encauzar la biliosa narrativa de este autor y su sentido de la acción y la violencia extrema sin vulgarizar sus relatos e historias, todo ello en virtud a su expresivo y sucio trazo, unos lápices perfilados y angulosos cuya personalidad acabaría por desarrollar en las páginas de Hitman.

La etapa de Garth Ennis y John McCrea en The Demon fue editada integramente por Planeta deAgostini hace unos años, excepto el The Demon Annual 2 que sería reservado para su publicación en el primer tomo recopilatorio de Hitman a cargo también de la editorial. La obra fue recopilada en tres pequeños tomos dentro de la colección Universo DC, incluyendo las portadas originales y toda una batería de destacados artículos a cargo de Toni Boix analizando diferentes aspectos de la serie. De esta manera en La Historia Hasta Ahora, La Gente Cambia y The Yellow Bastard encontramos diferentes introducciones a los respectivos recopilatorios de la colección mientras en Desde el Norte de Irlanda tenemos una interesante biografía compartida de sus autores y en Mi Vida Sin Mí y Los Años Perdidos un repaso a la trayectoria de la serie y del personaje desde su creación. The Demon es, en definitiva, “un trabajo hasta hoy injustamente infravalorado” en la carrera de Garth Ennis, como certeramente apunta Toni Boix, y que merece ser reivindicada como la mejor encarnación que ha tenido el amarillento y rimador personaje hasta la fecha, con el permiso de Jack Kirby, y el de John Byrne, profundo admirador de la obra de este último que en su Blood of The Demon devolvería al personaje al punto de partida en el que se encontraba situado en 1972 deshaciendo en el camino todo lo andado por otros autores. En resumen, Garth Ennis, con un escudero de excepción como es John McCrea, se muestra aquí fresco, visceral y atrevido sin caer en la ordinariez y la tosquedad de algunos de sus últimos trabajos, como es el caso de The Boys o Crossed, en los que se evidencia un cierto agotamiento en sus planteamientos ya algo pasados de rosca. Esos mismos planteamientos que le habían convertido en uno de los guionistas más interesantes, rompedores y prometedores en los años noventa, una leyenda que se empezó a forjar en los que hoy son sus trabajos más olvidados e ignorados, The Demon y Hitman principalmente, siendo estos en realidad dos pequeñas joyas y dos de las mejores obras del ya extenso currículum de este provocador profesional que es Garth Ennis.

Ver también:
Crossed de Garth Ennis y Jacen Burrows
The Boys de Garth Ennis y Darick Robertson

-Chobits de CLAMP-

2011-05-12T08:00:00.040+02:00

-Publicado Previamente en Zona Negativa-

"Todo el mundo dice
que si la vida hoy en día es más fácil
es gracias a los ordenadores"

El grupo creativo CLAMP, que entre 1987 y 1991 empezaron su andadura en el mundo del manga durante sus años de instituto dibujando doujinshis de famosas series como Saint Seiya, Captain Tsubasa o Devilman, se han prodigado desde entonces en todo tipo de géneros, creando obras tanto para un público adulto como para el más infantil sin por ello perder su sello de identidad, y destacando en su carrera historias como RG Veda, Tokyo Babylon, Magic Knight Rayearth, Cardcaptor Sakura, Tsubasa: RESERVoir CHRoNiCLE, XXXHolic o la presente Chobits. Esta última es una de las obras más conocidas e icónicas de CLAMP, cuarteto conformado a día de hoy por Tsubaki Nekoi, Satsuki Igarashi, Mokona Apapa y Ageha Ohkawa, que dentro de su particular universo, autorreferencial e interrelacionado ligeramente a través de sus diferentes series y creaciones, se podría considerar como una continuación de Angelic Layer, funcionando esta última como una precuela de la primera. Pero mientras Angelic Layer pertenece al género shonen manga, una historia sobre un juego futurista de lucha en la línea de series como Yu-Gi-Oh! o Pokemon, Chobits es una obra más difícil de catalogar, configurada como un seinen de ciencia ficción con ciertos toques de shojo manga, comedia romántica y ecchi. La historia se centra en Hideki Motosuwa, un joven estudiante de diecinueve años recién trasladado a Tokio, lugar donde este pronto descubrirá lo extendidos que están los nuevos ordenadores de última generación, los llamados comúnmente persocons, desarrollados para parecer y desempeñar funciones humanas de lo más variadas. Estos ordenadores han cambiando la manera en que la gente afronta sus relaciones personales y su día a día pero Hideki Motosuwa no puede permitirse tener uno debido a su elevado coste. Cierto día, por pura casualidad, se encuentra con un persocon con forma de chica abandonado y aparentemente averiado pero decide quedárselo a pesar de todo bautizándola como Chii debido a que es la única palabra que en un principio es capaz de pronunciar al haber perdido su software y haber sido reseteada. Pero lo que desconoce el nuevo dueño de Chii es que su persocon pertenece a la legendaria y enigmática línea Chobits, un modelo con unas características muy particulares y totalmente diferente a cualquier otro que se haya fabricado anteriormente.

Chobits, adaptada al anime en el año 2002 por Madhouse, el estudio de animación japonés responsable de series como Monster, Death Note, Trigun o Cardcaptor Sakura, fue publicada originalmente por la editorial nipona Kōdansha en su revista Young Magazine recopilándose posteriormente en ocho volúmenes que Norma Editorial editaría hace ya unos años por estos lares. En Chobits encontramos una historia de corte clásico de las CLAMP, con su habitual tratamiento de personajes y su particular manejo de la intriga y el suspense en una trama ligera de ciencia ficción, menos marcada, por ejemplo, que en su muy recomendable Clover. Por otro lado, la serie se retrata como una comedia romántica con un sentido del humor que determina casi toda la obra y que, en esta ocasión, presenta una predisposición más entusiasta hacía las escenas y gags de tono picaresco que en otras obras de las CLAMP y descartando además el corte levemente yaoi recurrente en otras historias suyas como es el caso de Tokyo Babylon, Lawful Drug o la inconclusa X/1999. Partiendo de estos principios Chobits resulta una propuesta fresca y entretenida, sin mayores complicaciones, pero que también tiene como aliciente un planteamiento que se molesta en analizar temáticas, más o menos profundas, marcadas por las vivencias personales entre humanos y seres artificiales y que las CLAMP aplican a la obra sin dejar de lado, sino más bien potenciando, la evidente apariencia cómica del relato. En esta línea, las historias de sus personajes, tanto principales como secundarios, representan una serie de tópicos seña de identidad ya de las CLAMP, que demuestran tener una especial predilección por los relatos morbosos y los elementos tabú que impregnan a menudo sus aventuras en las que son usuales las relaciones y sentimientos, a veces sólo insinuados, cuestionados socialmente o incluso de carácter incestuoso. Dicha fijación, lejos de ser una tara en Chobits, como si lo ha sido en otros mangas suyos donde resultaban más forzados tales argumentos, ofrece un aliciente y una perspectiva bastante interesante a la obra que juega con la ambigüedad de las emociones, sentimientos y valores humanos en contraste con la “amoralidad tecnológica” de los personajes robóticos del relato.

Esta cuestión es tratada en Chobits no sin cierto grado de ironía respecto a la actual sociedad de consumo en la que vivimos, convirtiéndose de esta manera la relación de los protagonistas con sus persocons en una metáfora del aislamiento y alienación del ser humano bajo la influencia de la tecnología que ha ido copando nuestras vidas. Al fin y al cabo persocon no deja de ser simplemente la abreviatura japonesa para personal computer que se utiliza en el país para designar a cualquier tipo de ordenador o computadora. De esta manera, las CLAMP, siguiendo levemente la estela de Isaac Asimov, manejan ciertas cuestiones ya planteadas y, de hecho, muy transitadas por la ciencia ficción clásica a lo largo de su historia, y que se centran en la interacción y el conflicto entre la máquina y el ser humano. La diferencia, no obstante, es que las CLAMP abordan el tema desde la propia naturaleza humana, en una línea similar al Video Girl Ai de Masakazu Katsura, utilizando sentimientos, emociones y experiencias con las que todos podemos sentirnos identificados, alejándose de tecnicismos y debates existenciales más austeros y farragosos y consiguiendo con habilidad hacer cercano el tema al lector. Chobits juega con ideas que tienen que ver con la esencia que define lo humano respecto a lo que no lo es llegando a la conclusión, de forma intencionada o por inercia, que este es un valor que sólo puede otorgar y manejar la sociedad y, en un plano más reducido e íntimo, el individuo. Todo este armazón existencial se plasma de manera muy sutil en la obra, en momentos muy determinados, siendo el resto, como ya hemos dicho, una simple comedia romántica que cumple con todos los cánones del género al que pertenece. Es por ello que llegando al final de Chobits es cuando las referencias sexuales y la comicidad, casi propia de una sitcom, adquieren mayor trascendencia en su vertiente más cáustica y cobran un sentido dentro de la dinámica interna del relato.

El dibujo de Chobits es una de las últimas muestras del “estilo clásico” CLAMP antes de Tsubasa: RESERVoir CHRoNiCLE y XXXHolic en las cuales se nota una cambio de orientación o evolución más drástica, aunque también es cierto que las autoras son reconocidas por su maleabilidad y adaptación en función de la temática o tipo de serie que abordan. Normalmente Mokona Apapa es la dibujante oficial de las CLAMP mientras Tsubaki Nekoi se ocupa de los fondos y tramas habiéndose encargado, no obstante, de los lápices de obras como Wish o Lawful Drug que parecen acercarse más en este caso al dibujo de Chobits. Dentro del universo de las CLAMP, como ya mencionábamos con anterioridad, Angelic Layer resulta una suerte de precuela de Chobits, aunque argumentalmente tengan poco que ver una y otra. Esto queda refrendado por la aparición de algunos de los personajes de esta en Chobits, así tenemos, por ejemplo, a Ichirō Mihara, creador de Chii que aparece ya en Angelic Layer y es mencionado en la presente obra, y a Kaede Saitou, la hermana muerta de la que nos habla Minoru Kokubunji y que en Chobits aparece como un persocon concebido a imagen y semejanza suya y por obra de su hermano. A su vez Chii sería utilizada posteriormente en Tsubasa: RESERVoir CHRoNiCLE, donde las CLAMP nos darían a conocer diferentes versiones del personaje pertenecientes a otras tantas dimensiones paralelas siendo la principal una creación del misterioso mago Fay D. Flourite encargada de vigilar el sueño del Rey Ashura. En resumen, Chobits es una obra destacada de las CLAMP, las conocidas como Reinas del Shojo, muy popular en Japón y que sin ser uno de sus mejores trabajos cumple con sus objetivos principales, que no van más allá de ser un entretenimiento puro y duro, a pesar de esa mezcla de géneros y esa “trascendencia temática” propia de sus autoras que tan bien han sabido cultivar a lo largo de su carrera y que tan buenos frutos les ha reportado en sus historias.

Ver también:
Tokyo Babylon de CLAMP